BRADIO、極上の新曲でいざメジャーへ！
バンドの真骨頂かつファンクへの敬意も露わにした
シングル『LA PA PARADISE』を解く

「BRADIOはJ-POPの中でもソウル、ファンクで行け！」
って言われて、「俺達の時代来た？」って。
それでソウルの根底にある「愛と宇宙とセックス」
というテーマで曲を書いたんです（真行寺）

『MUSICA 10月号 Vol.126』P.100より掲載

（前半略）

■Earth, Wind & Fireって何がアースとして占めるのかっていうと、ディスコ・ビートであることは凄く重要なんですけど、それよりほぼファルセットで歌うことであのアース感が出ていたりして。で、“LA PA PARADISE”はまさにそれをやられてるわけなんですけど、その辺は自分の中でどういうイメージを持たれてたんですか？

真行寺「“LA PA PARADISE”自体が、今までのBRADIOの中で一番70年代とかソウルっていうものに近づいた曲だと思ってまして。プロデューサーの藤井さんがそういうブラックなミュージックに凄い強い方なんですけど――元々彼らの音楽は、黒人が迫害されて、その人達が自分達の居場所みたいなものを見出すために、『自分達の居場所はここじゃない、宇宙だ！』みたいな感じでああいう音楽になっていったものらしくて。それで『自分達は宇宙から来た生き物で、俺達は唯一無二なんだ』っていう、あの当時の黒人とその音楽のソウルっていうものを、この曲の歌詞の中に入れようって話になって。それは藤井さんとソウルについて話したからですし、最初からBRADIOに対してこうあって欲しいっていうヴィジョンを最初から持たれていたので、こういう作品になっていきました」

■それはどういうものだったの？

真行寺「BRADIOはJ-POPの中でもソウル、ファンクで行け！みたいな感じで。『あれ？　俺達の時代来た？』みたいな」

全員「あはははははははは！」

真行寺「ちゃらんぽらんなんで、『あれ、これ行けるんか？』みたいな（笑）。それで今回歌い方に関しても歌詞に関しても、『愛と宇宙とセックス』っていうソウル・ミュージックの根底にあるようなテーマで書いてみて。別にJ-POPに落とさなきゃいけないみたいな制約があってやっていなかったわけではないんですけど、今まではファルセットは意外と避けてきた部分があって。それを今回全面に出したっていうことに関しても藤井さんが後押ししてくれたからなんです」

■なんかこのインタヴュー、プロデューサー賛辞になりそうだけど、でも本当に効いてます。しかもそのファンクがちゃんと歌謡曲にもなるっていう、そこが見事だなと思う。

真行寺「あ、嬉しいです。それを汲み取ってもらえて」

■そこを含めての冒頭の久保田利伸イズムなんですが（笑）。歌詞に関して、“LA PA PARADISE”には本当にいろんなものが散りばめられていて。僕がわかっているだけでも1980年のRCサクセションの“雨上がりの夜空に”、あと1975年のアースの“Shining Star”、1977年のアースの“宇宙のファンタジー（原題：Fantasy）”――。

真行寺「年代まで!!（笑）。凄い調べてくれましたね」

■時代背景が曲から響いてきたから当然です。あと1996年の久保田利伸の“LA・LA・LA LOVE SONG”、1977年の映画『Saturday Night Fever』、1984年のマドンナの“Like a Virgin”。ちなみに他にもあったりします？

真行寺「山本リンダさんの“どうにもとまらない”（1972年）と、あとRCサクセションの“キモちE”（1980年）の『いい』を『E』にして歌ってるのも盛り込みました!!」

■あぁ、ここにもあったかぁ。しまったっ！

真行寺「いやいや、とんでもございません!!」

大山「めちゃめちゃ凄いっす（笑）」

■そうやって凄く意味のある、言ってみればソウル、ディスコ、ファンク、パンク、歌謡曲、それらがこの国の中で受け入れられてきた歴史というものを思い思いに綴られてるようなものになってるのですが。

真行寺「今回は歌詞中で、今まで＜君＞と呼んでたところが＜お前＞っていうふうにしたんです、そこが今までのBRADIOと決定的に違うところですね。藤井さんは僕の人となりをそんなに知らなくて、ライヴとかでの印象だと思うんですけど、『貴秋には＜君＞って言わないで＜お前＞って言ってもらいたい』って言われて。それは『愛と宇宙とセックス』っていうテーマの、そのセックスの部分での1対1っていう、『俺とお前』っていう近い位置を歌詞で表現しようっていうことなんですけど」

■それをプロデューサーに言われた時、どう思ったの？

真行寺「正直ちょっと抵抗ありました。『え、お前って言う……？』みたいな。僕、性格は結構暗いというか、相当暗いというか（苦笑）、あんまり『お前』とか言わないので」

■だからある意味今のこのキャラクターに武装しているわけで。その武装しているキャラクターとしての歌詞を歌ってと言われたってことだけど。

真行寺「かなり戸惑いましたね。でも、書いていくうちに得体の知れないものを感じたというか。それはさっき言った『勘違い』のようなものなんですけど、そこで最近のライヴの時に感じてる勘違いっていうものに繋がった気がして。なんかそういう体験を書いていく中でできたのが、自分の中で大きかったかなと思います」

■ちゃんとセクシーファンクバンドのセンターに乗り移れたんだ。

真行寺「そうですね。ソウルにおけるセックスっていうものがわかってる、っていうのとはまた違うんですけど、こういうのやりたかったみたいな感覚になれたので。それはBRADIOにとっては歌詞からも新しい方面を歌えたかなと思います」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA10月号 Vol.126』

純粋な音楽愛と魂がスパークするアルバム『熱唱サマー』。
大きなターニングポイントを迎えた赤い公園の、
決意とまだ見ぬ未来を津野米咲と語り合う

ずっと正直に、正直にやりたかったんです。
今回は本当にそれができた。余計なことを考えず正直に、
自分達の本質で真っ向勝負できたんです。
それは4人でやるのが最後だったからこそだとも思います

『MUSICA 10月号 Vol.126』P.112より掲載

（前半略）

■まず、12曲中8曲がセルフプロデュースです。アルバム曲でいうと、9曲中7曲がセルフで。こういう形になったのは何故なんですか。

「正直、もっとプロデュースをお願いしたい気持ちもあったんですけどね。でもスケジュールの兼ね合いもあって。頼みたいプロデューサーさん達が全然スケジュールが合わなかったんですよ（笑）」

■ははははははは、そこか。でも、このアルバムはセルフプロデュースだからこそ、これだけ素晴らしい作品になったんだと思いますよ。

「でも、これも逆説的な感じになるんですけど、今回のアルバムはとにかくどんどんポップにしていきたい、ポップに挑戦していきたいっていうところから始まっていて。そのポップっていうのを、曲全体のパッケージとして考えるんじゃなくて、骨のみで考えるっていうことを初めてやってみたんですよ。要は、歌詞とメロディのみでポップスを目指してみるっていう、自分のこだわりをそれのみにしたんです。要は、その骨を神経質なまでにしっかり作って、もう演奏は何をやってもいいし何もやらなくてもいいっていう状態をまず最初に作ってみたんですよね。その結果、より思い切ることができたっていう。だから音の使い方は全然違うんですけど、アレンジというか、曲の持っていき方はデビューしたての頃に近いなっていう感覚があって。『公園デビュー』とか『猛烈リトミック』の時の感覚にようやく久しぶりに会えたっていう感じかなって思います」

■よりポップにしていきたいというのは、何をどういうふうに考えたところから出てきたの？

「『猛烈リトミック』はとにかく全体的に派手、猛烈だっていうコンセプトで作って、次は素直に作ってみようと思って『純情ランドセル』ができて。で、その次は普通にみんなが覚えられて、より多くの人が歌えて、より多くの人が愛してくれるような、かつ自分も好きな歌謡曲であるっていうことをやる以外に思いつかなかったんですよね。それを目指すのは一番ラクじゃない選択ではあったんだけど、でも一番必要な選択だと思ったんです。それは『純情～』を出したすぐ後ぐらいからスタッフとも話してて。全部サビがみんなで歌える曲にしよう、と。遊びの方向性とか闇の方向性みたいなものは勝手に出てくるだろうからそこは敢えて考えずに、とにかくポップな歌を、誰もが歌える歌謡曲を作ろうって」

■そういう考えに至ったのは、それこそSMAPに提供した“Joy!!”だったり、自分が作った曲が実際にJ-POPの真ん中で日本のポップスとして鳴り響いたっていう経験だったり、そういう手応えを得ていく中で意識が鮮明化していったところもあったりするの？

「いや、それとはちょっと違ってて。というのも、特に“Joy!!”はSMAPが歌うからこそ、あそこまで行けた曲だと思ってるんですよ。何故ならあのメロディとかは赤い公園の今作よりも全然難しいし、誰でも歌える歌じゃない、SMAPだからこそ歌える曲だったと思うんですよね。だから正直に言うと、あの曲は自分にとってはあんまり歌謡曲ではなくて。で、その他の提供曲とかも、むしろ自分達の作品よりも無理をさせていただいている感じがあるので（笑）、そういう意味では自分のメロディのポップさみたいなものはあんまり信用してないんですけど、ただ、曲を提供する場合ってアレンジャーさんが入ることがほとんどだし、そのやり方も、コミュニケーションを取らずに、私が作った骨を渡して後はお任せしますっていう形でやってもらってるのがほとんどで。で、それをアレンジャーさんがアレンジしてくださって、会ったこともないミュージシャンの方々が演奏してくださるわけですけど、そうやってでき上がったものから自分の作ったデモを引いてみると、残ったものは何かわかるじゃないですか」

■自分が作った骨に何が加わってポップスになっているかがわかる、と。

「そうそう。その中で、自分の中で凝り固まっていた、リズミカルな隙間のあるリズムのサビでは何かの楽器が長い音を鳴らしていよう、みたいな、なんとなく培った気でいたポップスのルールみたいなものが大胆に崩れ去っていったりして。むしろ、そんなルールなんてないんだよっていうことを学んできた感じは凄いあるんですよね。その結果、たとえば今回の“セミロング”は、アレンジとしてはずっと地味だけど、でもちゃんと世界が成り立ってる。これが前作までだったら、どこかに思いっ切りエレキギターを入れてたと思うんですよ。でも、そこをグッとこらえてみるっていうことができて、その結果とてもいい曲になったなと思ってて」

■要するに、ポップスにするにはアレンジ的にこうでなければならない、こういうアレンジをしたらポップス然とするぞ！みたいな概念が取り払われた、だからこそ芯の部分＝メロディと言葉に集中しようと思った、と。

「そうですね。最初に骨で勝負するぞ、もうそこから逃げないぞ！みたいな大げさな腹の括り方をしたのがよかったんだと思います」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA10月号 Vol.126』

デビュー20周年を迎えたGRAPEVINEが
新作『ROADSIDE PROPHET』を発表。
終わりなき冒険を行く彼らの新たな名盤を紐解く

メインストリームの声ではない、スポットライトの当たらない人達が
主人公になってる曲が多いなと思って。
でも本当は、スポットの当たらない声にこそ
真実があるんじゃないかと思うんです

『MUSICA 9月号 Vol.126』P.88より掲載

（前半略）

■今回は『ROADSIDE PROPHET』と、「路傍の預言者」という意味の言葉をアルバムタイトルに掲げていて。これは非常にGRAPEVINEの本質が表れた言葉だなと思うんですが、どんな意味を込めているんですか？

「タイトルをつけるのは一番最後なんですけど。今回も曲が出揃ったところで、全部の歌詞を見直してみて。全体を眺めて何がテーマになってるんやろうって考えた時に、これはメインストリームの声ではないというか、スポットライトの当たらない人達が主人公になっている曲が多いなと思ったんですよね。でも、昨今の世の中と照らし合わせると……今って、割と太字が強い世の中というか、太字がちな世の中になってるじゃないですか」

■強い言葉、極端な言葉で言った者勝ちみたいな。あるいはニュースにしても何にしても、記事のタイトルだけで判断しがち、みたいな。

「そう。でも本当は、太字じゃない部分、逆にスポットの当たらない声にこそ真実があるんじゃないか、みたいなニュアンスのタイトルがつけたくて。それでこういう言い方になりました。まぁでも、このタイトルやテーマはわかりにくいんでしょうね。太字になりにくいバンドが太字にならないテーマのアルバムを作ってるんで、これまた伝えにくい（笑）」

■はははは。でも、スポットの当たらない声にこそ実は真実があるっていうのは、まさにその通りだと思います。別の言い方をすれば、インパクトの強い主張がイコール正義であるなんてはずもないし、太字で片づけられない、白と黒で片づけられないグレーの部分にこそ本当のリアルと真実があるはずなのに、今はそこがないがしろにされがちな世の中で。

「そういうところに日々、かなりの違和感を感じてはいるんでしょうね。それが歌詞を書いていく中で自ずと出てくるんだと思うんですよね」

■というか、アルバムの5曲目に収録されている“Chain”でも＜声にならないわずかなエコーを／拾いあげて／こわれそうなそれをどうやって／うたうのだろう＞と歌っていますけど、そういうところを掬い取っていくのがGRAPEVINEというバンドというか、田中さんの矜持であり、美学だと思うんですよ。その上で、近年はアルバムの中に何曲か、田中さんの中にある社会に対する違和感、今の社会への批判やメッセージがかなり強く出ている曲が入っていて。特に前作の“BABEL”と“EAST OF THE SUN”はプロテストソングと言っていい曲だったと思いますし。

「あの2曲はパッと聴いて社会的なこと歌ってるもんね、比較的」

■で、今回も全体にそういうメッセージが散りばめられつつ、特に“Shame”と“聖ルチア”の2曲はその側面が割とダイレクトに出ていますよね。

「そうなんです、結構プロテストしてるんですよ。ただ、“Shame”に関しては『あかんわ、わかりやすくし過ぎたな』って思ってますけど（苦笑）。これはちょっと具体的なキーワードを持ってき過ぎた」

■それってたとえば＜自国の愛ゆえ　自分を応援します／差別も虐待なども対岸の火事で＞とか、＜ひと夏の思い出　フェスなどいかがです／虚空へと向かって狂おしく燃え上がれ＞とか？

「そうですね。＜フェス＞とかね、そういう言葉を遣っちゃうとそこばっかりに引っかかってくるじゃないですか。何しろリスナーはみんなフェスに行ってるわけですから。でも、別にフェスの歌ではないんですよ」

■いわゆる邦ロックフェスだけではなく、炎上祭り的なニュアンスも入っているのかな、と。

「そういうつもりですけどね……と言いつつも、まぁこれは半ば嫌味ではありますけど（笑）」

■（笑）。でも、＜世界をウォールで閉ざしてしまいます＞という歌い出しも、あとサビ頭での＜誰を助ければ蹴ればいいんだ＞という言葉の遣い方も本当に秀逸だなと思います。特にこのサビ頭は音だけで聴いていると＜助ければいいんだ＞のリフレインのように聴こえるんだけど、実は後半は＜蹴ればいいんだ＞となってるという。一聴すると助ければいいんだと繰り返しているようなのに実は真逆というこの感じも含め、正義を気取って自分の利益になるもの以外を平気で迫害したり蹴り倒していく昨今の風潮を上手く音楽に落とし込んでいて、見事だなぁと思いました。

「うん、ここはそのつもりでやってますからね。……僕の場合は結局、どっちの味方かとか、右か左かとか、白か黒かとか、そういうことを書きたいわけではないんですよ。白が黒を、あるいは黒が白を批判するようなメッセージソングを書きたいわけではない。そこは結局リスナー次第というか、『さあ、あなただったらどうする？　我々はどうする？』という問いかけみたいなことをやりたいんですよね。そこには、僕自身、どうしても書きながら『おまえは一体どの立場でものを言ってるんだ』という突っ込みを入れてしまう性格やっていうのもあるんですけど。でもプロテストソングっていうのは本来、『あなただったらどうする？　自分はどうする？』ということを投げかけるもんやと思うんですよ。……まぁそういう表現は、昨今の太字の世の中では伝わりにくいんでしょうけど」

■まぁ、黒を白にするんだっていうわかりやすいイデオロギーのほうが求心力を得やすいし、エネルギーとしては強かったりしますからね。

「かつ、人の背中を押すだったり、元気づけるだったり、そういう作用を起こすためには、やっぱり何か言い切ってもらいたいっていう人間の心理があるんだと思うんですよね。だから太字が強いっていうのは結局そういうことで。ものごとの善し悪しよりも、太字で言われたことにより安心するこのドM社会というか。そういうニュアンスが強いんじゃないかなっていう気がします。そういう意味では、自分のやろうとしてることは時代とは真逆なんやなっていうことを凄く痛感しますね」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA10月号 Vol.126』