Mrs. GREEN APPLE、
セルフタイトルアルバムで第二章の幕開け！
今抱く希望と矜持を、大森元貴が語る

中学の時に「こういうバンドになりたいよね」
って話してたのと同じ感覚が、今また凄くあって。
だからミセスがここで固まったというよりも、
初期衝動と遊び心と幼心が爆発した感じに近いと思う

『MUSICA 2月号 Vol.118』P.76より掲載

■セルフタイトルにも象徴されている通り、これからMrs. GREEN APPLEがどういう音楽を鳴らしてどういう存在になって行きたいのかということが音楽的に表されたアルバムであり、さらにインディーズ時代の一番最初のミニアルバムに収録されていた“FACTORY”のような曲が改めて入っている、つまり原点が入ってることも含め、自分達自身でMrs. GREEN APPLEというものを定義づけた上で新たなスタートを切る、そんな意味合いを持つ作品だと感じました。自分ではどんな感触を持ってますか？

「変な意味じゃなくて、なんかファーストアルバムっぽいなという気がしてるんですけど。自分としてはとにかくワクワクが詰まってるアルバムだなと思いますね。前作の『TWELVE』は、僕が12歳から音楽を始めたから12というキーワードをつけたこともそうだけど、自分のバックグラウンドだったり、メンバー含め自分達のあの時点までの人生観や音楽観だったりを鳴らしていた作品で。自分らとしては今までのものにひとつケリをつけるというか、ログとして残すっていう意味で作ったアルバムだったんですけど。でも今回のアルバムはこれからのことを歌っていて」

■つまり、『TWELVE』は過去からあの時点までの記録だったけれど、今回は今から未来へのことを鳴らしている作品だ、と。

「まさにそうですね。これからに対するワクワクが詰められたし、純粋に自分らもワクワクするようなアルバムができたなって思います」

■前回のシングル『In the Morning』の時に自分達はティーンポップを鳴らして行きたいんだという話をしてくれたけど、実際、このアルバムの方向性を決めたような制作の起点というのはどの時点だったの？

「起点か……『サママ・フェスティバル！』を作ってる時にはまだ見えてなかったけど、あのシングルをリリースする頃にはもう見えてた感じかな。制作時期とリリース時期が半年近くズレてるんですけど（笑）、『サママ～』をリリースする頃には僕らとしてはもうこの作品に向かう新しいスタンスというか、Mrs. GREEN APPLE第二章としての気持ちがしっかりでき上がってはいましたね。その頃にはもう、前回話したようなティーンポップというか、海外のポップス・グループの音楽を自分らなりに解釈して、自分らなりに変換してアウトプットしたいっていう話をしていたので」

■たとえば“Just a Friend”という曲は、それこそ海外のスタジアムポップのようなスケール感とサウンド感を持った楽曲で。今までもミセスはエレクトロニックなサウンドを取り入れていたけど、明らかにそれとは違う方法論と質感を持っていますよね。ポップスをちゃんとエンターテインメントとして大きな会場で歌い鳴らすイメージがもの凄く見えてくるし、『サママ～』以降の、今のミセスが目指している方向を提示する曲だと思うんですけど。

「そうですね、作る時からそれは意識してたというか。これは本当に、大きい会場でやってる自分らを想像して、それにワクワクして作っていった曲なんで。それって間違いなく『サママ～』までの作り方とはまったく違って。アルバムと『In the Morning』は同時期に作ってたんだけど、アルバムはもっともっと深いところに入ったというか。自分らの今やりたいことだったり、自分らが楽しいと思うことがより深く強く出てると思います」

■そのワクワク感っていうのは、以前とはそんなにも違うんだ？

「違いますね。前は自分の中だけで曲を書いていたし、自分の中だけで音楽をしてた感じが凄くあるんですけど、今はもっともっと人に聴いてもらいたいっていう気持ちで作ってて。それも『そうしなきゃ』っていう感覚に駆られてるわけじゃないんですよ。なんか、凄く自然にそう思えてるというか、そこに純粋に夢を見ているような気持ちでいられていて。そういう気持ちで作品が作れるようになったし、活動ができるようになった……っていうか、そういうふうに生きていけるようになったんですよね、人として。それは凄く色濃く出てるなって思いますけどね」

■だから今回、凄く抜けがいいんだよね。気合いは入ってるんだけどいい意味で肩の力が抜けてる、変なバイアスがかかってないというか。

「まさに！　ほんとにその通りですね。だから今回はレコーディングとか全然苦しくなかったんですよ。生みの苦しみっていう自分の中だけの壁じゃないところで闘えたので凄くやりがいがあったし、とにかく楽しくて。メンバーも、みんな自分のことにいっぱいいっぱいじゃなかったし、理屈じゃないところでみんな音楽ができたなって感じは凄くある」

■ちなみに、前はいつも作品を作り終わった後に倒れてたじゃない？　今回はどうだったの？

「それが、今回は全然倒れたりしなかったんですよ！　まぁまだわかんないからちょっと怖いんだけど（笑）」

■でも、でき上がって1ヵ月以上経ってるでしょ？

「全然経ってる」

■じゃあもう大丈夫だよ（笑）。その倒れなかったということが、結構いろんなものを物語っているような気がしますけどね。

「なんでなんですかね。でもほんと、全部が凄く楽しかった。それはやっぱりメンバーとの関係性だったり、活動におけるメンタルの部分が凄く変わったのも大きいんだと思う。以前より凄く友達っぽくなったし、以前より凄くバンドっぽくなったしっていう実感は強いので。純粋にメンバーに任せられる部分も増えてきたんだけど、それも信頼関係が強くなったからだと思うし………ひとりでデモを作ってる時も、今までは『こう作ってやろう！』みたいなことが狙いとか理屈が結構あったんだけど、今はそういう感じとは違う部分で音楽ができていて。もちろん狙いみたいなものは今回もあるにはあるんだけど、ひとりセッションみたいなのを凄く楽しみながら音楽ができたんですよ」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA2月号 Vol.118』

BLUE ENCOUNT、新たな始まりと解放を明示する
アルバム『THE END』リリース。
田邊駿一がその心情のすべてを告白

バンドだけじゃなく、会社だって学校だってバイトだって、
求められた人格でいればスムーズに乗り越えていける。
でも俺はそれが一番嫌なんですよね。
俺はそういう生き方をしたくないんです

『MUSICA 2月号 Vol.118』P.76より掲載

■アルバムを聴く度にBLUE ENCOUNTって音楽性の幅が広いなと思うんですが、でも今回は、曲調の幅としては今までで一番バラエティに富んでるにもかかわらず、その多彩さよりもそこに貫かれたアイデンティティのほうを強く感じるアルバムなんですよね。つまりバラエティの豊かさよりも、そのバラエティが収束するBLUE ENCOUNTというもの、そして田邊くんのアイデンティティに耳がいくというか。自分ではどうですか。

「こんなに過不足なく自分達のやりたいことを吐き出せたのは初めてだなって思いますね。振り幅的には前作よりも広いし、新しいことをやってるんですけど、でも前作に比べて無理しなかったなっていう感じは凄くありますね。今まで、特に前作はBLUE ENCOUNTの1枚目のフルアルバムってこともあって、僕らの生真面目さが思い切り滲み出た作品だった気がするんですよ。だからこそライヴでももちろん盛り上がるんですけど、未だにちょっと肩肘張っちゃう部分があって。でもあれから1年半の間に状況がどんどん変わってきて、自分達の楽曲に自信が持てるようになったことがデカいのか、本当の意味で嫌われてもいいからやりたいことやろうっていう――まぁ昔から嫌われてもいいですって言ってましたけど、どうしても田邊の性格上、心のどっかに好かれたいという部分が凄くあって」

■ははははははは。というか、今もそれは消えてないと思うけど。

「確かに消えたわけではないんですけど（笑）。でも、ようやくそれを実践できるだけの芯が自分の中に形成されてきた気がしていて。今回僕らが何をやりたかったかっていうと、もっと道に迷わせたかったんですよ」

■というのは？

「たとえば1曲聴いて1時間空けてまた1曲聴いたら、『あれ、全然違うバンドじゃね？』と思ってもらえるぐらいの作品にしたかったんです」

■それくらい異なる曲調が入った作品にしたかったと。実際、“city”をいきなり聴かされたら、これがブルエンの曲だとは誰も思わないでしょうね。

「はい。そういうアルバム作りたいよねっていうのは13年前の高校の時からみんなで言ってたことだったんですよ。高校の時にELLEGARDENと出会って邦ロックの扉がバーンと開いて、ACIDMAN、ストレイテナー、BRAHMAN、Dragon Ashといろんな音楽が頭に入ってきて、同時期にエミネムがちょうど流行ってて、そういうの全部いろいろやりたいっていうところから始まったバンドだったので。むしろ、そういう意味ではようやく正統派なブルエンの作品ができたなっていうのはありますね」

■その作品に『THE END』というタイトルをつけたのは何故なのか、ということはやはり初めに訊いておかなきゃなと思うんですが。

「そうですよね（笑）。2016年は武道館という一番大きい目標があって。チケットがソールドアウトした時、周りの人から『いよいよゴールだね、夢が叶うね』言ってもらう機会が結構あったんですよ」

■武道館でやることが夢だって、公言してましたからね。

「そう、3年前のWESTワンマンの時から公言してたし、バンドとしては結成してから13年ずっと掲げてきた夢だったので。で、僕もゴールだなと思って、当日のリハもずっと噛み締めながらやってたんですよ。でも本番が始まったら反骨心が生まれてきて、これがゴールだってことがどんどん腑に落ちなくなって。なんか、これで成功したって言われたら終わりだなって1曲1曲やりながら思い始めて――その時に、自分にとっての『THE END』っていう意味が変わっていったんです。最初は、わかりやすく言うと『終わらせて新しく前に進もうよ』みたいな感じだったんですけど、武道館やってみて、もうその『終わり』って言葉自体もぶっ壊したくなったというか。終わり、ゴール、到達、着地点、ピリオド、節目とか、そういう言葉を全部壊したくなった。その頃、すげえ言われたんですよ。このアルバム作る時も『次のブルエンどうする？』みたいな、『次はどういうステージに行く？』って言われ続けて、正直めんどくさっ！てなってて」

■（笑）。

「そんなに次のステージ行かなきゃいけねえのかって気持ちになって。それは後退でもなく、現状に満足してるわけでもなく――まあ現状に嫌気がさしてる部分は常にあるんですけど、とにかくネクストステージとかピリオドとかTHE ENDとか節目っていう言葉が凄く嫌で。それこそスタッフレーベルの人とも『そんなに次って大事なんですか？』って熱くなって語り合ったこともあったし（笑）。なので、武道館をやって自分の中で『THE END』の意味が変わって、その終わり、節目ってもの自体もぶっ壊せばいいんだって思えたこと、そして『THE END』って武道館で発表してお客さんが『えぇーっ!?』てなった時に、俺らの音楽は必要とされてるんだなって思えたことで、そういうモヤモヤが全部スッキリしたんですよね」

■今の説明は腑に落ちるようで落ちないんですけど。あの場で発表したということは、武道館をやる前から『THE END』ってタイトルは決めてたわけで。つまり終わりなんて自分でぶっ壊せばいいと思える前に『THE END』と名づけていた。さっき「終わらせて新しく前に進もう」って言ってたけど、そもそもそういう気持ちになったのは何故なの？

「正直、このタイトルは最初は本当に直感だったんです。これを思いついたのが9mm先輩のツアーに呼んでもらって、僕が熊本でひとりで弾き語りをやらせてもらう日だったんですよ。その飛行機の中でこれを思いついて……たぶんその時、『THE END』って言いたかったんだろうなと思います。『THE END』って浮かんだ時は、正直、解散っていう言葉をちょっと浮かべてた自分がいたんです」

■それはリアルな意味で、バンドを解散するってこと？

「リアルな意味で。解散というか、なんかもうとにかく辞めたかったんですよ。『LAST HERO』を作ったすぐ後ぐらいだったんですけど」

■バンド的には、むしろ絶好調な時期じゃん。

「そうなんですよね、お客さんもついてきた時期だし、それこそドラマのタイアップも決まって、周りから『すげえいいじゃん！』って言われるようになって。でも、そこに対して何がいいの？ってなってる自分がいて。もっと行きたいし、でもそのもっと行きたいことに自分が対応できてないし、もっともっといいものを出したいのに出せてないっていう、いろんな悔しさみたいなものが出てて。とにかくナメられたくないなっていう意識が強いんですけど、きっと俺ナメられてるんだろうなって思っちゃって――」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA2月号 Vol.118』

SKY-HI、会心の新作『OLIVE』リリース。
生粋のエンターテイナーの核を解き明かす

ルサンチマンに走りたくない。
この時代に生きた人間の生きた言葉の
メッセージとしての自分の最適解を、
最適な音楽に乗せて作りたかった

『MUSICA 2月号 Vol.118』P.60より掲載

■この1年間がどれだけ濃密で、この1年間でどれだけ自分の中で進化と変化が起こったかっていうことが、素晴らしくも目覚ましくダイレクトに出てるアルバムですね。

「まさにそうだと思います、そんな気がします！」

■まずタイトルの『OLIVE』っていうのは、僕はポパイ、あなたはオリーブっていう意味の『OLIVE』なんですか？　それとも果実のほうですか？

「いろいろありまして（笑）。導かれて出たって最近言うようにしてるんですけど。まず最初に入れたい要素がいろいろあって。『カタルシス』が完成するかしないかぐらいの時に、死を語ることをやった『カタルシス』の次は、ちゃんと生きることに向き合いたいなと思ってたんですけど」

■あっ、そっか！　これ、「オーLIVE」なんだ。

「そうっす（笑）。LIVEを入れたくて。死ぬことに思いっきし向き合うことによってポジティヴに転ずるみたいな、『死にたい』が『生きててよかった』に変わるみたいなことを唱えてたのが『カタルシス』だったんですけど、死ぬことに凄く向き合ったから、次は生きることにちゃんと寄り添おうと思って、LIVEが絶対に入ってるタイトルじゃないと嫌で。でも『ALIVE』とか『RELIVE』とかはさすがに……みたいな感じでずっと止めてて。一応『RELIVE』とかは入れてたんですけど、『仮RELIVE』とか『仮RE IN CARNATION』って呼んでたんです。それと同時進行で、ジャケのイメージだけがずっとあって。『カタルシス』は東京を上から見てたんですけど、その東京の真ん中で無機物のコンクリートの中から有機物の木がボーンとか、そういうものがいいなと思ってて。その木みたいなものがタイトルだったらいいのにと思って、LIVEが入ってる植物なんてあるかなって考えたらOLIVEがあるなと思って。いろいろ線がつながったのは、オリーヴは元々いいイメージしかなかったけど、ノアの箱舟のあれ（洪水が起きた時に方舟から放たれてオリーヴの葉を加えて地に戻ってきた鳩が平和の象徴として旧約聖書の中で扱われている）もオリーヴだし、あと俺が凄い好きな逸話は、アテネの女神の化身でパルテノン神殿の脇にデカいオリーヴの木があって。それはペルシャ兵が何回燃やしても次の日には蘇ってたっていう、そんなバカなっていう話（笑）。でもそういう再生のモチーフだったり。あと平和、優しさ、勝利、いいことしかなかったから。オリンピックの冠もオリーヴだし。これは素晴らしい、繋がったと思った」

■なるほど。その――。

「あともうひとつあるんで話してもいいですか？」

■失礼しました（笑）。

「自分が歌うことって、生きること、死ぬこと、愛すること、闘うことくらいだったんですけど、死ぬから生きるの『カタルシス』じゃないから、生きることに常に寄り添うっていうのは、たぶんすべてを愛する必要があると思ってたから、LIVEと同時にLOVEも仕込まれてないと嫌だなと思ってたんですけど。『OLIVE』は『I LOVE』のアナグラムにもなるから、愛もあるしLIVEもいるし、もう絶対に『OLIVE』しかないと思って。いろんな線をひと言で表すと『OLIVE』っていうのが、最終的にギリギリで落っこちてきてくれて」

■実はオリーヴって日本で栽培するのはもの凄く難しくて。ざっくり言うと日本は湿度が高過ぎてオリーヴ栽培がほとんど失敗するんだよね。

「そうですよね、それこそ原産地がギリシアですもんね」

■そう、エーゲ海とかカラッカラで塩気もある場所で育つものだから。日本だと小豆島とか数少ない場所だけがそれに当てはまるわけで。つまり、日本はウェットだからダメになったっていう。

「なるほど！」

■ある意味、このアルバムが『OLIVE』というタイトルであることを象徴してるなと思ったんですよ。

「凄い！　確かに音の質感も全体的にカラッとしてますしね」

■前回がDEATHで今回がLIVEみたいな構想って、この１年間の自分にとってのリアリティーでもあったんですか？

「そうですね。まず『カタルシス』が箸にも棒にもかからなかったら、音楽との向き合い方そのものを変えようと思ってたから。たとえばほんとにエイジアントラップしか作らないとかね（笑）。自分の才能のうち、一番大きくなる可能性があると思って育ててた才能だったから、それが『いやいや、そんな木は無理ですよ』ってなったら違う木も育てなきゃいけないっていうのが1個あったんですけど。それクリアしたとして、『カタルシス』の次にもう1回、自分の中で一番大きくなるだろうと思った木を育てようとした時に、LIVEが絶対ないといけない。生きること、再生すること、死を語るところから蘇生することを歌おうとは思ってたんですけど、そのLIVEにLOVEがついてきたのはこの1年の話で。『カタルシス』以降にMUSICAや鹿野さんが先頭切って風向きを変えてくれたり、いろいろなことがなかったら、同じ生きるを語るでも、『生きるとは愛することだ』ではなく、『生きるとは闘うことだ』ってもう1回シリアスになった可能性は全然あります。それでもなんとかポップに仕上げようとは頑張ったんだろうけど、よい悪いではなく、人生的に今、愛にあふれたものができたっていうのは、しかもあんまり無責任にならずにちゃんと向き合えたっていうのは、よかったです」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA2月号 Vol.118』