米津玄師、確信にして革新の傑作、
『Bremen』で切り拓いた新境地

自分とばっかり向き合って、他の人がどうだっていうことにまったく目を向けずに、
自分が思う美しさばっかりを追い求めていくうちに
気がついたら自分は荒野にひとりでポツンと立ってたんです。
そこからずっと、その荒野から抜け出すにはどうしたらいいか考えてた

『MUSICA 11月号 Vol.103』P.34より掲載

■『diorama』にしても『YANKEE』にしても、米津くんは毎回アルバムの度にちゃんと自分を更新する傑作を作ってくるなぁと思っているんですが、それにしても今回は素晴らしいと思います。

「ありがとうございます」

■ご自分ではどうですか？

「リリースする度に思うんですけど、いいものを作ったっていう自負だけは残ってるんですけど、でも、まだ人に聴かせてない状態だから、『果たしてこれでよかったんだろうか』という不安が入り混じっていて……あんまり客観的な判断が自分ではできないんですよね」

■そうなんだ。でも手応えはあるんでしょ？

「そうですね。いいものを作ったという自負はあります」

■『diorama』完成以降、『サンタマリア』というシングルを作った頃から、米津くんは自分の音楽を作って人に向けて放っていく、世の中に対して発信していくということに関してとても自覚的だと思うんですけど。言い換えれば、音楽を生み出すことができる自分の役割、大げさな言い方をすればそこにある使命感と真摯に向き合いながら創作活動を続けているっていう言い方ができると思うんだけど、その中で今作は、ひとつ自分が進むべき道、担うべき道をちゃんと見つけることができた、そしてそれを覚悟を持って選び取ったアルバムだというふうに感じたんですよね。で、それと同時に音楽性もアップデートされて、新しい米津玄師の音像をちゃんと手に入れたなという感じがしたんですけど。

「そうですね、音像は『YANKEE』の時もそうだったと思うんですけど、ただ、振り返ってみたら半分半分だったなと思ってて。あの時のアルバムも移民（＝YANKEE）いう意味合いをつけて、違う畑に移っていく、それによって自分がやってきたことも作り変えていくという意志を込めたアルバムだったと思うんですけど、でもまだ『diorama』とか、それ以前に作り上げた方法とかもあのアルバムには入ってたし……それは自分のことしか考えずに、いかに変な音にするかとか、そういう考え方で作ってた曲が半分くらい残ってて。それはそれでよかったと思うんですけど、次に何をやるかって考えたら、その頃に培ってきたものっていうのは1回全部否定して、まったくなかったものだけで1枚全部やろうじゃないかっていうふうに思って。それは作り始める前から意識してましたね」

■その新しい音像が、世の中的にはまず“アンビリーバーズ”で出ていって。これはエレクトロニックなダンスチューンで、アルバムの中でもかなり振り切った曲ではあるんですけど、これはアルバム制作のどのくらいのタイミングで完成したんですか？

「“アンビリーバーズ”も結構難しくて」

■原曲は『YANKEE』の頃からあったと言ってましたよね。

「はい。そもそもは『YANKEE』に入るか入らないか、みたいな状態で。結果的に時間が足りなくて入らなかったんですけど、ただ、芯の状態だけはあって。で、そこから引っ越しをして、引っ越しをすることによって曲がよく書けるようになって（笑）。でもこれが完成したのは、割と最後のほうだったかなと思います」

■“アンビリーバーズ”はそれこそギターも入ってないエレクトロだけど、アルバムはもっと様々な音像の楽曲が入っていて。ジェームス・ブレイク以降のポストダブステップ的なインディR&Bもあれば、ギターとシンセが美しいアンサンブルを描く曲もあるし。でも、どのタイプの楽曲も明確にアップデートされたアプローチと景色をもったサウンドの中で、歌が美しく響いてくるものになっていて。このあと精神的な話はたっぷり聞きたいんだけど（笑）、それだけじゃなく、この純粋な音楽的な進化と開花は本当に素晴らしいと思った。ちゃんとポップミュージックとして半歩先を行くものを作ってきたなと思うし。半歩先って、とても難しいことなんだけど。

「そう言ってもらえると本当に嬉しいです。自分はそういうことをちゃんとやっていきたいとも思ってるから、そこは結構気にしてて。ポップミュージックってそういうものじゃないですか、半歩先のものじゃないですか」

■そうなんだよね。ポップっていうのは、常に更新されていくべきものなんですよね。ただ、それが何歩も先になってしまうと、それはまた違うものになっていくから。

「そうなんですよね、先に行き過ぎてもいけないなって思うから、凄い大変でしたね」

■私はこれを聴いて、トム・ヨークが思い浮かんだんですよ。それはどういうことかっていうと、あの人は常に前衛的な音楽をチェックして、それを自分やバンドの音楽に取り入れて音楽性を更新していっているけど、でも実は、ずっとフォークソング、ポップソングを歌ってるんだよね。それを、その時代に機能するもの、その時代の目を開かせるものにするために、ああやって先端的なことをやっていくという。その感覚に近いなと思って。

「それはとても恐れ多いというか、恐縮なんですけど……」

■まぁそうかもしれないですね（笑）。

「でも、『diorama』を作る前から、レディオヘッドみたいに常に変化する作品を作っていきたいと思ってたので。それは嬉しいです」

■で、それができるのは、やっぱり米津くんの歌の強さがあるからこそだとも思うんです。自分のメロディと言葉に確信があるからこそ、音楽性を変幻していっても本質が揺るがないというか。

「そうですね。自分が音楽において何を一番重視してるかっていったらやっぱり歌だし、もっと言えばメロディラインだし、言葉もそうだし。自分が作る歌があって、それに自信を持ってる自分がいる限り、どういうことをやったとしてもそれは自分になるんだろうなっていう自負みたいなものはあるんですよね。だから自分がこうやっていろいろやることを変えてやっていけてるっていうのは、自分が持ってる能力のおかげなのかなとか思ったりするし……それは一種の自信というか、自信があるからできるんだろうと思います」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA11月号 Vol.103』

plenty、孤独と葛藤に膝を抱えた少年が
生命の歓びを歌うまで――
到達点にして新たな始まり、名作『いのちのかたち』を
メンバー全員ソロインタヴューでディープに紐解く

最初の頃は、怒りがツタみたいに自分に絡まってたんだと思う。
でも、そのツタが徐々になくなっていって、このアルバムが作れたんです
しがらみって言ったらおかしいけど、そういうものが全部解けた感じがある

『MUSICA 11月号 Vol.103』より掲載

Interview with 江沼郁弥

■本当に素晴らしいアルバムができたので、今回はバックカバーで特集を組みました。

「嬉しいなぁ。そう言ってもらえると本当に嬉しいですよね」

■これまでの２枚のアルバム、『plenty』も『this』も本当に素晴らしかった、つまりplentyは初期の頃から常に名曲・名作を作り続けながら進化していると思うんですけど、今回は心技体のすべてが優れている作品になりましたよね。メッセージも、楽曲も、バンドの演奏も、すべてがまたひとつ高い次元に到達したアルバムだと思う。

「おぉーっ、それいいですね。やっぱりバンドになってよかったんですよね。バンドになったからこそできることが増えたし、何より制作中も『ああ、楽しみながら音楽を作ってるなぁ』って感じることが多くて。俺個人としてはそれが大きな変化だった。ずっとひとりで根詰めてやるタイプだったから。ただでさえ痩せてるのにもっと痩せるみたいな感じで、ずーっと家にこもってやってたから」

■制作を始めると、何週間もコンビニの店員かデリバリーに来たお兄さんとしか喋らないことがあるってよく言ってたよね。

「そう。だからあの頃はお弁当に割り箸つけてくれただけで泣けて、それはそれで純粋だった気もするけど（笑）。今はもう違うかな」

■というか、ちゃんとバンドで一緒に楽しんで音楽を作ったのは、デビューの頃から考えても、おそらく初めての経験ですよね。

「そうですね。どこか心に余裕があるっていうか、誰かを思いながらやるみたいなことは今までなかったから。前はもっとオレオレな感じだったし。それがなくなってきてるな。一太を入れる前に願ってたこと、それがひとつここで叶ってる感じがするんです」

■バンドになりたいっていう気持ちは一太くんが入る前、『this』のツアーが終わった後から聞いてたけど、誰かを思いながら音楽を作りたいっていうことも思ってたんだ。

「そうですね。なんで音楽をやってるんだって言われたら、自己表現だから自分のためなんだけど、そこから人、人から自分みたいな感じというか……」

■ちゃんと気持ちの循環があるってこと？

「うん。誰かのためにってわけじゃないんだけど、ひとりきりでやっちゃわない感覚というか。……それこそ〝蒼き日々″を作った時なんかは『俺が正義だよ！』って言ってたから（笑）、ずっとそう思ってたかはわからないけど……いつからかそれを願ってましたね」

■一太くんが入って初めて作ったミニアルバム『空から降る一億の星』は、まずバンドという体を作りに行った作品だったと思うんです。だからこそ、初期衝動が迸ってるところも含め、フィジカルなバンド感やアグレッシヴなエネルギーが強かったんだけど。

「うん、そういうものを詰め込みたいなって思って作ったし、それができた作品だった」

■でも、今回の『いのちのかたち』はそれとはまた全然違う作品になったよね。あれからまだ１年しか経っていないのに、バンドが一気に成熟したし洗練していて、そこに驚いたんです。もちろんこのアルバムも、バンドのダイナミクスとグルーヴは今までのどの作品よりも強く感じられるものになっているし、それが音楽的なポイントにもなっているんだけど、ただ、同時に非常に緻密だし、非常に繊細なアレンジが施されていて。アプローチも多彩だしね。郁弥くんとしては、どういうものをめざしていたの？

「最初は『this』の緻密さみたいなものを３人でやるような感じのものを考えてた。あとは『plenty』っていうアルバムよりもplentyっぽいアルバムを作りたいっていうか……」

■『plenty』は、どちらかと言うと江沼郁弥っていう感じのアルバムだもんね。

「そうそう、そうだと思う。別に独裁的に何かをやってたわけではないけど、でも聴き返すとそうですよね。『this』もそうだと思うし。けどやっぱ、この『いのちのかたち』は違う。凄くバンドのアルバムだなぁって感じがするし、今までとは別の達成感があって」

■達成感としては何が違うの？

「前だったら『あー、終わったー！』って感じだったんだけど、今回は『やったー！』って感じかな。それはたぶん、ひとりで作ったものとみんなで作ったものの違いというか。もちろん歌詞はひとりで書いてるけど、どういう楽曲、どういうアルバムを作ろうとしてるかっていうことに関しては、バンドになったことでいちいち話すようになったんですよ。『こういうイメージだから、こういうグルーヴにしたい』、『こういうことを表したいから、こういうサウンドにしたい』っていうのをメンバーと話すようになった。それも凄く大きくて。……なんか勉強とかって、人に教えると覚えるっていうじゃないですか。それと一緒で、人に話すことで自分の中でも濃くなっていくところがあって。『これはただのラヴソングじゃなくて踊れるラヴソングにしたいんだよ』って言っていくうちに、言霊じゃないけど、本当にそういうものになっていくっていう。そういうことが起こった」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA11月号 Vol.103』

星野 源、超待望のアルバム『YELLOW DANCER』発売決定！
レコーディング佳境の最中、
最速・最深の第一声インタヴュー敢行！

ブラックミュージックっ「ぽい」ものを作る意味は、俺はないなぁって凄く思う。
そうじゃなくて、ブラックフィーリングみたいなものをJ-POPに持っていく、
そのさじ加減は、俺にしかできないんだ！っていう、
それをやろうと決めて挑戦したんです。
「俺は日本人で、これは俺の音楽だ！」っていう、そういうアルバムになると思う

『MUSICA 11月号 Vol.103』P.16より掲載

（前半略）

■いよいよ新しいアルバムの発売が発表されました！　2013年の『Stranger』以来2年半ぶりとなる4枚目のフルアルバムで、タイトルが『YELLOW DANCER』と。このタイトルはもう決定なんですよね？

「うん。決定！」

■本当だったらこの表紙巻頭でアルバム完成をお祝いしたかったところなんですけど、今日10月1日現在まだレコーディングは続いていて――。

「そうなんです、あと少しで完成する予定」

■なので、今回はそのレコーディングの合間を縫ってこうしてお時間いただき、いち早く『YELLOW DANCER』に向けての第一声と、現状の途中経過をいろいろ聞いていければと思ってます。

「よろしくお願いします！……ふふ、途中経過を表紙で取り上げてもらうのって、きっと珍しいよね（笑）」

■まぁ多くはないかな（笑）。でも、アルバムはまだ完成してないけど、次々に届いてくる新曲がどれも本当に名曲揃いだから、ウチとしてはもう完全に盛り上がってて。今の段階でもう断言しちゃっていいと思うんだけど、これはよほどの間違いがない限り傑作アルバムになるとしか思えない！

「嬉しい！」

■特に、明後日（10月3日）から「めざましどようび」のテーマソングとして流れる新曲“Week End”が本っ当にヤバいなと思って、今から興奮が止まらないわけですよ。

「ははははははははは」

■Earth Wind & Fire（ディスコアンセム“September”は誰しも一度は聴いたことがあるだろう、全盛を極めた70年代から今も活動を続けるファンクバンド）の向こうを張るキレッキレのダンスナンバーでありながら、ちゃんと日本語の歌が乗っていて。これがお茶の間に普通に流れるとか、もう痛快でしかないっていう。

「これは本当にヤバいと思う。お茶の間で流れるのは俺も本当に楽しみ。しかも朝っていう時間帯もヤバい（笑）」

■“SUN”ができた時ももの凄い手応えがあったと思うんだけど、この“Week End”もあれに匹敵する手応えがあったんじゃないかと思うんですが、ご自分ではどうですか？

「ヤバいものができたなっていう手応えは、もちろんあって。でも、“Week End”に関しては、楽曲1曲としての価値っていうのももちろんあるんだけど、それよりもアルバムの中の一部っていう感覚のほうが自分では強くて。それが『めざましどようび』に出張している、みたいなイメージ。“SUN”の時は、『1曲で勝負！』っていう感じがしてたんだけど、でも“Week End”に関しては『アルバムの一部の強さみたいなものを担っている大事な曲』っていうか、そういう感じがしてるんですよね」

■…………なるほど。

「ん？」

■いや、この曲は本当に凄いと思うんですよ。こういう言い方もなんだけど、これだけファンキーでグルーヴィなダンストラックを作るのも凄いし、それがちゃんと日本語のポップソングになってるし。で、それだけのクオリティの曲を「アルバムの一部の強さ」と言えてしまうその感じが、次のアルバムのとんでもなさを物語ってる気がする。

「（笑）」

■確かに他のアルバム曲も聴かせてもらってるんだけど、どれも素晴らしい曲が並んでるし、タイプも様々だから納得ではあるんですけどね。

「もちろん“Week End”を作った時の熱量はやっぱり凄かったけど。ただ、あくまでもアルバムの構成の中の一部として作曲してるから。だから自分ではそういう印象かなぁ」

■ちなみに今回のアルバムは、全部で何曲入る予定なんですか？

「全14曲ですね」

■その内、これまでのシングルから“地獄でなぜ悪い”と“Crazy Crazy”と“桜の森”と“SUN”の4曲が入るっていうことは聞いていて。

「そうですね」

■で、さらに、現状新曲を4曲を聴かせてもらっています。それが“Snow Men”と“Week End”、そして“Friend Ship”、“夜”という曲なんですが。で、これでもまだ8曲なんだよね。あと6曲は今どういう状態なんですか？

「残り6曲のうち1曲がインストで、オケは全部できていて、歌を入れるだけっていう状態まで来てます」

■歌詞は？

「歌詞も1曲を除いて全部できてる」

■おおっ！　ということはもうかなり見えてるんだ。

「うん。ただ、ドラマの撮影があるので、すぐに歌入れができないっていう状態ですね」

■実際、今はどうやって両立させてるの？

「今の時期はドラマのスケジュールが中心なので、それに合わせて大まかに予定を立てつつ、撮影スケジュールが大体2～3日前に確定するので、それからスタジオを取って、エンジニアさんのスケジュール調整して……みたいな感じで結構臨機応変にやってもらっていて」

■なるほど。星野さんの場合、自分で歌だけ歌えばあとはお任せでいいやってタイプのアーティストではないじゃないですか。それこそすべての音のプロデュースはもちろん、ミックスの細かい調整まで含め、音楽の隅々にまで自分の神経を張り巡らせながら作品を作り上げていくアーティストだから。そう考えると、その中でドラマとアルバム制作という、まったく異なる作業を平行してるのって本当に凄いバイタリティだなと思う。

「そっかぁ……なんか割とずっとそういうふうにやってるから、自分では普通なんだけど（笑）」

■ま、そうだよね（笑）。

「でも、今回は楽曲にしてもアルバム全体にしても、やっぱり今までと違う感じが凄くあって。自分の挑戦だったり、やりたいことが最初から割とハッキリしてるんですよね。で、それに向かって作っていくっていうやり方だったから、やりやすかったと言えばやりやすかったかもしれない。目指す音楽の容量が前より大きいから、大変は大変なんだけど。でも『Stranger』の時の大変さとは全然違ってて。あの時は、自分の範囲以上を目指すというか……」

■それまでの自分の上限を超える、自分の殻を破るっていうことを、ひとつ目標に置いていたところもありましたよね。

「うん、まさにそう。だから割と闇雲にやっていたというか、ムダなことが多かったというか（笑）。とにかく必死で、なんか『とにかく大変でいればいい！』みたいな、むしろ『もっと大変じゃないとダメ！』くらいの感じだった気がしていて（笑）」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA11月号 Vol.103』