BLUE ENCOUNT、シングル『VS』リリース！
バンドの未来を見据え、よりタブーのない制作を
見せ始めた田邊駿一が語る、その胸の内

確かに女々しかったし、
自信ない時期と自信ある時期を繰り返してる人間だったと思う。
でも今の自分はふらっと現れた別人格みたいな感じがしていて。
こんなに気持ちいいくらい「関係ねえよ」って言える自分なんて、
今までいなかったから

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.100より掲載

■お祭り感のあるビートが印象的な“VS”にしても、夏フェスに合わせて投下された“SUMMER DIVE”が収録されていることにしても、アッパーなリズムが主役の作品になったと思うんですが。

「そうですね。ブルエンって、割と8ビートを主軸にしてきたバンドだし、『THE END』の次を考えるにあたって、そういう直球なリズムに原点回帰するのはいくらでもできるとは思って。だけど『THE END』っていういろんな一面を出せたアルバムがあった上で、だったら今年はビート感に重きを置いてブルエンの新たな一面を出したいって思ったんだよね。だから4月には『さよなら』っていうスローなバラードを出せたし、夏にはアッパーに振り切った“SUMMER DIVE”も出せた。今年は『THE END』から始まったのを象徴にして、今までのブルエンを壊す1年だったと思うので。そういう意味での仕上げを、この“VS”でやれたと思っていて。……ちょうどこの前、スカパラ先輩と仙台で2マンをやらせていただいた時も、ギターの加藤隆志さんが『リズムが時代を作るし、時代はリズムが尊重してくれる』って話してくれたんだよね。今シーンの中で、どういうリズムをドシッと伝えていけるかということはまさに俺らも考えてたことで」

■“さよなら”は真っ向から歌で勝負した曲でもあったけど、一方ではリズム的な挑戦でもあったと。じゃあ、ブルエンが次のタームに向かうにあたってリズムに主眼を置いたのは、具体的にはどうしてだったの？

「“VS”で言えば、こういう祭り的なリズムで押し通す曲は意外と苦手だったもので。だけど、ようやくフェスシーンでも闘えるようになってきた今だからこそ、今年は敢えて苦手だったところに立ち向かいながら、その中でどれだけブルエンらしさを出せるかを考えて、こうしてリズム面の多彩さを重視するようになったんだと思う。やっぱり時代性やシーンっていうものを考えても、そこと自分達を繋ぎ止めるのはリズムだと思うし」

■フェスシーンで闘えるようになってきたっていう捉え方が面白いと思うんですよ。フェスシーンで十分に勝ってきたからこそ、武道館も幕張ワンマンもできたし、もっとご自身の内面に主眼を置いた『THE END』を作る段階に行けたとも言えるわけで。そういう意味で言うと、田邊くん自身の現状認識ってどういう感じなんですか。

「俺自身は、フェスシーンで勝ったことがあるとは思ってないんだよね。去年なんかは特に『大丈夫かな？』っていう危機感しかなかったから。でも今年は、春フェスでも夏フェスでも自信を持って『勝てた』って言える自分達がいたんだよね。何故かって考えると……やっぱり、観る人にどう思われているか？っていう部分にこだわらなくなったのがデカくて」

■求められることに応えていく以上に、ひたすら音楽に集中できるようになってきたっていうこと？

「そうそう。そうなれたのは、春の『break“THE END”』のツアーが大きかったと思うんだよね。去年まではきっと、毎回『BLUE ENCOUNTはこうです！』みたいな闘い方をしてたと思うんですよ。だからセットリストも変わり映えしない鉄板の曲達になってたんだけど……今年は1ヵ所ごとに変えることもできたし、いきなり古い曲を演奏することもあった。そういうことをフェスのメインステージでできるようになった自分達とはつまり、自分達の王道曲やイメージを1回解き放つことができたっていうことだと思っていて。たとえばフェスのステージのラストをバラードで締めるっていうのは、本来はご法度なやり方じゃない？　だけど、それも恐れずにやれるのがブルエンなんだと思えたんだよね。フェスだろうとワンマンだろうと、『楽しかったね』だけで終わる気はさらさらないのは前からだけど、それをもっと突き詰める上で、今までを逸脱するようなことがしたかった。俺らの世代にはフェスで重宝してもらうバンドも多くなってきたけど、それを今でもなぞってちゃダメだと思ったんだよね。そういう意味でも、リズム面での新しいアプローチが重要で」

■「break“THE END”」ツアーがデカかったと言ってくれましたが、それは『THE END』の曲を主軸に置いたことで、自分の弱い部分や情けなさをかつてなく曝け出せたし、だからこそ自由になれたっていうこと？

「それはあると思う。でも一方では、そこだけの範疇でもない気がしてて。弱さとかを曝け出してるっていうのはあるけど、そこからもう一歩進んで、曝け出すことを封印してもいいと思えたツアーだったんだよ。それこそ“city”は、その岐路に立ってる歌だと思うの。確かに俺は女々しかったけど、それを歌った上で、俺はあなたにとっての居場所になりたいっていうことを打ち出せた曲だったから。だから、最近の自分達のいいライヴってどんなライヴだ？って考えると、最初のMCの時点で、何も弱々しいことを言ってない時なんだよね。『せっかく来たんだったら全部俺らに任せてくれ！』って言えてる。もちろん弱さを表現にしたっていい場所でもあるけど、でも、純粋に『カッコいい』っていうことを真っ直ぐに出したほうがいいんだと思えているし、『自分が楽しいと思えるビート』を探してる。そういう発想って、実はインディーズの頃の『BAND OF DESTINATION』の時と似た感覚があって」

■それは、どういう意味で？

「音楽をやんちゃに考えられるっていうか……インディーズの頃はライヴのことだけを考えていたからリズムに重きを置いていたし、たとえば“NEVER ENDING STORY”も、まさにそういう想いからできたもので。2ビートからハーフの跳ねたリズムになるっていう意味でも、躍動的なリズムを基盤にしたっていう意味でも、この“VS”はインディの頃に立ち返ってる曲なんだと思えていて。その上で、あの頃よりももっと音楽的だと思うんだよね。音楽に素直というか。ビートやリズムっていうのは、やっぱり躍動の源じゃない？」

■まさに。音楽自体の基盤でもあるよね。

「そういう部分をしっかり押さえることによって、自分の中のテンションが自然と上がっていくんだよね。もちろんギターもベースも大事だけど、ドラムのやんちゃ感によって内側から滾ってくるものがあるんだなって。そういう意味で、また新鮮な気持ちでやれてるなって思うんだよね。自分自身の歌もより自由になっていけると思ったし――」

（続きは本誌をチェック！）

text by矢島大地

『MUSICA12月号 Vol.128』

Ivy to Fraudurent Game、
メジャーデビューとなるアルバム『回転する』。
原点とこの先への決意を映す本作に秘めた想いとは

自分が抱えてる不安を音楽にすれば
実は有益なんじゃないかって気づけた時に、
もう無理して笑ったり、無理して明るく振る舞ったり
しなくてもいいような気がして。
それが音楽と自分の本性が繋がった瞬間であり、
僕が音楽を鳴らす意味ですね（福島）

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.106より掲載

（冒頭略）

■今回のアルバムは、初のフルアルバムという意味でもメジャーデビューという意味でも自分達の名詞になる作品なわけですが、新曲に4曲の過去曲を加えた9曲で構成されていて。まず、そういう性格のアルバムに過去曲の中から“青写真”、“アイドル”、“dulcet”、“＋”という4曲をピックアップしたのはどうしてだったんですか？

福島「“青写真”と“アイドル”に関してはライヴで欠かせない曲になってることも含め、自分達のライヴのイメージを作ってきた曲なのかなと改めて思って。しかも毎回ライヴでやってるのに音源が入手できないっていうのはどうなのかな？と思って、この2曲は絶対に入れよう決めたんですけど。他の2曲に関しては、ノブの提案だったかな？」

福島「そうだね。新曲3曲を聴いて『こういう感じなんだ』って思った時に、じゃあちょっとシューゲイザー的な“dulcet”と、10代の頃からやってる“＋”を入れたらちょうどいいんじゃないかなっていう提案をしたら、すんなりみんないいね！って言ってくれて」

■『継ぐ』が顕著だったけど、作品を重ねる度に音楽性も音像やアプローチも拡張しているし、構造もより複雑になっていってるけど、“青写真”、“アイドル”、“dulcet”、“＋”を聴いていると、このバンドの核というか原点はここにあるんだなって思う。自分達ではどうなんですか。

寺口「その通りですね。ギターロックとシューゲイザーやポストロックの両立というか、そういう部分が間違いなく俺達の原点だなと思う」

福島「俺が音楽を聴き始めた頃のすべてというか。この辺りの曲はあまり何も考えないで自然に作ってる曲なので、もしかしたら一番自分らしいのかもしれないです。特に“＋”に関しては、本当に曲を最初に作り始めた時期に作った曲なので」

■ノブくんは、当時と今とを比較して、ヴォーカリストとして変わったものは何だと思います？

寺口「時間をかけて培ってきた熟成度、みたいなものはあると思いますね。単純に上手くなったっていうのもあるけど、それ以上に曲に対するアプローチの仕方が、他の人より上手いかなって思いますね」

■表現力が格段に上がってるよね。

寺口「そう思いますね。曲に対する自分なりの味つけの仕方がわかってきた。昔は味つけをしてるつもりでもできてなかったし、むしろそれが変な癖になってたんですけど、今は芯が太くなった気がしますね、声もメンタルの部分も。でも、“青写真”と“アイドル”に関しては歌というよりオケの段階が難しくて。ライヴでかなりやってる中で、かえって音源にした時のカッコよさを出すのが難しいなと思って。俺は基本はレコーディングでギターを弾かないで、バッキングは福ちゃんが弾いたりしてるんですけど。でもこの曲に関しては、俺が弾いてない段階の音を聴いた時に『これじゃちょっと残念だな。迫力がないし、綺麗にまとまり過ぎちゃった感じがする』と思って、後からギターで入ったんですよね」

■特に“青写真”みたいな曲は、ライヴだとダイナミクスもあるし、演奏の荒々しさが逆に快感になってくるわけだけど、そういう熱量をレコーディングで音源に閉じ込めるのって、結構難易度高いところだよね。

寺口「そうですね。ウチのメンバーはそれが下手なんだと思うんです。レコーディングはレコーディングの弾き方になるというか……それはそれで正しいんでしょうけど、でもこういう曲に関してはライヴのよさを何とかして音源でも出さなきゃなって俺は結構考えましたね」

福島「ライヴ感って難しいんだよね」

■このバンドって、音源は凄くテクニカルだし、この一音が少しでもズレたらダメ、みたいなところまで神経を使ってるような緻密な構築性を感じさせますけど、ライヴはエネルギッシュだし感情的で。その辺りはやっぱり、自分達でもまったく違う感覚でやってるんだ？

福島「俺の場合は完全に分けて考えてますね。曲を作る時はライヴのことなんて考えてないし、考える余裕もないんですけど。緻密にひとつずつ構築していくものが音源だと思ってるんですけど、ライヴに関しては初めてみんなで一斉に音を鳴らす瞬間でもあるから、そこにちゃんと落とし込みたいなっていう気持ちがあるし。あと、聴き手の環境とか心情も、ライヴと音源を聴く時では違うとも思っていて。だったらそのアプローチも異なっていて当然だなって思うんですけど」

寺口「でも俺ら、音源よりライヴのほうがいいねって言われるんですよ。ライヴバンドだねって。それはちょっと……嫌だよね（笑）」

福島「俺は嫌だけど、でも好みもあるしね。まぁ好みとか言い出したら終わりなんだけど（笑）」

寺口「もちろん曲調にもよるんだろうなとは思うんですけどね」

■メジャーデビューを発表したリキッドのライヴを観に行ったんですけど、あのライヴはノブくんの声が出にくい状況で、本人としては相当悔しい体験で。実際いつものライヴよりもピッチとか声量っていう意味では歌えてなかったんだけど、でも歌も演奏もエモーショナルで真に迫っていて、ライヴとしては凄くよかったんですよ。このバンドが音楽をやらなきゃいられない理由、ロックバンドとして真ん中に持ってる衝動と必然が露わになってた。それを観ることができて本当によかったなと思いました。

寺口「あの日は悔しさや情けなさと同じくらい……嬉しかったのかな。だからその後も全然下を向かなかったですね。自分の弱さを知って落ち込んでないと言えば嘘になりますけど、でも確実に光は見えてたというか。初めての経験だったかもしれないです。あれだけ自分の声が出なくてしんどくて、終わった後悔しかったけど、でも下を向かなかったっていうのは。自分にとっても凄く不思議な日でした」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA12月号 Vol.128』

ニューシングル『白と黒のモントゥーノ』を
リリースする東京スカパラダイスオーケストラ、
ユニゾン斎藤と総勢10人での言葉の応酬をここに

ユニゾンがフルマラソンだとするならば、今回は短距離走で、
どれだけ走り抜けられるか？っていうところが出せたらいいなと思ってて。
だから基本的にスカパラさんが言ってくれることは全部受け入れよう、と。
『つき合って欲しい』じゃないんです、『抱かれたい』っていう（斎藤）

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.86より掲載

（冒頭略）

■この曲は沖さん作曲なんですが、“爆音ラヴソング”も沖さんですよね？

沖「そうですね」

■僕はあの曲を聴いた時、沖さんの曲ってスリリングなんだけど懐かしい曲だなぁと思って。かっ飛ばしてるし凄く「今」なんだけど、でも同時に懐かしい時代の匂いも感じられる。で、今回の“白と黒のモントゥーノ”も同じことを感じたんですが。今回はどういうイメージだったんですか。

沖「スカパラが最近南米に縁があるっていうのもあって、自分の中で漠然と情熱系のものができたらいいなって思ってたんですよ。そしたらなんとなくコード進行ができてきて、これはイケる、自信のあるメロディができたなと思って。なんだけど、僕がキーボーディストということもあって、どうしても自分的に面白く感じるところを探っていく作業を楽しんじゃうんですよ。その結果、よく言えばトリッキー、悪く言えば歌いにくい曲になりましたね（笑）。自分としては元々ロックから入ってるので、自分の中でちゃんと燃焼し切れるようにしたいなっていう気持ちが強いんですよ。プラス、キーボード的に作っていくことによって、いなたいメロディとトリッキーな部分が同居する結果になるのかもしれないですね」

川上「多展開だけど、昔の歌謡曲っぽいムードがあっていい曲ですよね」

■セクシーなピアノも入ってきますもんね。

沖「そういうプレイヤビリティはね、UNISON SQUARE GARDENっていう意識があったので、自然と出てきましたね（笑）。UNISONと対バンすると、編成もやり方もまったく違い過ぎるから、余計に自分のできることをただひたすらガムシャラにやりやすい部分があって（笑）。同じもので比べられると外せないなって思っちゃうんだけど、あまりにやってることが違うから、逆に普段よりも羽目外して遊べるっていうか。だから今回の曲作りも割と伸び伸びできたなぁって思いますね」

■作詞はお馴染み、谷中の筆ですが。谷中の中ではどういうイメージから生まれてるんですか？

谷中「ドラマも含め全体的なことを考えた時に、白黒の写真なんだけど、凄い熱を感じるみたいなイメージがあって。そのイメージはUNISONからも、斎藤くんの歌からも感じるんですよ。冷静なんだけど、凄い情熱があるというか。俺は昔、UNISONの演奏を観て『本当に先まで尖らせた色鉛筆でもの凄い殴り書きしてるみたいな感じなんだけど、それでも鉛筆の芯は最後まで折れない、みたいな音楽だ』って言ったんだけど、その気持ちは今も変わらなくて。綱渡りの綱の上でラテンダンスかますくらい、曲芸的な感じがするというか（笑）。まぁ曲芸を超えて、完全に芸術になってるんだけどね。もしかしたら、綱渡りの綱の上で女の子とメイクラヴできるんじゃないかと――」

■凄い見世物ですよ、それは。

一同「ははははははははははははははははは！」

谷中「（笑）。そういう、不可能はないってくらいもの凄いことができるイメージがあるんですよ。それくらい鍛え上げられてるっていうか」

■宏介くんはどんなイメージで歌ったんですか？

斎藤「僕、今回のプロジェクトは短距離走だと思ってるんですよ。UNISON SQUARE GARDENっていうプロジェクトがフルマラソンだとするならば、今回のプロジェクトは短距離走で、どれだけ走り抜けられるか？っていうところが出せたらいいなと思ってて。なので、基本的にはスカパラさんが言ってくれることは全部受け入れようっていうスタンスでいたんですよね。UNISONでやる時は、たとえば田淵が作ってくる曲や貴雄が叩くフレーズに対して、最初はちょっと疑いから入るんです。それを自分の中でクリアにしないと世に出しちゃいけないような気持ちでやっていて。でも今回に関しては、どれだけ突き抜けられるかだと思ってたので――たとえば『斎藤くんいいね！』って言ってもらったとして、普段だったら『いやいや、そういうことみんなに言ってるんじゃないですか？』ってなるけど、今回に関しては『いいね！』って言われたら『でしょ？』って言えるぐらいのスタンスでいようと思ったんですね」

スカパラ全員「ほぉー」

斎藤「だから、谷中さんの書く歌詞も、凄く谷中さんが滲み出てる歌詞じゃないですか。それを俺が歌うってどうなんだろう？って考え始めたらたぶん負けるというか、歌えなくなっちゃうから、客観的にその詞をいいなと思ったらもう乗っかろう！っていう気持ちでやってましたね」

■それはつまり簡単に言うと、抱かれに行ったっていう感覚なんじゃないかと思うんですけど。

斎藤「あー、そうです、そういうことです」

谷中「『そういうことです』って（笑）」

斎藤「『つき合って欲しい』んじゃないんですよ。『抱かれたい』っていう（笑）」

NARGO「面白いこと言いますねぇ（笑）」

加藤「でもさ、男っぽい人じゃないと、こういうこと言えないですよね。レコーディングしながら、やっぱり斎藤くんは凄い男っぽいなって思ってたんですよね。潔さも含めて」

谷中「わかる。抱かれた後で舌出したりする感じもないもんね」

斎藤「愚痴ったりしないですね。女子会で『あんなことされた』とか喋ったりしないですもん（笑）」

谷中「それは恋愛相手として最高だね（笑）」

一同「ははははははははは！」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA12月号 Vol.128』