1年8ヵ月ぶりとなるフィジカルでのシングル
『A／The Sound Of Breath』を発表するSiM。
MAHが抱えるその人知れぬ苦悶

今まで歌ってきたのはきっと、「こう闘うべきなんだ」っていう
理想だったと思う。……でも、ここでは「実際の自分はこうだけど」っていう
言葉が出ちゃってる。カッコつけたい自分もいたけど……
今はもっと正直になってきたんだろうね

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.92より掲載

（冒頭略）

■新しいスタートの一撃目が今回の『A／The Sound Of Breath』だと思うんですが。今話していただいたことを経た上で、どういうものをイメージして作っていった作品なんですか。

「この2曲を作ったのは、夏前……5月か6月だったかな。ひとりで一週間くらいスタジオにこもって、まとめて曲作りする期間を設けて。そういう作り方は初めてだったんだよね、今までは何かの合間に曲を作る感じだったから。で、具体的に今までと変えたのは、歌を歌いながら曲を作るようにしたっていうことで。今までは、先に楽器を作ってたんだけど。でも今回は、歌を決めながら曲の展開を変えていくっていう作り方にして。そうしてみたことで、いろんなパターンの曲を自由に作れたんだよね。で、その時考えたのが……いやらしい話に聞こえるかもしれないけど、CMなのか映画なのか、映像作品に合う曲があってもいいよなっていうことで。それをイメージして作った曲のひとつが、“The Sound Of Breath”。それをみんなに聴かせたら、『合うんじゃないか？』っていう話をもらったのが『龍が如く 極2』のタイアップの話だったんだよね。だから逆に言えば、『今後のタームがこうだから、こういう曲を作ろう』ってことはむしろ考えず、SiMが持っているいろんな切り口で自由に曲を作ってみようっていう感じなんだよね。それが何かに繋がっていくんじゃないかなと思って……だから言ってみれば、結構フワッとしている時期かも（笑）」

■じゃあ、メロディを歌いながら曲の展開を変えていく作り方に変えてみたのはどうしてだったんですか。

「『THE BEAUTiFUL PEOPLE』もメロディにこだわった作品だったし、満足はいっていたんだけど、それによって、もっと歌ってみたい空気感や歌い方も思い浮かぶようになってきて。歌が後乗せだと、なかなかそのイメージを生かすことが難しいし、『こういう歌を歌いたいから作った曲』っていうやり方のほうが歌の味を出しやすくて。とはいえ、新しい作り方でもオケは大幅に変わらないようにしたつもりかな。入り口は違うけど結局できたオケは一緒で、中身を見てみれば何かが違う、みたいなイメージ」

■でも思うのは、たとえば“A”なら、ビートダウンしてブルータルになるパートまで、超スムーズに狂っていく感覚があって（笑）。

「ははははは。スムーズに狂ってる、か（笑）」

■“The Sound Of Breath”で言えば、ここまで大合唱を盛り込んで雄大に聴かせるバラードはなかったわけで。音楽の繋ぎ目が、歌によって凄く滑らかなものになってきてる感じがするんですよ。

「確かに、そう言われてみたらそうだと思うわ。“Blah Blah Blah”とか“WHO’S NEXT”を作っていた頃は、楽曲自体がパズルになってる感覚だったからね。1回完成した後にAメロとCメロを入れ替えるとかさ。『最終的には歌でなんとかなるっしょ！』みたいな（笑）」

■（笑）その力技感とカオティックさが、SiMの精神性やMAHさんの脳内の混沌をそのまま音楽化していたっていう言い方もできるとは思うけど。そこで違う見方をしてみると、歌やメロディから作る方法をとったのは、歌のステップアップがSiMの成長の鍵になるという意識でもあったんですか。

「それはもの凄くあった。たぶん、ここ数年のSiMで一番変わった部分は歌だと思ってて。『これキツいな』と思ってた歌も歌えるようになってきたことで、作る段階で『こういう歌ならライヴで映えるんじゃないか』っていうことも考えられるようになったし。自然と歌も曲も幅が広がっていって。やっぱり、アリーナまで行く目標を具現化していく時に今までと一番違ってくるのは、歌を聴く人が多くなるっていうことで。轟音や激しい動きでなんとかなってきたものも、今は歌で伝えることが必要で。……たとえば、ライヴハウスのお客さんで言えば『“KiLLiNG ME”やって欲しい！』って言う人が多かったんだよ。でも大きい場所でのお客さんっていうのは、『“KiLLiNG ME”が流れた』って表現するんだよね」

■あー。面白い話ですね。パフォーマンスとしてではなく、流れる歌・音楽として捉えるお客さんが増えるという。

「そうそう。『2曲目に“KiLLiNG ME”が流れた瞬間ヤバかった！』みたいな（笑）。それで俺も『そうか、CDクオリティじゃねえとダメか！』って思うようになってね。今までは、CDとライヴは違って当たり前だと思ってたけど、感情を込めてしっかり歌うっていう意識が、この2年くらいでどんどん強まってると思う。やっぱり、感情に対してナチュラルに歌っても安定していれば、表現できたり注ぎ込めたりする感情の幅が広がると思うし、メッセージを大事にするならなおさら、歌が大事なんだよね。そこは、だんだんできてきている実感があって。それこそ“The Sound Of Breath”も、そういう気持ちで歌いながら作ったからこそ、一番気持ちいいメロディが書けた実感があるし、ライヴで歌うのが楽しみで。やっぱり俺の周りには上手いヴォーカリストがたくさんいるし、その中で感じてた劣等感みたいなものはずっとあったから。歌いたいと思える曲が書けた時に、そこにだんだん追いつけてきたんじゃないかなって思えるんだよね。この曲は特に、サビのメロディを思いついた時点で凄くスケールの大きな光景が思い浮かんでいて。だから、最後のコーラスの部分は、そこをさらにエモく締めるっていうイメージで出てきたし、俺が歌いたいと思えるメロディだからこそ、エモに近い合唱のアレンジも出てきたんだと思う」

■この曲は、エモいアレンジになってしまう必然を歌詞にも感じてしまうんですね。先ほど「今は耐える時なんだと思う」という話もあったけど、大ラスの＜今を耐えて／変えて／前へ＞という一節に、そのまま現状への心持ちや切実さが表れている気がしたんですけど。

「確かに。そうだと思う。書き出しは、ゲームのエンディング曲っていうのを踏まえてその世界観を反映して書いたんだけど。でも矢島くんが言う通り、後半に進むにつれて一つひとつの言葉選びに自分の気持ちが出てしまっている、滲み出てしまっている……自覚はあります（笑）。特にラスサビの部分は言葉数も少ないから、その中で歌える強い言葉をたくさん考えたんだけど……そうして考えた強い言葉がそうなったっていうのはきっと、自分が歌っていて『そうだよな』って感じられることを歌いたかったんだろうし、俺自身が言って欲しい言葉だったんだろうね。……やっぱり、このレベルになってくると精神的にきちゃってる友達も周りにいてね。それこそSHOW-HATEも精神的なストレスを抱え続けた結果体調を悪くしたわけで。だけど、俺自身はプレッシャーに押し潰されることもない人間だと思ってきたんだよ。でもやっぱり心の中では悩んでるんだなって、自分が書いた歌詞によって実感することも多い（笑）。こうして吐き出せてるからこそ、壊れないでいられるとも思うんだけど」

（続きは本誌をチェック！）

text by矢島大地

『MUSICA12月号 Vol.128』

キュウソネコカミ、2年ぶりのフルアルバム
『にゅ～うぇいぶ』到着。オリジナリティの結晶たる
渾身の新作をメンバー全員での全曲解説で解く

言いっ放しですよね。帳尻を合わせてない。俺らは結論を出すより
投げかけてる、「俺達は楽しんでるから、好きにしたら？」みたいな
バンドなんで。そこが思いっ切り出せたのはよかったと思いますね

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.78より掲載

■アルバムがとにかく最高です。

ヨコタシンノスケ（Key&Vo）「やった！」

■最近、精神的に逼迫してて凄い疲れてるんだけど、これを聴くとめちゃめちゃ笑えるんだよ。

一同「はははははははははははははは！」

■歌詞にしても曲にしても、とにかくキレがいいです。一時期悩んでいたのがウソのように吹っ切れた、これまでの最高傑作と言ってもいいようなアルバムになりましたね。これはもちろん手応えあるでしょ？

ヤマサキセイヤ（Vo&G）「手応え……どうなんやろな？　2年かかってるしな（笑）」

オカザワカズマ（G）「最高傑作って言ってくれはったんですけど、全然そんなつもりで作ってはなくて」

■うん、そういうつもりで作ってるわけじゃない作品だってことも、よくわかる。

一同「ははははははははははははは」

オカザワ「なんですけど、でき上がりを聴いてみたら俺らも『めっちゃいいんじゃん!?』ってなって。化けたって言ったら変ですけど、ナチュラルに作ったのがほんまによかったのかなって思いますね」

カワクボタクロウ（B）「直感で作ってたんで、それがいい方向にしか働いてないんですよ。今まではこねくり回すのに一生懸命で変な力入ってたのが、『俺らってそうじゃなかったよな』ってところに戻ったっていうか。スキルアップはしつつも原点回帰を果たしてる」

ヨコタシンノスケ「キュウソって、元々作り込まないのが正解だったところがあると思ってて。隙があるというか。それがここ最近はちょっと『キュウソネコカミとはこうあるべきだ』とか『今はこうだ！』みたいなことを意識して固くなっちゃってたところがあったんですけど、今回は、そこを考えてる部分もあるけど、でも隙も絶対残してるんで。それによって1曲1曲が棘っぽい感じになったところがあると思う」

■いい意味で言いっ放しな感じがあるよね。

ヨコタ「言いっ放しですよね。帳尻を合わせてない。それって俺らは結構大事なんじゃないかなって思いましたね。結論を出すっていうより投げかけてるバンドだし、『これどう？』っていうよりかは『俺達は楽しんでるから、好きにしたら？』みたいなバンドなんで。そこが思いっ切り出せたのはよかったと思いますね」

■そんなアルバムに『にゅ～うぇいぶ』っていう脱力系タイトルをつけたのは何故なんですか？

ヤマサキ「タイトルは正直めっちゃ悩んで。考えてたのがどれも『ここからやり返すぞ！』感が強い言葉で」

■たとえば？

ヤマサキ「反骨！みたいな。で、最終候補が『反骨青春』やったんです。でも、それで1曲目が“5RATS”やったらお客さんが『重っ！』って思うやろなって思って。プラス、『キュウソってヤバイの？　今しんどいんだ？』って思われそうじゃないですか。それでうーんってなってたんですけど、マジでこの日までに決めてくださいって日にスタジオ入ったら、ほんまに突然『にゅ～うぇいぶ』って言葉が浮かんで。で、これオモロイなってことになって」

ヨコタ「『にゅ〜うぇいぶ』ってタイトルが決まった瞬間に、めっちゃ完成した感があったよね。この余裕がいいんじゃない？みたいな。だって、俺達こういう感覚で作ってたじゃん、みたいな。ちょっと真面目に考え過ぎてたけど、そもそもキュウソってそこじゃないんじゃないかって気づいたというか」

ヤマサキ「元々こんなテンションやったもんな」

■では全曲解説に移る前の締めとして、ソゴウくん、このアルバムをひと言で総括してください。

ソゴウタイスケ（Dr）「え！………最高ですよ（小声）」

オカザワ「声めっちゃ小っちゃい（笑）」

ソゴウ「14曲入ってるんですけど、マジでそれぞれ似てる曲がないんですよね。どの曲も個性あるし、それぞれ構成も音も全然違うし。今までは考え過ぎてた部分があったかもしれないんですけど、それが解放されて溢れ出してる感じがこのアルバムには凄くあると思いますね。自由に楽しく作ったアルバムですね」

01. 5RATS

■ヘヴィかつハードにぶちかます系で。歌詞も含め、魂の雄叫び感のある曲だし、キュウソネコカミっていうロックバンドの真顔の本質剥き出しな1曲目だね。

ヤマサキ「これは共感とかをあんまり求めようとしてなくて、自分達の今の立場で歌ってて。だからファーストアルバムで言う“キュウソネコカミ”みたいな曲っすよね。実際、歌詞の＜誰にも負けない生き様ぶちかませ＞って“キュウソネコカミ”のサビにあるフレーズと同じにしてて。コードもF#だし、キーも一緒で」

■改めての宣言、みたいなところもあるの？

ヤマサキ「になってしまいましたね（笑）。やっぱ、アルバム出してない2年間で新しいバンドもめっちゃ出てきて、俺達の立場も変わったんで。そうなると、こういう曲が生まれてしまうんですよねぇ。なんでも正直に言っちゃうバンドやから、抜かれてんのに抜かれてないフリするとかできないんですよ。むしろ『抜かれてますよ？　でも今頑張ってます！』って表明してしまいたくなるバンドなんで。だからこの曲が生まれたのは俺ら的には必然やったなと思いますね」

カワクボ「まぁぶっちゃけ、また追う立場になってきてるなってことだね。曲に関して言うと、戦隊モノのテーマソングみたいなイメージがあって。なんか、こういうカッコいい感じで決意表明する曲って今までなかったんで、逆にいいなって思いますね。『俺達が5RATSだ！　ドーン！』って行けてるの半分、冷静に自分達を見つめてるのが半分で、結構いいバランスだなとは思ったんですけど」

オカザワ「とにかくカッコいい曲にしようと思ってましたよね。“NO MORE～”を出して、面白い感じのやつは既にあったんで、じゃあ“5RATS”はストレートにめちゃくちゃカッコよく行こうってなって。レコーディングする時も『もっとカッコいい音にしたいんですけど』とか言ってましたし（笑）」

■音質だけじゃなく演奏スキルも上がってるから、こういうハードなタイプの曲が昔より格段にキマるよね。

カワクボ「昨日言ってたんですけど、スピーカーで聴いた時めっちゃカッコいいなって思って。音圧とかも成長してるやんって（笑）」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA12月号 Vol.128』

UNISON SQUARE GARDEN連載企画第2弾、
新潟LOTS公演密着＆鈴木貴雄ソロインタヴュー。
独自の美学でバンドを支える鈴木の脳内に迫る

画一的にされることが凄くストレスだったんですよね。
そんな自分がもし今日のライヴに来ていたとしたら、
その人生を肯定してあげたい。俺もあんなふうに
自由に生きていいんだって思ってもらえるドラマーでありたい

『MUSICA 12月号 Vol.128』P.44より掲載

■3ヵ月連続でユニゾンのメンバー一人ひとりに話を聞いていくんですけど、前月はシングルのダブルリリースの件を主眼に田淵くんに話を聞きました。今日は新潟でツアー密着をさせていただいたもので、ライヴの話からいろいろ聞いていきたいなって思うんですけど、今日はいかがでした？

「今日に限らずですけど、メンバーと共にライヴをやれたり、スタッフも優秀なのはもちろん、熱を持って工夫して臨んでくれるし、その中で自分がドラムを叩けて、お客さんがそれを愛してくれることまで含めて、すべてが幸せ過ぎるっていう日々がずっと続いてますね。いつが特別だったっていうのはなくて、いつもライヴが幸せだなって思います。メンバーと過ごしててもわかるんですけど、各々が本当に幸せにできているなって思います。これが10年前だったら、そんなことはなかったです」

■貴雄くんの中で、ライヴ、ツアー、チームがそういう存在だなって思えたきっかけはいつ頃からあったんですか？

「鹿野さんは若いバンドとのつき合いも多いでしょうから、大変そうだなとか、メンバー同士で上手くいってないなとか、見ていてわかると思うんですけど、僕らもそういう時もあったし、特に若い頃はそうで。ライヴやってる時は最高なんですけど、ライヴやってない時にあまり最高じゃない時期っていうのが結構長かったんです。それぞれ問題意識を持ちながら、このままじゃいけないって思ってるんですけど、だからこそぶつかる時もある。若さと言ってしまえばそういうことなんですけど、そこからちょっとずつ改善されていった感じだと思うんですよね、今は」

■このバンドってそれぞれがフロントマンだと思うんですよね。田淵くんはソングライターとしての役割を司ってると思うし、宏介くんはシンガーとしての役割を司ってると思う。その中で、このバンドはリズムから伝わる気分が大事なバンドで、それをひとり後方から司ってるのが貴雄くんで。3人それぞれが主役だと思うんだよね。だからこその難しさを今話してくれたのかなっていう気がするんだけど、その難しさも心地よさも、このバンドを組んだ時から全部感じていたんですか？

「確かに最初からそこが悩んでたポイントですね。俺がドラムヒーローでなきゃいけないし、前のふたりがカッコいいっていう印象だけだと魅力的じゃないなって思っていたんです。『斎藤の歌いいよね。田淵の曲いいよね。でもドラムも超ヤバいよね』って言われるようなバンドじゃないといけない。ドラムはただ支えてるだけだなっていう3ピースのバンドは個人的にはあまり魅力的に思えないから。だから、ふたりが言うことに何でもかんでも納得してはいけないなっていう危機感は、若い時は特に思ってました。凄いふたりだし、頭もいいし能力もあるし、僕はふたりに比べたら能力もないほうだけど、かと言ってそこで負けちゃいけないなって思って尖って、それによってぶつかるっていうことも結構あったと思います。今だったらもう少しいい意味で譲れる部分もあるんですけど。ここは譲りたくない！って言う時は、バンドをよくするために、ある種尖ってはいけない部分を守るためにぶつかっていたところもあるんですよね。『ここを譲ったらカッコよくならないな。このバンドはダメになるな』っていう危機感があったからこそ、ぶつかっていたんだと思います」

■誇りを失わずに尖るっていうことが必ずしもいいことじゃなくて、お互いに溶け合うということもロックバンドとして楽しいことなんだなって思えてきたのは、どういう心境の変化があったからだと思いますか？

「尖ってばかりいると、本当に尖っていなければいけない部分が尖れないっていうか……尖るためには、丸くなるところは丸くならなきゃいけない。自分が尖りたいところを尖らせてもらうために、逆に相手が尖りたい部分に対してこっちが丸くなってやろうというか。普通に仕事してる人とかでも、普段感じることだと思うんですよ。こういう仕事をしたいけど、ここは相手の言うことを聞いてやろう、みたいなことって。一言で言えば、聖徳太子の『和を以て貴しとなす』なんですけど（笑）。ロックをするために尖るためには、和が必要なんだなってことは学んでいったし。笑顔でライヴできてる時は単純に最高だから、そのためには丸くなる部分が必要だなって、ぶつかりながら学んでいったんでしょうね」

■たとえば“flat song”を叩いてる時の幸せな表情とか、“オトノバ中間試験”の最後に3人でドラム台に上がり、椅子から離れスタンディングで叩いてる時の恍惚感とか、表情豊かなドラムが最近の貴雄くんなんじゃないかなって思うだけど。

「3人でライザーの上に乗って叩いてる時なんて、ほんと感謝してますね。メンバーに対しても、自分に対しても、お客さんに対しても。メンバーと目合わせて演奏してる時っていうのは、凄くありがてえなって思うんです」

■今日リハが終わってからステージの上に登らせてもらって、遠くから見ている時は、音数の割にオーソドックスなドラムセットなのかなって思ってたんですけど、カウベルの位置が実は不思議なところにあったり、タムのセットの広がり方とか、かなり妙な感じで。なんか不思議だなって思ってローディの方に話を聞いたら、「変則的過ぎて凄く組みにくいんですよ（苦笑）」って言ってました。どうしてああいう組み方になってるの？

「いろんなバンドのドラムのセッティングを見るんですけど、その人その人の美学が全部詰まってるんですよね。ひとつとして同じセットがない。そこに『コイツっぽいな』っていう人間味を感じるんですけど。僕の場合は、一つひとつの太鼓の場所が全部理に適っていて。たとえば人と一番違う点で言うと、普通は『タカ・トン・トコ・トン』ってやる時のタムが目の前にあるんですよ。それを僕は横に並べて置いている。何故かと言うと、お客さんに自分のリズムを視覚的に見てもらうためなんですね。僕の目の前に太鼓を置いてしまうと、『ド・ド・タン・ド・ド・タン』の動きが全部隠れちゃうんですよ。だから、自分の表情や動き、発したい気持ちがよりストレートに伝わるように、横に置きたいと思うようになって。本当に演奏しづらいんで、それ相応の練習が必要なんですけど（笑）。目立ちたくてやってるとかではなく、自分の中ではそのセットが理に適ってる。教科書には、背筋を伸ばして重心を腰に置いてブレないように叩きなさい、って書いてあるんですけど、僕はまったくそうは思わなくて。背筋を曲げて、首も落として、音楽に合わせてブレるように演奏してるんで」

■割と前のめりですよね。

「完全に前のめりです（笑）。ふたりが前のめりに演奏してる時に、僕だけ淡々とやってたらつまらないじゃないですか。もっと転がっていきたいから」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA12月号 Vol.128』