前人未到のライヴを経て、エポックメイクな様式美と
世界観を全国に運ぼうと果敢に始まった巨大ツアー、
SEKAI NO OWARI「INSOMNIA TRAIN」。
その内と外をロングドキュメンタリーで一気におくります！

新潟・国営越後丘陵公園＆富士急コニファーフォレスト公演に密着！
弩級のエンターテインメントの芯にあるものと、
彼らが迎えた過渡期に迫るロングドキュメント！

『MUSICA7月号 Vol.135』より引用

（前略）

5月19日　ツアー3本目新潟　本番日

今回のステージは、ライヴが始まる2時間以上前からオーディエンスに解放していることを踏まえると、照明が全開になっている時間よりもそうでない時間の方が目に晒される時間が長い。だからこそ、照明美による雰囲気で見せるだけではなく、何も明かりが灯されていない状態で独特の雰囲気を出さねばならない。しかも残酷なことに最早、セカオワといえばステージ自体がファンタジーになっていることがデフォルトになっているという、あらかじめとんでもなくハードルが高い中で参加者に新しい世界観をアピールしなければならず、それは本当にハードなことだと思うが、しかしそれを一番楽しんでいるし、そんなハードルはいつだって越えられると思っているのも彼ら自身で、その誇りや挑戦心が、今回の「INSOMNIA TRAIN」ステージには溢れ出ていた。

　リハーサルが始まった。“RAIN”を聴いている時に、Fukaseのライヴにおける歌声の変化や成長を感じた。あのまるでウィーン少年合唱団のような聖なる透明さを放つ声が、透明さというより人の気持ちや奥にある情念のようなものを声自体がきっちりと代弁するような、シンプルに言えば説得力や表現欲、そして様々な感情を代弁するような大きな包容力を感じたのだった。当初はそれこそ「色や意味を歌の中になるべく込めたくない」と、業の深い曲に対して自ら反発するかのような歌唱をしていたFukaseだったが、今はその曲の持っている世界観のその奥にある「願い」がなんなのかを、歌声で表現し切っているようだ。そんな歌を目に見える景色の、そのまた奥を見るように遠くを見つめながら歌っている。その歌を繊細なSaoriの鍵盤とNakajinのギターが支え、随分とタフになったLOVEのビートが前へ前へと進めてゆく。

　12時9分にリハーサルが終わった。まだメンバーもローディーと打ち合わせしたりしていたが、ステージに上らせてもらった。

　まず驚いたのは、実は彼ら4人のステージ上でのスペースがとても狭いこと。ステージ自体があれだけ大胆なデザインになっている分、多くのスペースを演出に寄せているので、実際に彼らがミュージシャンとして動ける範囲がとても狭いのである。その印象を伝えるとNakajinとLOVEが「そうなんですよ。実は毎回こんな感じで。『Tarkus』だけは円形ステージだったから自由度が多くて逆に悩んだりしたんだけど、基本は毎回こうやってきっちりどこで演奏するかが決まっていて、その上で敢えて動いたり、自分がSaoriちゃんのところに様子を伺いに行ったり（笑）してるんです」と話してくれる。

　ツアー初日の熊本でも感じたこのツアー一番の新鮮さは、Fukaseがベースを弾きながら歌う曲が複数あることだったが、この日もリハーサルでも改めてその新鮮さを感じた。面白かったのは“スターゲイザー”。言ってみれば無機質さすら感じる歌を含めてエレクトロがバッキバキな楽曲で、Fukaseがベースを持ち、Nakajinがアコギを持ち、Saoriがピアノを高音域で奏で、アナログなパーカッションも大胆に導入されるというのは電子音楽的なマナーとしてはかなりアナーキーなアレンジだが、彼らはそもそも本能的にしか曲と向かい合えないバンドなので、得てしてこういうことが多くなる。独特の曲の世界観にふさわしい独特のアレンジが、今回のツアーのセットでも披露されそうだ。

　リハが終わって楽屋に戻ってきたFukaseになんでベースをライヴで弾くことにしたの？と尋ねた。すると「そもそもベースが大好きで、前からシンセベースや本物のベースを買ったりしてて。海外を回るEnd of the Worldの時も、日本より遥かにシンプルな構成で、サポートミュージシャンも入らずに（今回のツアーは生ドラムとベーシストの外人ミュージシャンがサポートとして入っている）やってるが故にベースを弾くこともあるから、今回何曲かそうしてみたんです。確かに“スターゲイザー”は鹿野さんが言う通りのエレクトロかもしれないけど、そもそもはほんとに好きなことだけを一気に詰め込んで瞬間的に作った曲だから、僕にはこれが至って普通の姿なんですよね」と話してくれた。

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA7月号 Vol.135』

節目の5枚目、お茶の間ブレイク後の1枚目、
つまりはかつてない勝負のアルバム『SHISHAMO 5』。
SHISHAMOの変化、そして宮崎朝子の揺るぎない確信を、
入り組んだ糸を解くように丁寧に紐解く！

本当に傷ついてる人のための歌を作ろうと思ったら、
フィクションじゃない、自分の中にあるものを出していかないダメだなって。
それは自分でもちょっとびっくりというか。こうなると思ってなかった

『MUSICA7月号 Vol.135』より引用

■『SHISHAMO 5』は節目の5枚目らしい一大変化作だと思っているんですけど、ご本人的にはどう思われているんですか？

「変化……とまでは行かないかもって気持ちです。SHISHAMOをやってる限りはSHISHAMOの音楽というのがあって、核となる部分は変わらないので。だから変化的なものはそんな意識していないのかなって……なんか、今は無事いいアルバムができてよかったなって思っていて。というのも、作ってる最中はわからなかったんです。自分の中でいいものになるかどうか、ちょっとわかんない感じで作ってて。完成してやっと、『あ、大丈夫だ、いいもの作ったな』って思ったんですよね。だからひと安心というか」

■それは今までと違う感覚だったの？

「『SHISHAMO 4』が凄くいいアルバムになったな、と感じていたので。でも次の作品は出さなきゃいけないし、だったら『SHISHAMO 4』よりもいいものを出そうっていうことだけは自分の中で決まっていて。そこに向けてたんで、今までとは違うやり方でアルバムを作ったのは間違いないんですよね。曲の作り方自体は変わってないんですけど、アルバムの作り方として『とにかく作ろう！』って感じで曲を作って……」

■ん？　作り方自体は変わらないけど「とにかく作ろう！」っていうのが違うって、よくわからないんだけど。それは具体的に違うの？

「結構違うんですよ、これは（笑）。今まではアルバムを作る時って、アルバムの完成形をなんとなく見越しながら曲を作ってたんですけど、今回はそうじゃなくて。『SHISHAMO 4』を出してからの1年はとにかく曲を作って、いい曲ができたら、その曲がアルバムに入るかどうかは考えずに、それをレコーディングしていくっていう形でやってきて。その中から一番いいものを選んでアルバムに入れるっていう作り方にしたんです」

■ストーリーやコンセプトイメージよりもベストソング集を作っていたということだと思うんだけど。前作が最高だったとご自分で純粋に思えたのもいいことだったし、同時に結果的にその作品に今までの中で一番お茶の間まで広がった曲（“明日も”）が収録されているという意味で、世の中に対しても結果を残したアルバムになったわけじゃない？　そういうことは宮崎の中でどういうふうに整理をした上で今回のアルバムに臨んだの？

「……それは感じていたからこそ、いつもと違う作り方をしたんだと思います。今までだったら、『いい曲できた、じゃあこれアルバム入れよう』ってなってたのが、『いい曲できた、でももっといい曲できるかもしんない』っていうふうな考え方になったし。そういう意味では少し慎重になったのかもしれないですけど。……『SHISHAMO 4』は、SHISHAMOっていうものが一番わかりやすく、SHISHAMOの音楽っていうものが端から端まで示せた――SHISHAMOはいろんな音楽をやると思ってるんですけど、それをちゃんと全部わかりやすく『SHISHAMOです！』って自己紹介ができるアルバムになっていたと思うんです。それをあのタイミングで作れてよかったなって、当時は思ってたんですけど」

■逆に言うと、その後に作るアルバムだというプレッシャーはあったんだ。そのプレッシャーとはどうつき合って、これを作っていったんですか？

「でも、できない時はできないしなぁと思って」

■あはははは。

「（笑）。曲を作れない時は作れない、いい曲ができない時はできないと思うんですよ。だから、もうとにかくやるだけなんです」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA7月号 Vol.135』

エレファントカシマシ、金字塔アルバム『Wake Up』！
何故今これだけ芳醇かつ潔く挑戦的な曲が生まれたのか？
まさに裸一貫リスタートを切ろうとする時期だからこその
決意溢れた意志を、男・宮本、絶頂トークで飾る！

やっぱりエレファントカシマシは、ここからまたスタートして
新しいエレファントカシマシを探して、自分達のものにして、それが
10年後にどうなっていくのかってことをやっていかなくちゃいけないし、
やっていきたいと思ってる。だから本当に『Wake Up』なんですよ
自分達の30周年の記念アルバムだって言えるのかもしれないし、同時に、
新しいエレファントカシマシへの第一歩のアルバムであるとも言えます

『MUSICA7月号 Vol.135』より引用

（前略）

■考えてみると、宮本さんって攻める時のアルバムは非常にヴァラエティに富んでるんですよ。たとえば『明日に向かって走れ–月夜の歌–』や『STARTING OVER』というセールス的にも大きな結果を残した2枚のアルバムも、それぞれベクトルは違えど、どちらとしても攻めた結果としてのヴァラエティの豊かさを持っていたど思うんです。

「あー、なるほど！」

■で、今回“Easy Go”の中に＜神様＞という言葉がありますけど、宮本さんがこういう使い方で＜神様＞という言葉を歌うのは意外なわけですが。

「（笑）」

■その＜神様＞という言葉は、このアルバム中で最も音楽的に異色であると言えるレゲエ調の“神様俺を”という曲に繋がっているし、そして1曲目の“Wake Up”は、明確に次に“Easy Go”が来ることを念頭に置いた上でオープニング的に作られている曲だと思うんです。そして一方で、“風と共に”の中で歌われる＜自由＞が、7曲目の“自由”にも繋がっている。何が言いたいかというと、このアルバムは、どれも相互の因果が強い楽曲達で構成されていると思うんですよね。話が長くなって申し訳ないんですが、ご自身では、どうしてこのような形になったんだと思われますか？

「いや〜、ありがとうございます。単純にひとつは、作っている時期が長い期間にわたってるんですよ。……“Easy Go”は完成したのが1月で、おっしゃる通りそれを踏まえて“Wake Up”をその後に作ってるんですが。たとえば『東京の空』というアルバムの時に最後の最後に“この世は最高!”という曲を作ったんですけど。非常に細かい話で申し訳ないんですが、私はその前に“奴隷天国”という曲を作ってまして、それと比べると“この世は最高!”は弱いんじゃないかってことを言う人がスタッフの中にもいたんだけど、でも“この世は最高!”は『東京の空』というアルバムのオープニング曲として絶対に必要だったんです。それと同じで、“Wake Up”もこのアルバムのオープニングとして絶対に必要で………でも、だから最初はこんな4分もあるような曲じゃなかったんですよ。2分20秒くらいの、非常にオープニング然とした、力強くて一番新しいエレファントカシマシの、俺の気持ちがバシッと入ってるものにしたいっていうのがあったんです。で、作ってみたら、この＜Wake Up Wake Up〜＞という繰り返しと＜ゆこう go go go＞というのが僕は本当に凄く好きなフレーズで、それが入ったことによって、逆に4分くらいの普通の1曲になっていってしまった（笑）。それこそ『RAINBOW』の1曲目の“3210”みたいな、そういう役割プラスアルファくらいのイメージで始めた作業だったのに、もう見る見る力強くなっていって。しかもその時は“Wake Up”というタイトルは決まってないのに、これができたことでアルバムのタイトルも『Wake Up』になるという、それくらい統一感が出た！という手応えが感じられたんですよね。それくらい最新の曲から、（アルバム曲順の）最後の“いつもの顔で”と“オレを生きる”という2曲は、私が感音性難聴で入院した後、半年以上の時間をかけてようやく曲を作り始めた頃――要は“めんどくせい”（2015年9月発売のシングル『愛すべき今日』収録）と同じ時期にできた曲で。つまり、歌詞は違うんだけど、2013年の曲なんですよ」

■あ、そんなに前の曲なんですね。

「そうなんです。だからこのアルバムには2013年から2018年5月まで、5年にわたるヴァリエーションが入ってるんですよね。しかも、冒頭の説明に近いんですが、“風と共に”や“RESTART”、“Easy Go”も含め、我々の足跡と共にある曲がたくさん入ってる。だから結果的に曲のヴァリエーションが広がったというのは、絶対にあると思うんですよ」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA7月号 Vol.135』