Posted on 2017.10.19 by MUSICA編集部

オリジナル作品としては2年3ヵ月ぶりとなる
新作『UNITY』を発表するORANGE RANGE。
NAOTOとYAMATOがバンドの在り方を語る

たとえば沖縄でエイサーがあったら、みんなゾロゾロ出て来て、
横で一緒にカチャーシーしてたりするんですよ。
音楽ってそういうもんだと思うんですよ。
いろんな壁が邪魔してるけど、本当はそんな壁なんてない

『MUSICA 11月号 Vol.127』P.106より掲載

 

(冒頭略)

■学生の時の感覚と今こうして5人で音楽をしている感覚が凄く地続きだっていう話でもあるんですか?

NAOTO&YAMATO「あ、そうですね」

NAOTO「HIROKIのポジションとかも変わってないよね?」

YAMATO「変わってないね。あいつは昔からオールラウンダーで」

NAOTO「みんなの関係性も役割も全然変わってないかもしれない」

YAMATO「学生の頃のノリがずっと続いてる気がするよね。学生で止まったまま、大人になってると思います」

■それが凄いと思うし、このバンドとこの音楽のひとつの魅力だと思うんですよ。別にずっとインディーズで好き勝手していたわけでもなく、デビューしてすぐにブレイクしてORANGE RANGEってもの自体が凄く巨大なプロジェクトになった瞬間もあったと思うんですけど、でもその中でも変わらない関係性とノリと遊び心を持ったまんま、音楽を続けられてるっていうのは、実は凄いことだなと思いますけどね。

NAOTO「自分達が好きなことしかやってないっていうのもあるよね。それが許されてるというか、受け入れられてるなって感じる安心感みたいなものもあったと思うし。だからますます自由にできるっていうか」

YAMATO「ウチらはずっといい意味でみんなの期待を裏切るってことモットーにして、いろんな幅のある曲をリリースしてきたわけですけど。去年47都道府県を回ったり、その後に追加でアジアにも行かせてもらったりした時に、ウチらの15周年をこんなにも祝ってもらえてるんだとか、こんなにもみんな待っててくれるんだとかって実感して、それが単純に嬉しかったし、改めて自分達がやってきたことが間違いじゃなかったって思えて。だから、この『UNITY』もそうですけど、今後もさらに自分達の好きなように音楽していいんだっていう自信にはなった気がしますね。そういう環境みたいなものも、変わらずにいられる要因なのかなとは思います」

■話をEPに戻すと、2曲目の“チラチラリズム”は、世の中的な意味でのORANGE RANGEという記号性が最も強い音楽性の楽曲で。15周年を経て、“ロコローション”とか“上海ハニー”的な自分達のイメージを確立した曲調を今の形で正面から提示し直すようにも感じました。

NAOTO「これは面白い話で、沖縄ファミリーマートさんから是非一緒にやりましょうってお話をもらって。で、その時に『曲は昔のORANGE RANGEさんみたいな感じで書いてください』って言われたんですよ」

■それはまたストレートに来たね(笑)。

NAOTO「そう、直だな!と思って(笑)。でもそれがよかったんですよ。やっぱりこういう曲って、今の自分達から自然発生的にはできにくいっていうか、どうしても腰が重いっていうか」

■既に一回やってることですからね。

NAOTO「そうそう。こういう曲はもういっぱい持ってるし、それにこういう曲をやるには若さとか体力が要ると勝手に思ってるし(笑)。だから、こういう機会がないとできない曲かなと思って『やります!』って言って。その結果、でき上がってみてよかったですね。逆に新鮮っていうか……こういう曲はたくさんあるんだけど、でも改めて面白かった。楽しかった。やっぱりね、自分達でも、ORANGE RANGEってこういう曲だよねみたいなーーもちろんこれだけじゃないんですけどね、でもそんなイメージはやっぱりあるんですよ。だから、今回こういう曲ができたのも、変な感覚で。セルフカヴァーじゃないですけど、自分達で疑似的にORANGE RANGEをやる、みたいな。それが変な感覚だったし、新鮮でしたね」

■そういうことをやってみた中で、自分達で「これがORANGE RANGE的なものなんだな」とか、「こういうところに強みと個性があったんだ」みたいな再発見もあったりしたんですか。

NAOTO「やっぱリフかな。ちょっとお馬鹿っぽいリフをみんなでやっちゃう、みたいな。あれが代名詞というか、常套句というか」

YAMATO「たぶんみんなが思ってるORANGE RANGEっていうのは、そのリフの部分だったりユニゾンの部分だったり、あとは下ネタだったりすると思うんですよ。実際それをチラッと出しただけでだいぶ雰囲気が変わるし。ただ、今回の“チラチラリズム”は歌詞にひとつも下ネタが入ってないんですよね。だからやっぱりあの頃とは違ってて」

■“チラチラリズム”はちゃんとメッセージがある曲ですよね。<頑なに現状維持はしたくない>とか、<男なら夢共々掴み取ろうぜ>とか、愚直なまでに直球のメッセージが歌われていて。それこそ“上海ハニー”から10年以上経った今、ただはっちゃけててノリよく面白い音楽をやるだけじゃない、今のバンドの姿勢がこういうところに出てるんじゃないかと思います。

YAMATO「そうですね、まさにおっしゃる通りだと思います。沖縄ファミリーマートさんの30周年のタイミングだったんですけど、沖縄ファミリーマートを引っ張っていってる人達ってポジション的には中堅の方が多いんですよ。ベテランでも新人でもないっていう。で、僕達ももう新人ではないし、かと言ってまだベテランの域でもない。そういう意味で、やっていることは違うけど似たような境遇というか、共感することがたくさんあって。その中で、この曲は『自分次第だから』っていうのが、一番伝えたいメッセージとして出てきて……バンドにしても夢を追うことにしても、やめようと思えばいつでもやめられるし、本当に自分達次第だなって思うことがあって。自分達はまだ今でも青春だと思ってるし、むしろ今はもっともっと貪欲にやっていきたいって思ってるんですけど、そういう中で沖縄ファミリーマートの皆さんともたくさん共感する部分があったので。そこで一緒に『もっともっと貪欲に行こうぜ』っていう熱い話をしたのがそのまま歌詞になってますね」

(続きは本誌をチェック!

text by有泉智子

『MUSICA11月号 Vol.127』

Posted on 2017.10.19 by MUSICA編集部

フレデリックのポテンシャルが全面開花した
会心の一作『TOGENKYO』完成!
4人での全曲解説インタヴューで徹底的に紐解く

自分の中に現実と幻想の合間で闘ってる部分はあるなと思ってて。
今の世の中には、現実も踏まえた上での夢とかロマンスが
足りない気がするんですけど、だからこそ僕らは
そこを音楽で伝えていきたいっていう想いがさらに強くなってる

『MUSICA 11月号 Vol.127』P.98より掲載

 

■これはフレデリック史上、過去最高に素晴らしい作品だと思います。このバンドの音楽的な個性と面白さが存分に発揮されましたね。

三原康司(B)「ありがとうございます! フレデリックがやりたかったこと、形にしたかったことを、この4人になって改めて考え直したんです。武ちゃんが入ったことで、自分達のルーツにある音楽のことだったり、俺がどういう詞やメッセージを書いて、それを健司がどう歌っていくかっていうことだったりに、より深く向き合えるようになって。で、向き合った時に、やっぱり俺らは音楽で伝えるってことをやりたいんやって思って」

三原健司(Vo&G)「今年の夏フェスでも、MCどうこうではなく、大切なのは音楽なんだっていうところにフォーカスすることを心がけてて。MCを褒めていただけることもあったんですけど、それよりも『めっちゃいい歌を歌ったね』とか、『音楽だけで楽しめるバンドやね』って言われるバンドでありたいなって素直に思うようになって」

■それは逆に言えば、たとえば去年の夏頃はMCでちゃんとメッセージを発さなければっていう意識があったと思うんだけど、今はもっとどっしり構えて、自分達の音楽を鳴らせばそれで伝わるんだっていう感覚に至れているということ?

健司「そうですね、そこに辿り着くことができたし、その自信がついたと思います。『自分が引っ張らないと!』っていう焦りの気持ちとかは今はもうなくて、ちゃんと自分の歌で、自分達の音楽で勝負できるところに突入できた実感はあります」

康司「そういう気持ちやったから、今回は作る上でもテーマ云々じゃなく、完全に音楽先行、曲先行でやってて。テーマを決めてその地図通りに作るんじゃなくて、素直に音楽と向き合って、素直に自分達の中から出てきたものを曲という形にするんだっていう姿勢でやっていて。その中で自然とこの『TOGENKYO』っていう作品ができ上がった感じがあるんですよね」

高橋武(Dr)「僕も今までの作品と比較しても素直だなと思いますね。あと、お互いによりいろんなものを吸収して作れた作品だなと思ってて。今回は特に、メンバー間で刺激とかアイディアを与え合えたと思うんですよ。たとえば康司くんのドラムに対する考えを僕がインプットして叩くみたいな。そうやってメンバー同士の価値観をより深く共有し合うことができたというか。かつ、誰かから出てきたアイディアに対してみんな前よりも柔軟だったなと思います。レコーディングの現場でアレンジが変わることも結構多かったし」

赤頭隆児(G)「多かったな(笑)」

高橋「それって、メンバーそれぞれの地の力がパワーアップしてる証拠でもあると思ってて」

康司「自分達が吸収してきた音楽を曲にどう合わせてどう出していくかみたいな部分は、凄くすんなりとやれた気がするな」

赤頭「いい曲にするためにっていうところと、それぞれ自分がやりたいことっていうのが、凄く自然にいいバランスでできた感じはありますね」

(中略)

■では1曲ずつ行きましょう!

 

01.TOGENKYO

■アップテンポなスピード感のある展開で、曲が進むにつれてどんどん感情が迸っていく印象があるエネルギッシュな曲です。これはどんな発想から出てきた曲なんですか?

康司「これは何も考えず自分がその時に思った感情や感覚をそのまま出して、ただただ素直に思ったままに作ろうっていうふうにして作った曲なんですよ。『フレデリズム』を出した後、メンバーと話してる中で、考えたりフィルターを通したりせず、自分の中からパッと出てくるものをそのまま形にしたほうが、より自分らしさもフレデリックらしさもある曲になるんじゃないかって思うことがあって。それで、その時に思った感情を口に出してみたら<桃源郷 待って 待ってほら>っていうあのフレーズが出てきて、その言葉のリズムから全体を作っていったんですけど」

赤頭「曲作りのタイミングじゃない、何かのレコーディングの合間に『できたから』って言われて聴いたんですよ。突然だったからビックリしたんですけど(笑)、でもその時からもう、康司くんらしい凄くいいメロディやなって思う曲で」

高橋「この曲を聴いた時に『これはきっと康司くんが何も考えずに、素直な感覚でやりたいように作った曲なんだ』ってわかったんですよ。いつも凄く考えて作ってくれるんですけど、でも考え過ぎるとそれが足枷になる場合もあるじゃないですか。だからそれが解けたらさらにいい曲ができるんじゃないかっていうのは前から思ってて。ただ、それって気持ち的にラクになってないとできない、追い込まれてたらできないと思うから、今回康司くんがこういう曲を書けたっていうこと自体が凄く嬉しかったんですよね」

健司「康司って基本的に、自分の想いを言葉で話すっていうよりは、全部曲の形にして持ってくることが多くて。そういう、康司のいろんな気持ちがそのまま表われてる曲ってフレデリックのデモ曲にはあるんですけど、これは特にそうでしたね。しかも、最初に“TOGENKYO”っていうタイトルを見た時は、新しいものができたっていう曲なのかなって思ったんですけど、実際に聴いてみたら、その新しい桃源郷を作るまでの過程を歌ってる曲やなという印象で。ということは、このデモをバンドで育てて完成させて、そこからさらにライヴをやっていく中で、新しい桃源郷を生み出せるんじゃないかっていう期待がめっちゃ出てきて」

■康司くんから出てきた桃源郷に行くんだという想いや願いを、バンドとしてちゃんと実現させようっていう気概が改めて強く生まれた、と。

健司「そうですね。バンドとしてそこに連れていってあげたいっていう気持ちもありました」

(続きは本誌をチェック!

text by有泉智子

『MUSICA11月号 Vol.127』

Posted on 2017.10.19 by MUSICA編集部

UNISON SQUARE GARDEN、
3ヵ月連続でのメンバー個別連載取材を敢行!
ユニゾンの頭脳・田淵と交わすロック論考談義

もしメンバーにアニメ嫌いがいて、タイアップ毎に
そいつの精神が病んでいくのなら、そりゃやらないですよ(笑)。
だけどそういう空気はないし、目に映る範囲のみんなが楽しめていれば、
楽しくロックバンドを続けられる

『MUSICA 11月号 Vol.127』P.92より掲載

 

(冒頭略)

■今回、3ヵ月連続で3人それぞれにソロでご登場願うんです。それぞれのタイミングで作品と個々の話を聞くというテーマで掘り下げたいんですが、ブチくんに訊きたいのは、ご自身はツンデレな人なんですか?

「ツンデレ……? 何をもってそんなこと訊くんですか(笑)」

■意地もあるし捻くれている部分もあるのに、音楽にもバンドにもファンにも圧倒的なサービス精神を持っている。それが混在していることによって、結果的にわかりにくいと言えばわかりにくいんですけど、それがあるからこそユニゾンの音楽になっているわけじゃない。“fake town baby”の話でいけば、同じアニメのタイアップだった“シュガーソング~”を意識しなかったと言いつつ、しっかり<甘いか苦いかは君が決めろよ>っていう歌詞があるじゃないですか。ちゃんと“シュガーソングとビターステップ”を意識したキーワードを入れるわけですよね。

「ははははは」

■これはきっと、それを喜んでくれる人の顔が見えているからだと思うんです。そういうめんどくさい両面性みたいな部分が面白いと思うんだよね。

「まあ、これも見方によれば、『昔出した曲と同じ言葉を使った語彙のないヤツ』って思われる可能性もありますけど――」

■ちょっと待て、そんなこと誰も言わないだろ(笑)。

「いや、ユーザーっていろんなタイプがあるから(笑)。僕が『これが正しい』と思っていることでも、それが嫌でファンを辞めた人だって絶対いると思うので。でも、やっぱりどういう時も『僕がユーザーだったらどう思うだろう』っていうのを基準にしてる気はするんです。たとえばミステリー小説の流儀で言えば、前のシリーズの登場人物が続編の意外なところ出てきたら、俺だったら少なくともニヤリとするなあっていう。だから全部においてのモデルユーザーは僕自身なんですよ、結局はね。で、それがもし鹿野さんが言うところのデレならば、もしデレ100%に見られたらクソダサいとも思うわけです」

■そういう田淵くんがバンドを組んだのは、バンドのどういうところがいいなあと思ったからなんですか。

「当時は、バンドやれてれば毎日が楽しい!みたいな感じで何も考えてなかったと思いますけどね。当時から、売れたい思うより、とにかくバンドができていればよかった感じでしたね。で、THE HIGH-LOWSのドキュメンタリーDVDを観て、そこで、ブレないバンドってカッコいい!っていうロックバンド憧れが生まれたのはデカかったと思うし。そのHIGH-LOWSのスタンスが、今の自分に近かったと思うんですよ。曲を作れてライヴできればいいんじゃん?みたいな。で、そういうバンドを自分ならできそうだった感じがしたと言いますか……それにベースだったら、別に努力しなくてもベースを弾いていること自体で上手い人っぽく見えると思ったんです(笑)。いい曲を作るために努力するぞとも思わなかったし。『これなら努力しなくてもできる』っていう分野だったから始めたのかもしれないですね、バンドを。そこから斎藤くんにオリジナルバンドをやろうと誘われたわけですけど、オリジナル曲をやるとなると、やっぱりニョキニョキと湧いてくるものがあったわけですよ(笑)。それで作ってみたら、実際に曲も量産できちゃった。その頃があったことによって、今の自分ができ上がっているところはあって。だから、今こうして作曲の立場にいられているのは、『元々努力しなくてもできたから』っていうのが大きい気がします。メジャーデビューすることになった時も、プロになるつもりでやってたわけじゃないから、『これでいい曲だって言ってもらえるんだ!』って普通に思っただけで、ヒョイと入っていったし」

■プロにならなくてもよかったっていうのは、社会人やりながら趣味としてバンドを続けているのでもよかったっていう意味なの?

「いや、そういうわけでもないかなあ。認められてなかったら、それはそれで飽きてたとは思うんですよ。どうしても就活の波はきたし。ただ、僕は当時から自分の曲が超好きだったし、僕がいいと思うものをメンバーもいいと言ってくれたし、変な大人の人が『君達のバンドはいいよ』って言ってくれたから、これでいいんだ!と(笑)。それでフラーッと流れていっただけで。まあ、順番はどっちが先かわからないけど、とにかくバンドが好きでバンドがやりたかったから、努力しなくてもできる分野がバンドの中にあったんです。僕だったら作曲や作詞ですよね。自分にそういう才能があると思ったから続けてきたので」

■自分自身に才能を見出したのは、曲作りの部分なのか、ベーシストとしての自分になのか、もしくはバンド全体の核としてなのか。

「うーん……ベースの才能でないのは確かですね。今に関して言えば、身の丈に合ったバンドの続け方に対する嗅覚が自分の才能だと思っていて。で、そういう才能に気づけているから、お茶の間にウケない曲を書いていても『俺、天才』って言えるわけですよ(笑)。だって、僕がもし『お茶の間にウケたい人』だったら、こんな曲書いてちゃ才能がない人になるんですよね。お茶の間にウケる曲を書きたいと思っているのに、実際に書く曲はお茶の間にウケないわけだから。だけど、僕が僕に才能があると思えるのは、お茶の間にウケない曲を書いていても、この分野だったら勝てるっていう感覚に気づけたってことだと思うんです。それがバンドを長く続けるための重要なファクターだし、そのための選択ができるセンスも立派な才能なんだと思ってます」

(続きは本誌をチェック!

text by鹿野 淳

『MUSICA11月号 Vol.127』