NICO Touches the Wallsの音楽観に迫る
幸福なる祭典「1125/2017 -ニコフェスト！-」レポートと
1年ぶりの新作『OYSTER -EP-』インタヴュー！

自分達のミュージシャンとしての在り方、
バンドとしての在り方みたいなものが、きちんと音楽で説明できた。
やっと、これまでの点と点が線で結ばれた感じなのかなって思います

『MUSICA 1月号 Vol.129』より引用

■ニコフェスト、素晴らしい1日でした。世代もジャンルもバラバラなラインナップにもかかわらずひとつの空気ができ上がってたのは、NICOがやってきたことがちゃんとお客さんに伝わってたんだなって感じがあって。

光村龍哉（Vo＆G）「あれだけお客さんが盛り上がってくれると思ってなかったから、その事実に感動しちゃいましたね。ライヴ中も言ったけど、続けててよかったなってあんなに思う日はなかった」

坂倉心悟（B）「ライヴもみんな、本当に感動させられたしね。僕はTwitter担当でライヴレポをやってたんだけど、そもそも文章書くの苦手だし、結局みんな似たり寄ったりになっちゃうんじゃないかって心配してたんですけど、全然そんなことなくて、むしろ文字数が足りないくらいの状態で。とはいえ、俺らがメインなんで負けないようにしないとって思って……そこが俺は心配だったんですけど（笑）、でも観てくれた人がちゃんとトリ飾れてたって言ってくれて、凄く安心しました」

古村大介（G）「あの日は……緊張しっぱなしでした」

■はい。確かに古くんは朝会った時から緊張してました（笑）。

古村「はい（笑）。でも、緊張してたけど、パワーをもらったし楽しませてもらったっていう気持ちも凄くあって。コラボも楽しかったし。最後の自分らのステージも緊張する部分はあったんですけど、それまでの時間の過ごし方がよかったから、いい空気感が自分の中に入ってきてて。最終的には緊張とは違う気持ちを持って演奏できたかなって思うし、それも含めてみんなにパワーもらったなって感じですね」

対馬祥太郎（Dr）「ミュージシャンであってよかったなっていう、ひとことで言うとそれに尽きますね。音楽を通してたくさんのことを生み出せて伝えられたというか。僕もパスピエの後ろでやるっていうことで緊張してたんですけど、リハもやったし、一緒にご飯食べにいったりもして、ただ共演者として感じることとは違うことを感じたりして……勉強することはたくさんありました。それはまたNICOに還元できたらいいなって思いますね」

■古くんはブルエンにゲスト出演し、対馬くんはパスピエ全編でドラムを叩いたわけですけど、みっちゃんはあの日3つもコラボをやり、かなりの大車輪っぷりだったわけですけど。

光村「いやー、長い1日でしたねぇ（笑）」

■特にスカパラの大所帯にひとりで飛び込んでいってヴォーカルを執る、しかもただ歌い上げればいいわけじゃない、スキャットしたりアジテーション的な要素もあるヴォーカルをあそこまで見事にできたのは、この数年の成長を凄く感じた瞬間でもありました。実際、自分ではどうだったの？

光村「音楽の楽しみ方が自由なんだよっていうことがお客さんに伝わってもらえれば、俺らが今までやってきたことがちゃんと繋がるんだろうなって思ってて。スカパラだけじゃなく、クリープとTKとやった時もそうだし、みんながコラボしてた時もそうなんだけど、そういう瞬間を観てもらうことで、音楽の楽しみ方がどんどん広がっていけばいいなっていうことだったから。1日通してそのパワーを一番持ってたのは、俺から見ててスカパラだったんですよね。それはバンド歴の長さとか、場数の多さが自然と結果となって表われてるんだなって思うけど。で、その中に入り込んでいった時に、お客さんに一番感じて欲しかったことを、俺が一番感じちゃったんだよね（笑）。『音楽ってこれだよな！』って、あの輪の中に入った瞬間に感じちゃって。この気持ちを俺はNICOでももっともっと出していかないといけないなって凄い思った。その意味では大事なことを教えてもらったし、スカパラとのコラボの時は、自分の皮が一枚剥けたなっていう気が自分でもしてて。あの瞬間は今年のハイライトでしたね」

■実際、その殻を破った感はあの瞬間に感じた。いちヴォーカリストとして、いちアーティストとして、もの凄く解き放たれてたよね。

光村「完全にそう！（笑）。もの凄い追い風が吹く感じだったんだよね」

■スカパラの音楽のパワー自体が、自由にやっちゃえよ、解放しちゃえよっていうふうに背中を押してくれる感じなんだ？

光村「そうそう。音楽を奏でながら、その音楽が持ってるエネルギーに心動かされる感じがあって、それがそのまま歌にも出ていったし。で、そういう心動かされる感じこそ自分がみんなに見せたかったものだから、ちゃんと自分が感じられながらやれたのはよかったなって。そういう意味では、あの1日はお客さんも演者もみんな同じ気持ちだったんじゃないかと思うし、それが一番素敵だったことだなって。誰かが何かを作り上げたってことじゃなく、音楽の核心にみんなが触れられた、奇跡みたいな日でしたね」

■だからこそ、それは奇跡ではないってことを、ここからのNICOの音楽やライヴで見せ続けていかないとね。

光村「それもそうだし、自分達のミュージシャンとしての、バンドとしての在り方みたいなものが、きちんと音楽で説明できたってことだと思う。それを言葉じゃなくて音楽自体で伝えたいって思ってやってきたわけだけど、やっと点と点が線で結ばれた感じなのかなって思います。そういう意味では、どんどん奇跡じゃなくなっていくし、みんな欲深くなっていくだろうなっていう予感がしましたね」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA1月号 Vol.129』

OGRE YOU ASSHOLEとD.A.N.、初のタッグツアー
「Optimo」実現。カウンター精神を持って
独自の秘境を突き進む両者のクロストークをここに

何にも属さず、何にも依存せず、そして何にも臆することなく
己の音楽的好奇心と信念を持って音のけもの道を切り開く
そんなバンド達によって今この国のシーンは多様性を増している、
その中でも傑出した存在たるOGRE YOU ASSHOLEとD.A.N.による
タッグツアー「Optimo」。両バンドのクロストークからその意義を探る

『MUSICA 1月号 Vol.129』より引用

■まずはそもそも、この2バンドでタッグツアーを行うことになった背景にはどんな経緯とどんな想いがあったんですか？

出戸学（OGRE YOU ASSHOLE）「『D.A.N.とOGREは一緒にやったほうがいい』っていうのは周りからずっと言われてて。もちろんD.A.N.のことは好きだったし、D.A.N.もOGREのことが好きだっていうのを薄っすら聞いていたんで、いずれ一緒にやるんだろうなとは思ってたんですよね。で、ある時、僕らを担当してくれてるイベンタースタッフから『単なる2マンで1回やるよりも、せっかくならツアーがいいんじゃないですか？』って言われて、それは面白そうだなと思って」

■D.A.N.はOGREへのリスペクトを公言してますけど、実際対バンしてどう感じました？

市川仁也（D.A.N.）「もうOGREのライヴが凄まじ過ぎて……元々僕らは昔からOGREを聴いてて、ライヴも観に行ってたんですよ。だからD.A.N.を始めた時から『いつかOGREとできたらいいね』って話もしてたし、マネージャーからも『やってみてもいいんじゃない？』って言われてたんですけど、ずっと『いや、まだ早いです』って言ってて。まだ足元にも及ばないと思ってたんで」

出戸「いやいや、どんだけ謙虚なんですか（笑）」

市川「でも今回こういう話をもらって、さすがにこれは断れないと思ったし、僕らもそれなりにライヴを積んできてたんでやろうってことになったんですけど……でも正直、OGREのライヴが凄まじ過ぎて、壁は高いってことを痛感しました」

櫻木大悟（D.A.N.）「僕らにとってOGREは、日本でも数少ない、本当に心からカッコいいと思える尊敬してるバンドなので。だからこのツアーはどの公演も日々勉強って感じでしたし、自分達としてはこの経験を活かしてなるたけ早くレベルアップをしていきたいと凄く思ってるとこですね」

川上輝（D.A.N.）「ほんと、日々勉強だったよね」

■OGREは一番最初のインディーズ時代は邦楽ギターロックバンド・シーンみたいなところにカテゴライズされてたのが、その後どんどん先鋭化して独自の道を歩いていくようになって。そこに意識的になったのはいつ頃からだったんですか？

出戸「『homely』からじゃないですかね。まさに“ロープ”とか作ったあの辺から、いわゆるロッキン系のところでやってても何も起こらないなっていうのを悟り出して。で、そこから違った感じになったと思いますね。まぁ別に意識的に狙って変えたというよりも、自分達がやりたいことをやったら自ずとそうなったって感じではあるんですけど。最初は求められてるものもそういう感じだったんですよ。たぶん事務所やレコード会社の人達はロッキン系に行って欲しかったと思うんですけど、『homely』を出して以降は周りにそういう人がいなくなりましたね（笑）」

■『homely』のひとつ前、『浮かれている人』の制作に入る前に東京を引き払って長野の原村に戻って、普通に野生の鹿が歩いてるような山の中にある出戸くんの実家をスタジオ化してプリプロするようになったり、同じ頃にそれまでの事務所も離れて、レーベルはメジャーとはいえインディペンデントな活動するようになったり、ある種、周りのバンドシーンとは距離を置くようになって。さっき「そこでやってても何にもならない」って言ってたけど、長い目で見た上での決断っていう感じだったの？　それともごく自然な選択だった？

出戸「自然にやりたいっていうのももちろんそうだけど、それこそ『homely』を出した頃って、今の音楽シーンの雰囲気とは全然違ってたじゃないですか。ちょうど10年前ぐらいって、もうちょっとやわなものが多かった気がするというか。それを見ながら、こういうのは確かに今は人気あるけど、いずれ出てくるであろう新しい人達、それこそD.A.N.みたいな若手の人達にナメられるだろうなっていう未来が微妙に見えてて」

勝浦隆嗣（OGRE）「ナメられるって（笑）」

出戸「（笑）や、でもそういう感じあったんだよね。だからナメられないような音楽を作りたいなって気持ちはありましたね」

■結構尖った気持ちがあったんだ？

出戸「あったと思う、あの時は」

馬渕啓（OGRE）「明らかに尖ってたでしょ（笑）。だからこそ『homely』を作って、グッとそっちにのめり込んでたというか、何やってもいいっていうモードになってきてたんだろうね。あらゆる制限がない、みたいな感覚で作り始めて」

市川「それまでは制限あったんすか？」

馬渕「ある程度はあった。ギター2本で、ライヴでも普通にやれるものとして曲作ってたから、それまでは。でも『homely』の少し前ぐらいからスタジオワークをスタジオワークとして考えるというか、ライヴを意識しないものを作ってもいいよね、むしろそのほうが面白いんじゃない？っていう意識になっていって。そこから変わったよね」

（続きは本誌をチェック！）

text by 有泉智子

『MUSICA1月号 Vol.129』

UNISON SQUARE GARDEN、3ヵ月連続
メンバー個別インタヴュー、最終回は斎藤宏介編。
驚異の歌唱力でモンスターソングを制する彼の本音に迫る

「曲を作ってるほうが偉い」みたいな風潮にジレンマを感じてきて。
だからこそ、「いい声だね」よりも「いい歌だね」って感じてもらえる
レベルに達したい。だから僕は、1個の音と1個のメロディで
20ぐらいのパターンを持っているんです

『MUSICA 1月号 Vol.129』より引用

■今回のこの取材にかこつけて素敵なプレゼント、新曲の片鱗を聴かせてもらいました。これは既に情報が発表されている『3月のライオン』のオープニングテーマになるもので。曲名が“春が来てぼくら”。これが3月7日にシングルとしてリリースされるということが決まりました。僕が聴いたのは、オープニングヴァージョン的なものだと思うんですが。

「そうです。89秒ヴァージョンですね（『3月のライオン』のオープニングアニメに合わせた秒数のもの）」

■ユニゾンのセンチメンタルパートの新しい代表曲になる予感が強い楽曲だなと拝聴させていただきました。宏介くんは、どう思ってますか？

「もの凄い手応えを感じていて。今これを喋ってる時点ではまだまだレコーディングが終わってなくて、これからストリングスとかが入っていく段階で。なので、鹿野さんに聴いていただいたのは、まだ打ち込みのストリングスの段階なんですけど。ただ、歌っててその世界にのめり込み過ぎて、2～3日戻ってこれないみたいな熱量を持って臨んだレコーディングだったので、それが上手く形になってくれたらいいなっていう想いでいますね」

■そのぐらいゾーンに入っていけたのは、どういう気持ちの表れなの？

「なんなんでしょうね？　ツアーを回りながらのレコーディングっていうこともあって、曲をCDにする重要性を肌で感じられる環境が常にあったっていうことですかね。あとは………バンドがよりよくなっていくためには、表に立って歌ってる自分がよりよくなっていかないといけないなっていうのもさらに今はあって。それは最近スカパラとやらせてもらったりとか、ツアーを回ったりっていう中で肌で感じてる部分なので、そこの意地みたいなところもあります。あとは、ライヴでやるんだろうなっていうことを想定した時に、珍しく歌ってて気持ちいい曲なので、よかったなっていう（笑）。田淵の作る曲って、『これ、ライヴでどう歌ったらいいんだ？』っていうのが多々あるじゃないですか（笑）」

■はははははははははははは。

「それを感じずにいられるっていう点では、最初から大きな苦労をせずに、ピュアにいろんな場所で歌っていけるんじゃないかなって思ってます」

■すんなり聴けるいい曲だっていうのが前提ではあるんですけど、A、B、サビの構成の曲で、A終わりとB終わりの両方でしっかり転調してて。

「あぁー！　確かにそうですね」

■バラードの転調って、大体最後のサビ前に大袈裟に盛り上げるために入ってくる曲が多い中で、極めて斬新なユニゾンイズムが出てるなって思ったんだけど。

「ははははははは、本当だ（笑）。でも、“flat song”っていう『10% roll,10% romance』のカップリングであったり、もう1曲ぐらいであった気がするんですけど、Bメロで転調してまた戻るっていう手法を、実は田淵が気に入ってて（笑）。その積み重ねで、僕だったり貴雄だったりリスナーだったりの中で違和感が取っ払われてしまっていて。だから、今言われて確かに転調してるなって気づいたぐらいなんです」

■宏介くんの中では、バラードを歌うということとアッパーでダンサブルな曲を歌う時に、ご自分の中で違いみたいなものはあるんですか？

「もちろんあります。技術的なところもそうですし、でも心技体が伴ってないと、そこに向かっていけないっていうのはあって。なので、歌う時の気持ちはまた全然違うものですね」

■なんで訊いたかって言うと、ユニゾンの曲の特徴だと思うんですけど――アッパーな曲ってアッパーらしい立ち振る舞いっていうものがあって。それは叫んだり、煽ったり、荒々しかったり、情熱過多なものだったりしていくことが、アッパーであるっていうことを表現していくスタイルだと思うんですよね。で、UNISON SQUARE GARDENの曲って、アッパーな曲の多くがとても美しく歌っているものが多くて。曲はあんなにも忙しないのに、歌をまるでバラードのごとく美しく歌うことによって、その曲がポップミュージックとして機能しているところがあると思っていて。

「面白いですね、その分析は。ただ、僕自身は一生懸命やってるだけなので、そんなに意識はないんですけど……客観的に見ると、詞曲をヴォーカルが自分で書いてないっていうところが一番影響してるのかなって思ってて。いろんなヴォーカリストの方と呑みに行ったりコミュニケーションを取っていく中で、詞曲を書いてる人は、そこで気持ちが結構な分量満たされてるんだなって気づくことがあって。その素晴らしい詞曲があるからこそ、それを自分が歌うことで完成させるみたいな気持ちでいるんだろうなと思ってて。でも僕の場合は違って、詞曲を田淵から渡されて、その中で自分が参加している意義をどうそこにプラスアルファしていくか？っていう考え方で。『その曲をより輝かせるために』とか『この曲をもっとよくするにはどうしたらいいか？』っていうことを常に考えながらやっているので、内容云々以上にどう歌うかっていうことが凄く大事になってくるんですよね。その『（曲に）歌わされず、（自分が）どう歌うか』っていうことを細かくやってるほうだと思うので、そういうところが鹿野さんの言うところの『綺麗に歌う』っていう部分に繋がってくるんじゃないかと思うんですけど」

■面白い。今話していただいたことが「自分が綴った言葉やメロディじゃないからこそ、自分の歌にしていくんだ」っていう意味だとしたら、ご自身のその自我がハッキリ見え出したのはいつぐらいからなんですか？

「最初からありましたね。最初からあったけど、もちろん続けていく中で技術が伴ってきてるので、その手法が変わってきたっていう感じですかね」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA1月号 Vol.129』