ASIAN KUNG-FU GENERATION、
名盤『ソルファ』を新録リリース！
今改めて新しい魅力を放つ本作の意義と普遍性

新しい王道のロックを打ち立ててやるんだ！
みたいな気持ちが、いろんな挑戦や、音楽的な広がりにも繋がっていった。
状況に対して抗う気持ちっていうのが、あのアルバムそのものを生んだというか

『MUSICA 12月号 Vol.116』P.76より掲載

■新録版の『ソルファ』、本当に素晴らしいです。

「ありがとうございます。自分でもよくできたなって思いますね（笑）」

■そもそも、ベストアルバムの時に『君繋ファイブエム』の全曲再現スタジオライヴをDVDに収録したりもしましたけど、今回『ソルファ』をこのタイミングで再録したいと思った一番の意図はどこにあったんですか？

「『ソルファ』だけは、レコーディングに関して、もうちょっとよくできたはずだっていう思いがずっとあったんですよね。その思いは自分達が進んで行けば進んで行くほど膨らんでいって。他のメンバーはどう思ってたかわかんないですけど、僕の中ではどんどん大きくなってたんですよ。で、一番売れたアルバムなのに、友達とか海外のバンドの人にはあんまり自分から渡さないものになってて（笑）。特にヴォーカルに関しては、当時もう少し時間が欲しかったなっていう思いは何曲かあったんです」

■『ソルファ』のレコーディングの時期は急速にバンドの状況が爆発していった時期だったのもあって、本当に忙しくて、とにかく凄い大変な状況の中で録ってたってお話はよくされてましたもんね。

「そうですね。みんなその時のことってたぶん覚えてないんじゃないですかね、ほんと忙しかったんで記憶にないくらい（笑）。で、『Wonder Future』を作ってる途中で、俺はこのアルバムを作り終わったらバンドをやめようと思ったんですけど、もし今ここまで来てバンドを本当にやめるっていう時に『ソルファ』があのままじゃ悔いが残るなって思ったんですよね。あと、それとは別にもうひとつ、常々『バンドってそんなに新曲いるか？』みたいな気持ちがあって。それは、アジカンに関わらずなんですけど」

■それはどういう意味で？

「たとえばインディのロックバンド、特に若いバンドは、常に自分達にとってベストみたいなセットリストでライヴをやるじゃないですか。で、その中で生き残った曲がファーストアルバムに残ったりするわけで」

■ライヴをやりながら楽曲を育てていく、精査していくという。ファーストアルバムに名盤が多い理由のひとつは、そこにもありますよね。

「そうそう。そういうことを考えると、自分達が今やってる音楽のやり方っていうのは果たして本当にクリエイティヴかどうかわかんないよなと思って。アジカンに関しては割と時間をもらえてるから、のんびりやらせてもらってコンセプト立てたりしてできますけど、仮に自分達が1年に1枚出さなきゃいけないような状況になった時に、そういうルーティンみたいな楽曲の作り方ってどうなんだろうなっていう気持ちがあって。実際、『ソルファ』の話とは関係ない時に、メンバーに『もうそんなに曲作らなくていいんじゃない？』って言ったことがあるんですよ。『ツアーだけやってればいいんじゃない？　アルバムは5年後だっていいじゃん』みたいな」

■The Rolling Stonesとかはそういう形で延々と世界を周ってますしね。

「そうなんですよ。ストーンズも新譜の曲やらないじゃん、だからそうなるよっていう話で。マネタイズみたいな考えで言っても、もはやこの時代において新譜を作り続けることが重要か、それで勝っていけるかと言えば、それもわからないよねっていうこともあるし」

■それを言った時、メンバーはなんておっしゃいました？

「『新曲作らないバンドはやったってしょうがないじゃん！』みたいなことを山ちゃんが言ったのを聞いて、俺の言ったこと全然通じてねえなってびっくりしちゃって（笑）。いや、そうじゃないんだけど。新曲はもちろん作るけど、そんなにたくさん作らなくてもいいんじゃないかっていう話なんだけどって（笑）。……たとえばクラムボンやハナレグミの永積（タカシ）さんが一時期、新曲を作らないでカヴァーばかりやっていた時期があると思うんですけど、その気持ちは俺も凄くよくわかるんだよね。実際、よっぽど昔のバンドを掘って聴いたほうが感覚的に新しいものに出会えたりもするし。つまり今作れば新しいかって言ったら、音楽って必ずしもそういうものじゃないんじゃないかって。そういう思いと、自分のもの足りなさを晴らしたいっていう思いと、あとは“リライト”や“ループ＆ループ”って今でもOAしてもらう機会がよくあるんですけど、その時に一番新しいものを流して欲しいなっていう思い――ずっと、ライヴ盤のテイクのほうが自分達の演奏がいいと思ってたので、せっかく流れるんだったら最新の僕らの音でその曲達を聴いて欲しいっていう思いが複合的に盛り上がって、今回の再録に向かっていった感じでしたね」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA12月号 Vol.116』

OGRE YOU ASSHOLE、待望の新作『ハンドルを放す前に』。
孤高のロックバンドが描いた新境地に迫る

何か起こる寸前って、本来は感情が一番昂ってる
状態だと思うんですよ。ほんとはそこがピークなんです。
で、そのピークをちゃんと対象化して表現するっていうか。
………俺、感情とかはどうでもいいんですよね

『MUSICA 12月号 Vol.116』P.84より掲載

■『homely』、『100年後』、『ペーパークラフト』の3部作以前と以降でOGREの音楽的なアイデンティティはガラリと変わったわけですけど、それを経て今回はファーストアルバム以来となるセルフプロデュースということで。

出戸学（G&Vo）「まぁでも、ファーストは『CD作る？』『あ、作りたいです』みたいな感じでスタジオ連れてかれて、ほんとに何が何だかわからない状態でやってたから。しかも連れて行かれた先が小室哲哉のスタジオだったんで」

■え、マジで？　そうだったんだ？

出戸「そうなんですよ（笑）。だから、僕らとしてはロックをやってるつもりなのに、録ってみたら飼い慣らされた感じのポップスの音色になっちゃって。その頃はUSインディみたいな音が好きだったんで、なんでこうなるんだろう？と思って。エンジニアさんもポップスの人だったから今考えれば当然なんですけど、当時はなんでそんな音になってるのかワケがわからなくて（笑）。そういう状態だったから、言ってみたら今回が初めてのセルフプロデュース・アルバムなんです」

■凄い面白い話をありがとう（笑）。では初プロデュースにあたり、自分達ではどういうイメージでこのアルバムに向かってきたんですか。

出戸「その3部作はそれぞれ最初に割とコンセプトをはっきり立てて、そこに向かって行く作り方をやってたんですけど、今回は逆にコンセプトは立てず、1曲1曲好きに作ろうっていうことになって。下手したら完全にバラバラで、アルバム1枚としてまとまらなくてもいいやぐらいの気持ちで、とりあえず自分がいいと思う質感のものを並べていこうっていうところから始まったんですよね。で、俺と馬渕がそれぞれ作って」

■ふたりも各々勝手に作っていく感じ？

馬渕啓（G）「勝手に。ほんとバラバラですね」

出戸「特に言葉もなく、好きに作ったよね。で、できた順に音を渡し合っていって」

■なんでそういう作り方をしたかったの？

出戸「コンセプトを立ててやるってやり方をもう一回するよりも、なんか違った感じでやりたかったっていうのが一番ですかね」

■逆に言うと、3部作をやりたかったのはどうしてだったの？　そもそもこのバンドって、その「なんか違った感じ」を常に開拓していきたい気持ちがあるバンドだと思うんだけど。

出戸「3部作の最初の『homely』がそれまでの作品からあまりにも変わり過ぎて、そこでまたすぐ次で変わったら意味わかんないなと思って」

馬渕「1枚だけだと、ただ単に『やってみました』みたいな感じになっちゃうから、説得力ないじゃないですか。そういうバンドって多いと思うんですけど、そうはなりたくないっていうのはあって」

出戸「うん。あと、自分達でも捉え切れてない部分もあったしね。そこはもう2枚ぐらいやらないと周りもわかんないだろうし、自分達の中にももっと取り入れたい要素があったから、それをするためには3枚作る必要があったって感じですね」

■ということは、今回そのやり方を変えたのは、3部作を作ってる間にライヴの形態も変わったこと含め、自分達の新しい音楽の肉体みたいなものをちゃんとビルドアップできたっていう実感があったからこそでもあるんだ？

出戸「そうですね。3部作で学んだことは結構あったんで、それを踏まえてまた新たにっていう。でも、今回はほんとに全部自分達で決めて作った、今までよりも自分に近いものだから。だから今まで以上に評判が気になります（笑）。みんなに『どうだった？』とか訊きたくなる」

■いや、ほんとに素晴らしいよ。

馬渕「ああよかった」

■OGREの作品は毎回素晴らしいけど、『homely』から『ペーパークラフト』まででやってきたものが、ちゃんと血肉化されて、オリジナルな形で昇華されたなってことが凄く感じられるアルバムだと思う。オリジナリティっていう意味では、一番強く出てるアルバムなんじゃないかと思います。

出戸「それは嬉しいですね」

馬渕「正直、やる前は不安な部分もありましたからね。石原さんがいなくなって、やっぱOGREはプロデューサーの力だったんだって言われるのも嫌だったから。かなり緊張はしてたよね」

■コンセプトに縛られないで曲を作っていこうってなった時に、それぞれどんなことを思いながら曲を作っていったの？

出戸「俺は完全に自分の好きな質感とか、そういうのだけですね。言葉とかじゃなくて、手触りとか。でも、最初はちょっと身動きができない感じがあった。コンセプトがあるってことは拠りどころがあるってことだから、迷った時にそれを基本に考えると発想もしやすかったりするんですけど、今回はそれがないから逆に難しくて。やっぱり発想って、何か制限があったほうがどんどん出てくるんですよね」

■確かにそうだよね。完全な更地に立ってフリーハンドでやるってなると、逆に難しいよね。

出戸「そうそう。でも曲数が増えてくると、なんとなく後は何が必要かっていうのが見えてきて、制限が出てくるから。だから後半はどんどん出てきたんですけど、エンジンかかるの遅かったですね。馬渕のほうが先にいろんな曲持ってきて」

馬渕「俺は割といつもそんな感じで作ってるからね。いいアイディアが浮かんだら、それを試してみるっていう感じだから。僕はメロディは作ってなくて、最後に出戸がメロディを乗せるんですけど、出戸が歌うであろうということを想定してどんな感じがいいかなって考えながらやってて――」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA12月号 Vol.116』

Mrs. GREEN APPLE、自身の音楽をより自由に開花させた
シングル『In the Morning』発表！
ティーンポップを打ち鳴らしていく決意を大森元貴が語る

今も昔も多感であるのは間違いないと思うんだけど、
今はその多感さを自分で理解してあげられるようになって。
当時は理解してあげられなかったんですよね。
だからもがく中で曲を作っていくしかなかったし。
でも、そんな劣等感の中で「音楽をやるしかなかった自分」から、
「音楽をやりたい自分」にやっと変わっていった

『MUSICA 12月号 Vol.116』P.66より掲載

（前半略）

■そんな中でシングル『In the Morning』が出ます。相変わらず非常にポップなんだけど、“サママ・フェスティバル！”とはまた違ったタイプのポップソングですよね。これはどんなふうに生まれてきた曲なんですか？

「自分的には“サママ～”を作ったことで、模索しながら答えを見出していくモードが一旦終わったんですよ。“サママ～”は自分達の中で凄い振り切った曲だから。“StaRt”や“Speaking”もそうだけど、メジャーデビューしてからシンセや同期の音を入れるようになったり、EDMの要素とか海外の音楽からのインスピレーションを自分達の曲に入れてみたりってことをやってきて。いろいろ模索しながら、挑戦しながらやってきたんだけど、それが“サママ～”まででひとつ区切りがついたというか。で、今回は二十歳になって一発目ってことで、自分のスタンスとしては変わらないけど、でもやっぱり二十歳って世間的にも節目になる歳だし、聴かれる印象も変わるんだろうなぁって思ってたので、そこは“In the Morning”を作る時から意識してました。逆に言えば、このままの印象でずっとミセスをやっていくことはできないだろうなとも思ってたんで、二十歳をきっかけにもう一度自分らのやりたいことを見返してみたというか。……僕、結成当時から、二十歳になった時に自分らの音楽性は1回振り出しに戻るんだろうなぁって漠然と思ってたんですよ」

■それは、何がそう予感させていたんですか？

「なんだろう、わかんないけどそう思ってた（笑）。……でも、バンドってストーリーだと思うんで、それをよりワクワクするものにしたいっていうのは昔から思ってて。たとえば漫画でもストーリーがしっかりしてるとワクワクするじゃないですか。それと同じことがバンドという生命体で起こったら絶対に楽しいと思うし。それはバンドならではじゃないですか」

■バンドストーリーというもの自体に、人は魅せられるからね。

「そうそう、本当にそう思うので。その中で二十歳になった時に一度また新しい始まりを迎えるというのは、なんとなくイメージにあったんです。ちょっと話がズレちゃうかもしれないけど、メジャーデビューして僕が髪にパーマをかけたり、“サママ～”の時に茶髪にしたりしたのも、二十歳になった時にストレートの黒髪で自分がドシンといるイメージがデビューする当時からあったからなんですよね」

■マジで!?　最初からそこまで考ええてたの？

「マジで（笑）。それこそディレクターに『え、茶髪にすんの？』って言われたんですけど、その時に『二十歳になった時に黒髪にして1回振り出しに戻りたいんです』ってちゃんと話もしていて」

■………なんか凄いね。

「そもそもドラムは女の子がいいとか、キーボードはしっかりした人がいいとかも、自分のヴィジョンにあったものだし。その延長線上に二十歳という節目があって。……バンドとしてストーリーを描いていきたいという意識があるからこそ、Mrs. GREEN APPLEはずっと変わり続けるし、曲もずっと同じ方向性ではダメだと思ってるところはあります。なんか、バンドとしての進化ってとても人間味があるなぁと思うんですよ」

■そういう意味では、10代の期間に辿ってきたミセスが描いてきたものは、自分ではどんな物語だったと思う？

「さっき言った模索と挑戦の物語というか。自分自身と向き合う、自分自身がやりたいことと向き合って、それを模索しながら1個ずつ提示していった期間だったと思います。まぁ20代になったからといって何かがガラリと変わるわけじゃないんですけど、でも今振り返ってみると、自分の10代の活動は今後のMrs. GREEN APPLEとしての活動の土台を作っている期間だったんじゃないかと思いますね」

■16歳でバンドを始めてからの3～4年というか、もっと遡れば元貴くんは12歳から音楽を作り始めてるわけですけど。でも、それこそこの1年くらいで、元貴くんはそのワクワクや楽しさを、それこそ理屈としてではなく、実感として音楽にできるようになってきたと思うんです。安易な言葉で言っちゃうと、リアル青春期／思春期だったバンド結成時よりも、よっぽど今のほうが青春してるなって思うんだよね。

「もうそれは絶対に間違いなくありますね。昔のほうが難しいこと歌っていたりもしますし。でもそこは、純粋に人間としての必然的な成長だったなと思いますね。僕は、今も昔も多感であるのは間違いないと思うんだけど、ただ、今はその多感さを自分で理解してあげられるようになって。当時は理解してあげられなかったんですよね。だからもがく中で曲を作っていくしかなかったし……それこそ最初のインタヴューで言ったと思うんですけど、昔の自分は凄く劣等感があったわけで。そういう劣等感の中で『音楽をやるしかなかった自分』から、『音楽をやりたい自分』にやっと変わっていったところが、自分の中では一番大きくて」

■確かに、それはめちゃくちゃ大きいよね。

「めちゃくちゃ大きいです。だから今がめちゃくちゃ楽しいんですよ」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA12月号 Vol.116』