Posted on 2017.08.18 by MUSICA編集部

銀杏BOYZ、3ヵ月連続シングルを発表!
新たな季節を謳歌する峯田の胸中を探る

恋とロックへの憧れっていうのが俺の中にずっとあったんだけど、
いつのまにか、そこで女の子とロックが同化しちゃってるの。
ふたつが別にあるんじゃなくて、もう俺の目の前にひとつのものとしてある

MUSICA 9月号 Vol.125P.72より掲載

 

■いやいや、本当にお忙しそうで。

「それでも、ちゃんと遊んでますよ。明日から早稲田松竹で『トレインスポッティング』の122本立てが始まるんですよ。それも行かなきゃなって思ってて」

2本続けて観ると最高ですよ。そっか、全方位的にアクティヴなんだ。

「元気にやってますよ。ちゃんと寝てるし。朝ドラの撮影が終わるまで、髪型は変えられないんですけどね」

■で、そんなタイミングで銀杏BOYZ7月、8月、9月と3ヶ月連続でシングルリリースという。

「俺、去年マネージャーに言ったんですよ。『来年は音楽ちゃんとやる』って。去年、NHK1本ドラマ出て(『奇跡の人』。全8回)、その時期に今やってる朝ドラのオファーがあったんだけど、これで音楽のほうを疎かにしてたら、さすがに『あー、峯田、そっちのほうに行っちゃうのね』ってみんなに思われるのはわかってたから。もう、何も閉じず、全部をオープンにして、音楽もドラマも全部やることにして」

■でもこれ、あくまでも結果的にですが、よく大手の事務所とかが戦略的にやる、ミュージシャンがドラマ出演で話題になってるタイミングを狙い澄ましてリリースを当てるってやつですよ(笑)。

「そうっすね(笑)。しかも、ドラマの中でもThe Beatlesを武道館に観に行くみたいな話があって、ちょうど銀杏も武道館公演を控えてるっていう。全部行き当たりばったりなのにね」

■最初に3ヶ月連続でシングルをリリースするって聞いた時は、とりあえずこの段階でアルバムを目指さないのは、以前みたいに煮詰まらないための方策なのかなって。

「いや、そこまで考えてない。9月にリリースする新曲は、まだライヴでもやってないけど凄く自信があって。でも、その後もさらに新曲作ってるからね。曲はどんどんできていて、そこはあんまり心配してない」

■へぇ!

「元々今年は10月の武道館が最初に決まったんですよ。俺、決まった後に初めて聞いたの、スタッフから。『峯田くん、武道館やる気ある?』って」

■え?

「『抽選当たったよ』って」

■そんな、フットサルのコートみたいな(笑)。

「そうだよね(笑)。で、『せっかく武道館やるから、その前にシングル1枚出しましょう』ってことになって。で、その後に『ひよっこ』の話が決まって。なんか、せっかくやるならシングル1枚じゃつまんないなって思って、『3枚出すから』って自分から提案したの。で、3枚も出すならツアーもやろうって、それも俺から言い出したこと」

■やる気が漲ってる。

「最初『3枚出すから』って言った時は、言いながら『結局よくて2枚だろうな』って思ってたの(笑)。でも、本当に3枚行けたからね」

■大成長じゃないですか。いや、この間のツアーの新木場STUDIO COASTの時、峯田くんがMCで言ってたことが強く印象に残ってて。「これまで自分はやりたいことをやってきたけど、これからはやらなきゃいけないことをやる。そのことに気づいた」って言ってたでしょ? それって、すっごいデカい変化だなって。

「うん。それは、何か大きなきっかけがあって言ったわけじゃなくて、前からちょっとずつ思うようになっていたことなんだけどね。今回の3枚のシングル、『エンジェルベイビー』と『骨』と『恋は永遠』は、恋とロックの3部作って呼んでるの。で、恋とロックへの憧れっていうのが俺の中にずっとあったんだけど、いつの間にか、そこで女の子とロックが同化しちゃってるの。そのふたつが切り離されたものとして別にあるんじゃなくて、もう俺の目の前にひとつのものとしてある。きっと、ずっとそうだったんだろうけど、それに自覚的になったのが今回の3枚」

■なるほど。

「『光のなかに立っていてね』を作ってた時は、まだそこまで自覚的じゃなかった。ロックというものは自分の中に既にあって、それを表現者として出して行くんだって思ってた。でも、これは進化なのか退化なのかわからないけれど、ロックは自分の外にあるんだってことに気づいたの」

■女の子と同じように?

「そう。ロックは自分の外にあって、それに向かって行くのが俺のやることなんだって」

(続きは本誌をチェック!

text by宇野維正

『MUSICA9月号 Vol.125』

Posted on 2017.08.18 by MUSICA編集部

04 Limited Sazabys、シングル『Squall』リリース!
焦燥と渇きを生々しく放出した本作を機に、
再びGENに真っ向から対峙

昔だったら、こんなストレートに歌と言葉を表現するのは怖かった。
だけど歌そのものに感情を純度高く入れなきゃって思ったし、
そこで勝負していくっていう意志が“Squall”なんだなって思います

MUSICA 9月号 Vol.125P.60より掲載

 

1年ぶりに、『Squall』という3曲入りのシングルが出ます。とにもかくにも“Squall”が非常にストレートないい曲で。“monolith”がそうだったように、曲名を作品にも冠するのは、かなりの手応えを感じられてることの表れだと受け取りました。

「言われた通り、“Squall”に凄く手応えがあったので“Squall”に焦点を当てる作品にしたかったんです。これまでのシングルでは4曲入りにこだわってきたし、4曲をひとつの作品としていいものを作ろうって思ってきたんですけど――前のシングルにあたる『AIM』の4曲目に“Give me”っていうハッピーな曲を書けたことで、シングルとしての作品性っていう部分で、なんとなく完結した感があったんですよ。4曲でのバランス感は凄く得意ではありましたけど、それ自体が目的になり過ぎてもどうなんだろう?って思ったし。だから、次は4曲じゃなくてもいいかもなってなんとなく思ってて、そこで“Squall”ができたことで、ちゃんとシングルのリード曲として焦点を当てたいなって思えるような手応えがあったんです」

■その手応えは、この“Squall”のどういう部分に感じたんですか?

「武道館だったり、ハイスタやホルモンとの2マンだったり、認められたなって思えるポイントがこの1年でたくさんあったので、少なくとも自信は前よりついたと思うんですね。だからこそ、シンプルに自分達の持っているものを出せばいいと思えたし、純粋に自分達が出すものに自信が持てるようになったなって実感できた曲なんですよ。前だったらこね繰り回した部分もストレートに行けたのは、やっぱり根本的な自信がついたからで。そこは前に比べての成長だと思うんですよね。だから歌詞も一切ひねくれずに出せて。それが手応えだったし、嬉しかったんです。最低限の言葉で、だけど本当に思っていることをそのまま書き切れた実感があるんですよ」

■楽曲面では、メロディックパンクと同時に2000年代のギターロックを消化してきたフォーリミの特長がそのまま出ているのが“Squall”だと感じて。まず音楽的には、ご自身のどういう部分が出た曲だと思いますか。

「そこは、そんなに自覚的なものがなくて。今言ってもらったような要素も、世代として体感的に消化してきたなって感じで、今回もそれが自然と出てきたものなので、こういうバランスでこの要素を入れよう!とか考えたことはなかったですね。だから、この世代の僕らにとってのストレートっていうのはこういう感じだなって――感覚的なものだと思いますね」

■じゃあ、たとえば、2ビートのメロディックパンク一直線だった“climb”も、凄くストレートな曲と歌だったじゃないですか。それと今回のストレートには、どういう違いがあるんだと思います?

「どっちもストレートだし、感情が凄く正直に乗ってる曲だと思うんですけど――“Squall”のほうが悔しそうな曲だなって思いますね。どちらも悔しさがエネルギーになってる曲だとは思うんですけど、“Squall”は、まさに今順風満帆じゃない僕らだから書けた曲というか、負けの味を知ってる人がそのまま書いた曲っていう感じがするんですよ」

■でも、この1年でHi-STANDARDともマキシマムザホルモンとの対バンもして、夢に見続けたバンド達と同じステージに立てた。YON FESもさらなる定着に向けてちゃんと成功したし、武道館ライヴも即完した。そうやって着実に夢を叶えてきたと思うし、夢を叶えること自体をメッセージとして体現してこられたと思うんです。なのにGENくんが順風満帆じゃないって言うのは、どういう部分に対してなんですか。

「『夢を叶えてきた』って見れば、確かにそうだとは思うんですよ。だけど、そもそも僕らは早くから評価されてきたバンドでもなかったですし、周りを見ると、みんな早くから才能を見抜かれて評価されてた気がするんですね。だけど僕らは、少しずつ仲間が増えてきて、気づいたら先輩にも認められるようになったって感じなので、そもそも全然上手くいかなかった時期の気持ちをずっと持ってるっていう感覚が強いんですよね。なおかつ今は、確かにいい感じになっている面もありますけど、同世代のオーラルやWANIMAの台頭も半端じゃないですし、Suchmosも一気にひっくり返してきたので――僕らとしては、1位になれた記憶がまだ1回もないんです。いつも、誰かの影にいる感じがしちゃいますね。その悔しさがそのまま原動力になって出てきたのが、“Squall”だと思うんですよ」

■たとえばこの1年のGENくんの言葉の中で最も印象的だったのは、武道館での「僕らはみんなの青春になりたいわけじゃない。一生一緒にいたい」っていうMCで。フォーリミの世代には、自分達のワンマンと同時にフェスのステージでも勝ち上がらなくちゃいけない意識があったと思うし、実際、自分達の単独より先に1万人以上のキャパを経験するバンドも多かったと思うんです。で、もちろんそれだけじゃないっていう前提で言うけど、フォーリミも、フェス台頭世代として勝ってきましたよね。その上でのあの武道館ライヴは、フェスでのお客さんの数に自分達のお客さんが追いついた初めての場だったとも言えると思うんです。そこで、一過性の青春で終わらないっていう意志表示をしたのは、誰よりもGENくん自身が新しいタームでの勝負を感じてたからなんだろうなって思ったんですけど――自分では、どういう心持ちであの言葉を放ったんですか。

「うーん……まず、武道館っていうところまで行けたことによって、今はきっと、何をやっても評価してもらえるとは思ったんですよ。どんなものを出していっても、いいね!って言ってくれる人がある程度はいるだろうっていう意味での自信は生まれたんですね。だから、曲を作る上での行き止まりはどんどん減っていったし、具体的に言えば『前出した曲に似てるな』とか、『もっと新しいことしなきゃ!』っていう、自分へのブレーキみたいに作用してた気持ちもあんまりなくなっていって。そういう意味で、自分達なりの直球っていうものに正直になっていくのが次のタームだって思ったのかな。……今までは、毎回新しい武器を見つけなきゃいけないって思い過ぎてたところがあったんですけど、今は、使ったことのある武器も別に使っていいっていうモードになれて。だけどただの焼き増しじゃなくて、武器をさらに研いで使えるようになった感覚なんです。それこそ昔は時代のこととか、『どういう曲、どういう見え方が俺達には必要なんだ?』ってことも考えてたと思うし――」

(続きは本誌をチェック!

text by矢島大地

『MUSICA9月号 Vol.125』

Posted on 2017.08.18 by MUSICA編集部

SUPER BEAVER、ロックバンドの王道をぶち抜く
新作『真ん中のこと』完成!
柳沢&渋谷と胸の内を熱く語り合う

昔から心動かされてきた真っ直ぐで純粋なロックバンド像を、
今オーヴァーグラウンド表現できるのは俺達なんじゃないかなって感じたし、
それがSUPER BEAVERのアイコンになっていくと思ったんだよ

MUSICA 9月号 Vol.125P.66より掲載

 

■作品を再生した瞬間、聴くバンドを間違えたかと思ったんですけど。

渋谷龍太(Vo)「ああ、ど頭ね(笑)」

■そう、初っ端の“ファンファーレ”が、ビーバー史上かつてなくガツンとしたアイリッシュパンクだったので驚いたっていう話なんですけど。で、“ファンファーレ”に限らず、アグレッシヴなリズム展開の曲が際立つ作品になったと感じていて。まず、ご自身はどういう手応えを持っている作品なのかを聞かせてもらえますか。

柳沢亮太(G)「今回はまず、ぶーやん(渋谷)から先に『ライヴを意識して、今までになかったリズムを使ってみよう』っていう提案があって、それが基盤になって始まっていった作品なんだけど」

渋谷「そうだね。今までは、楽曲が並んだ結果として『こういう作品になったね』ってわかる場合が多かったんだけども、今回はもっと、音楽的な重心を上げて、より自由にやってみた作品だと思うんだよね」

■その発想は、今のビーバーをどう捉えたところから出てきたの?

渋谷「今までは、伝えたいことをそれ相応のストレートな手段で歌にしてきたバンドだったと思うんだよね。逆に言えば、強い右ストレートばっかりを磨いてきてさ。その結果として、どのアルバムも重心が低くてドッシリ構えたものになってきたし、特に『27』っていう作品はそういうものだったと思うのね。でも、その次を見据えるにあたって『強く伝えたいことがあるなら、人としても音楽としても、感情の幅が広くて豊かなほうが、核をより強烈に伝えられるんじゃないか』って思ったのが、今回のコンセプトの始まりで」

■フックもキックもあることで、右ストレートがより一層効くっていう。

渋谷「そうそう。やっぱり、いろんな感情を持ってる人のほうが魅力的だし、そういう人が『ここぞ!』で出すストレートのほうが、より一層強烈に効くんだろうなって。それは、いろんなバンドと対バンしている中で考えるようになったことではあるんだけど――ひとつ具体名を出すと、四星球を観た時にそれを強烈に感じてね。あの人達は『コミックバンド』って自称してステージでいろんなことをやってるけど、でも、あの人達には絶対的なメッセージがあって。それを伝え切るために、散々笑いの伏線を張ってこっちをノーガードにしてきて、その最後の最後に、一番大事な言葉がドーンと真っ直ぐ飛んでくる感覚があったんだよ」

■散々笑わせた最後に、日々の悲しいことを乗り越えるための闘い方が笑顔なんだ!っていうメッセージを真っ向から叩き込んでくるよね。

渋谷「そう。パンチじゃない部分があったり、ジャンプできる部分があったり――そういう起伏の核として全力のストレートがあることが、より強さになっていくんだなって。それは音楽として何かをフェイクにするっていう意味じゃなくて、ブレないメッセージをより伝えやすくするために、特にライヴにおける音楽としての役割分担を考えるってことなんだけど。だから、久々にオリジナルCD(プレイリスト)を作って、ヤナギに『こういう発想を取り入れたい』って言って渡したんだよね」

■そのプレイリストにはどういう曲が入ってたの?

柳沢「TURTLE ISLANDとか入ってたよね?(笑)」

■また極端な(笑)。でもTURTLEを入れてたということは、やっぱりリズムに主眼があったんだ?

渋谷「そう、そう。あとはTHE ROOSTERSとかスピッツ、ズボンズも入れたし、LEARNERSも入れて。『あくまでポップにする』っていうこれまでの意識に対してロックンロールのアプローチはやってこなったし、それをヤナギに渡したのも、ロックンロールの鋭角さを出そう!ってこと以上に、リズムパターンの新しさっていう視点だったんだよね」

■今までは渋谷くんのMCを柳沢くんが咀嚼して曲にする循環があったわけだけど、今回はそれとは違うところから音楽が生まれたわけですよね。今挙げてくれたような土着的なリズム音楽や、大文字のロック的な発想からスタートしたのは、具体的にどう反映されていったと思いますか?

柳沢「まあ、それらをまったく通ってこなかったかって言われたら、そうではないんだけど、自分達の曲っていう意味では、引き出しにはない要素だったんだよね。リスナーとしても日本的なポップを好んで聴いてきたし、それが自分達の曲には反映されてきたわけだけど――その上でぶーやんが言いたかったことっていうのは結局、『この曲をそのままやってくれ』ってことじゃなくて、音楽に対する自由な発想や楽しさを取り入れようっていうことだったと思うの。それによって、元々俺らが持ってるポップス的な発想をより一層刺激してもらったような感覚があって。今までは俺が作った曲に対して『もっとこうしたほうがいい』って言い合う作業だったんだけど、今回はそれ以前に、曲の素材の段階から『どれを鍋に入れようかな』っていう意味での広がりがあったし、それが凄く楽しかったんだよね」

■たとえば、“正攻法”のBメロで跳ねたダンスビートになるじゃない? あのビートに対してギターフレーズのループが乗ることで生まれるトランス感がとても新鮮で。あそこまでアッパーに振り切るアクセルの踏み方も、今言ってくれたことが表れたものなの?

柳沢「そうだね。そもそも“正攻法”みたいにサビが2ビートになることも今までなかったし、それも、音楽として楽しいほうに振り切ってしまおう!っていう発想を持てたことの象徴だと思うんだよね。言ってくれたように、『楽しい!』の発想のエンジンのかけ方を、より一層4人で共有できたんだと思う。あのダンスビートがサビじゃねえのかよ!(笑)みたいな展開でサビに2ビートがくるのも、それが重なった結果で。今までは『これを歌いたい』っていう想いを軸にして、『どうやったらその中心をより強くできるか』の肉づけとして音楽を作ってきたと思うんだけど、それと音楽的な楽しさが同時になった、そのきっかけの作品でもあって――」

(続きは本誌をチェック!

text by矢島大地

『MUSICA9月号 Vol.125』