ACIDMAN、20年史を凝縮したかのような
決定的シングル『ミレニアム』完成。
大木伸夫が辿り着いた千年紀を紐解く

世間に中指立てながら歌うのはカッコいい生き様かもしれないけど、
俺はカッコいいことをやりたいだけじゃなかったなって気づいて。
もっと人間を信じよう、もっと自分を信じよう、
裏切られてもいいからそれを伝えていこうって思うようになった

『MUSICA 8月号 Vol.124』P.84より掲載

（前半略）

■まず、今作の第一歩はどういうところから始まったんですか？

「たぶん6、7年前に違う形のAメロ、Bメロとサビを作ったんですよ。自分なりに『いい曲だな』と思って納得はしてたんだけど、何故かもっと練りたくて、暇さえあれば練って練って……っていう作業を繰り返してた曲で。数年前にレコード会社の人達にも、サビは一緒なんだけど今とは違う形のものを聴いてもらった時に、凄い反応がよくて。10人くらいで聴いてもらって一番みんなにいいって言ってもらった曲であるにもかかわらず、何故かまだ俺が練り続けたくて」

■それは何が物足りなかったの？

「当時はただポップなだけの曲になっちゃってたから、自分の中でピンと来てなくて。でも、せっかく評判もいいし、初めて作った時の手応えも忘れてないから、イントロの始まりとか歌い出しとかに新しいメロディをつけて、試行錯誤してたんです。そうしていった時に、何を俺が欲してたのかっていうと、いろんな要素を入れたかったんだなってことに気づいて。ポップなだけじゃなくてエモーショナルな部分も入れたかったし、センチメンタルなバラードっぽい雰囲気も入れたかったし……っていうのを、やっと今回全部入れ込むことができて完成しました」

■一発聴いただけでガッツポーズの曲で。具体的に言うと、“ある証明”と“FREE STAR”が合わさって化学爆発を起こしたような曲だと思ったんです。それってACIDMANに一番望まれるニュアンスだと僕は思うし、しかもその深層には“イコール”とか“式日”までが聴こえてきて、3人の姿がフラッシュバックする感覚もある。そういうことはどこまで意図的に作っていったの？

「結果的にそれを感じたのはレコーディングの時ですね。レコーディングの数日前くらいに歌詞も書き終わってて、録る時は曲に対してちょっと冷静な見方になってたんですよね。そこで、そもそも自信作ではあったけど、それにしてもいろんなものが混ざってるなってことに気づいて。だから意図的じゃなくて結果的なんですよ。レコーディングの最中に紐解いていくと、『このワードはあの時にこうやって使ったなぁ』とか気づいて。この20周年というタイミングでいろんなものが組み合わされたからこそ、今こうしてこの曲を録ってるんだなって思いましたね」

■自分の中にある黄金律を、この20周年のタイミングだからストレートに受け止められたし、みんなにも届けたいと思ったってこと？

「たぶんそうだと思います。きっとこのタイミングでこそやりたかったんだと思うんですよね。だから、6、7年前にこの曲を発売しなかったのかなって。まぁ後づけではあるんですけど（笑）」

■自分達の得意な曲とか、世の中にも受け入れられた代表曲って、ソングライターの内面のど真ん中にあるものだよね。こうやっていろんな人達にインタヴューしてると、「そういう曲はまたいつでも書けるんですよ」っていう話を本人からよく聞くんだけど、でも本当はそんなことないんだなって。だってなかなか同じように感動しないし、なかなか同じようにヒットもしないし。素晴らしいアーティストでさえ、世の中と一体になって、なおかつその人自身やバンドのことを表現し切る曲を作ることは、やっぱり簡単にはできない。たとえば、サザンオールスターズが“TSUNAMI”を作った時も、“いとしのエリー”を超えなきゃいけない、同じじゃダメだっていう意識があったからこそ、あそこまで行けたのかもしれないと思うし。今回の“ミレニアム”にもそういう熱量を感じるんですよね。

「嬉しいですね。自分達は（デビューから）15年やれてるし、武道館で5回もやれてるっていう実績はあるけれど、それでもヒット曲が1曲もないバンドだと思ってるんですよ」

■そうずっと言ってるよね。

「だからこそここまで繋がってきてるのかなとも思うし。でも、やっぱり今でもヒット曲が欲しいんですよね。ACIDMANの代表曲が欲しいってことではなくて、世の中に知ってもらえるような曲を作りたいっていう想いは強くあるんです。でも、だからと言って曲を作り、詞を書く時に目線は下げることはできないんですよ――そこが毎回自分との闘いなんですけど。老若男女に響くような嚙み砕いた言葉は選べないんだけど、でも少しでもわかりやすく、ギリギリのところまで行けるように自分の中で解釈はしてるつもりで。その闘いは未だに続いてますね」

■“FREE STAR”とか“ある証明”も、「やった！　この1曲で世界が変わる！」って思ったわけではないんだ？

「いや、むしろ毎回どんな曲でも『この1曲で世界が変わる！』って思ってます（笑）。でも、スタジオでひとりで作ってるから、俺が『よっしゃー！』ってなってるところは、メンバーも含めて誰も見たことがないです。次の日にはもう落ち着いてたりするし。“ある証明”に関しては、ライヴでのお客さんの盛り上がりを見て、ファンのみんなにずっと支えられてる曲だなって思いますけど。しかも僕は、前にあった曲を超える、というような作品の作り方をしてないので。たとえばデビューシングルの“造花が笑う”っていう曲もそうだけど、もう一度書こうと思っても書けないものなんですよね。それは若いからとか、時代が違うからとかじゃなくて、記憶にインプットされてしまったからなんです。初恋のときめきは絶対に超えることができないのと一緒で。常にフラットに作ってるって言うのが正しいのかな。何かを目標に掲げてるつもりが、結局自問自答で、自分が今いいと思えるものに戻っていっちゃうんですよ。曲作りって、仮想敵がいると自分との闘いじゃなくなってきちゃうから、嫌になるんです。最終的にどんどん自分との闘いになっていく。お客さんが盛り上がって欲しい、曲が売れて欲しいとは思いつつも、いつも俺が選ぶのは自分との闘いですね」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA8月号 Vol.124』

MONOEYES、飽くなき探求心と確信をもって
生み出したマスターピース『Dim The Light』。
細美武士がその確かなる意志をじっくり語る

人とロックミュージックの関わり方が変わっていることは、
実際この時代に音楽を作ってる俺達にも必ず影響する部分だから。
自分達が今まで培ってきたものを崩さず、捨てずに、
新しい波なんて楽々超えてってやるよってことをやりたかった

『MUSICA 8月号 Vol.124』P.76より掲載

■今回の『Dim The Lights』は雄大な爽快感を感じると言いますか、清々しさや晴れ晴れしさを感じるアルバムで。繊細さや憂いもありつつも、でも全体にアップリフティングな感覚が強い楽曲が並んでいると思うし、かつ、ソングライティングやサウンドプロダクションにおいて様々なアップデートがなされていてファーストとは違うMONOEYESの新しいフィーリングと音像が凄く響いてくる作品だなと思ったんです。ご自分ではどう感じてますか。

「こういう曲を作ろうと思って作るタイプじゃないので、とにかく一生懸命曲を書いたっていうか。2月の頭から4月の頭まで、2ヵ月間ずっと作曲ばっかりやってたんだけど、なんとなく自分的には……いつもそうなんですけど、やっぱり新しい曲を作るとなると、前に自分が書いたものを超えていきたいなっていう感覚は常にあって」

■はい。

「何をもってそれまでに自分が出した作品を超えたとか、何をもってこれが一番新しいものだって問われると上手く答えられないんだけど、でも毎回、自分の中では今が一番いいものが作れたなっていう感覚になるまで作曲を続けるんですね。で、今作もそれができたなっていう感覚はあります。『ハードルを跳ぶ』っていう言い方をしてるんだけど、当然のことながらそのハードルは作品ごとに上がってくるわけで。しかもそれはMONOEYESだけの話じゃなくて――初めてレコードを出した時からずっとハードルが上がり続けてるっていう話なんだけど。そうやって毎回毎回ハードルを上げていくといつか跳べなくなるだろうなと思いながら、今まで作曲してて。でも、今回もちゃんと跳べたなって思う。どこかの時点で自分のソングライティングが完成したみたいな瞬間を迎えると、あとはその中でやっていくみたいな形になるのかもしれないけど、俺の場合はまだ自分の中に伸びしろを感じていて。で、今回もまだずいぶん伸びしろあったな、というのは思えたかな」

■昨年リリースしたthe HIATUSの『Hands Of Gravity』も、非常にアンセム性の高い楽曲が多く収められていて、メロディメイクにしても歌唱そのものにしてもまたひとつ大きな階段を昇った印象があったんですけど、その感触はこの作品でもまた改めて強く感じました。

「the HIATUSの作曲は柏倉隆史と伊澤一葉と一緒に3人でやってるから最初から縛りがあるんだよね。リズムとコードの縛りがあって、その中で自分がどんなメロディを作れるかってところでやってるんだけど、MONOEYESの場合は何もないところから、0から自分ひとりで作るから、そこは全然違うんだけど。……まぁざっくり言っちゃうと俺は凄く普通のコード進行で新しいメロディを作るっていうのが自分の強みだなと思ってるので、今回もその辺は奇をてらわず、でも新しいものを作れたと思います。歌を歌うことに関しては最近伸びてる実感はあるかな。レコーディングエンジニアも、今回が一番よかったって言ってくれてたしね。発声にしても歌詞を書くことにしてもメロディを作ることにしても、常に新しいテーマが自分の中にあって、それに取り組んでいるつもり。自分が出したアルバムは通算12枚目になるんだけど、いろいろ試してきた中で上手くいった部分、そうじゃなかった部分の整頓がついてきたっていうか、そんな感じはあります」

■MONOEYESはthe HIATUSと違って制約がない中での作曲だとおっしゃいましたけど、とはいえファーストアルバムである『A Mirage In The Sun』はそもそも細美武士のソロプロジェクトとして作曲していたのに対し、今回はライヴも積んでMONOEYESというバンドがしっかりとした実体を持った中で臨んだ作曲だったわけですよね。つまり、そもそも前提としてこの4人のバンドで鳴らすということがあった上での作曲になった。そうなった時に、ご自分の中で何か前作と変わったことってありました？

「ファーストの時は一生に1回しか作らないソロアルバムを作ってるつもりだったから、自分の人生の軸になるものを1枚作れればいいなと思ってて、そこにはあんまり時代性とか関係なかったんだよね。それで20曲ぐらい作った時に、どうやら自分が欲してるサウンドっていうのは4ピースのバンドサウンドだってことがわかって、今のMONOEYESのメンバーに手伝って欲しいって声をかけたんだけど。で、そのレコーディングを進めてるうちに、MONOEYESってバンドが生まれるのを見ながら、ああ、ここで俺のソロは終わったなって思ったんだよね。その後、このバンドに肉がついてきて実体のあるバンドになっていって。だから1枚目と今回との違いっていうことで言うと、今はバンドがちゃんと肉体を持っていて、この2017年に存在するバンドだっていう発想で作ってるところなんじゃないかな。この2017年に対する時代性を持ったっていうのが、ファーストとセカンドの大きな違いだと俺は思ってます」

■その2017年というものに対する時代性っていうのは、具体的にはどんなところに表れてると思いますか？

「一般的なリスニング環境を含めた、音楽と人の関わり方……音楽って言うと大き過ぎるかもしれないけど、やっぱりここ数年って、生活の中のどういう部分に自分達の音楽があるのかっていうのが大きく変わった時代だよね。ちょっと説明が長くなっちゃうかもしれないけど、たとえば俺が子供の頃はアナログレコードしかないところから始まって、中学ぐらいの時にCDが出て、アナログレコードにしてもCDにしても中学生とか高校生の時は月に買えても1枚ぐらいでさ、レンタルで借りたりするんだけど、音楽的な情報にしてもインターネットで調べたりできなかったから、ジャケットの印象だけで借りてきてたし（笑）。そうやってアルバム1枚買ったり借りたりして聴き込んで、そういう聴き方の中から自分が好きなものが見つかった時に、この音楽を作った人はどこの国の人なんだろう？とか、そういう感じで深く触れていく感じだったんだけど。だんだんそれが物理メディアじゃなくてデータで音楽をやり取りするようになって、音楽をお金を出して買うっていうよりYoutubeで聴くだけでも大量の音楽に触れられるし、ミュージシャンが音楽を発表する形そのものも変わってきた。日本はまだレコードが売れるほうだけど、そうじゃない状況の国だと、いいものを作ったらそれをネットに上げて、無料で全曲公開して、それでライヴに来てもらう、みたいな活動の形にシフトしている人たちもいるじゃん？」

■まさに。海外ではSpotifyとかストリーミングで発表することが当然で、世界的なリスナー事情を見れば完全にそっちが主流ですからね。で、まだCDが売れている日本でも、お店で音楽を探すよりもYouTubeで音楽を探す子、YouTubeでその音楽に出会う子のほうが圧倒的に多いですし。

「そうなったことで、（かつてアナログレコードからCDへの移行など、音楽を収録するメディアが移行した時よりも）もっとずっと大きな違いが生まれてる。昔はアルバム単位でしか聴けないのが当たり前だったし、曲も簡単に頭出ししたり飛ばしたり出来なかったんだけど、今ではインターネット上に無限に近いような曲数がある中で、どうしても1曲最後までは聴かずに飛ばすことも多いし、たとえばiTunesでどんな曲なんだろうと思って聴いても、頭の1分しか聴けなかったりするわけで。昨今のミュージシャンは頭の1分ぐらいでこういう曲ですっていう紹介を終えるのが当たり前になってきた」

■ああ、なるほど。「アルバムを1枚通して聴かなくなった時代」というのはよく言われることだけど、もはや今はその段階すら通り越して、1曲ですら頭から最後まで通しては聴かれにくい時代になっているっていうことですよね。確かに、それはその通りかもしれない。

「そうなんだよね。だから、音楽を書くフォーマットそのものが変わってくるんだよね。たとえば、4分30秒から4分45秒までが本当に凄い曲みたいのは前ほど聴いてもらえない確率がどうしても高くなってしまうので、曲の後半にカタルシスを持ってくるにしても、その予感を前の方に置いとかないととか、そういうふうに曲の構造自体が変わってくる。じゃあそうやって曲の構造が変わってくることが悪なのか、音楽的後退なのかって言ったら、それは必ずしもそうじゃないわけ。実際にそういう今の時代の聴かれ方に則った新しい作法で作られた曲が世の中には溢れていて、かつ、その中から新しく、素晴らしい音楽がどんどん生まれてきているわけだから。そうやって時代にそって音楽は進歩してきたし、むしろそれはフォーマットがまったく変わらない状態では生まれなかったものかもしれないんだよね。文化の営みの中では必ずあることだし、同時に、それに対する反発でまたオールドスクールに回帰したりして、またそこから新しいものが生まれていくってことも起こるし。そういうことが起こらなければ流れのないスティルウォーターになっちゃうし、流れがないものは淀んでいくので――」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA8月号 Vol.124』

10-FEET、TAKUMAの最深部が露わになった
シングル『太陽の月』リリース！
名曲誕生をメンバー全員で語り合う

“太陽4号”は自分の核の部分に近いのかなって思います。
今まで夏服やったり冬服やったり、モッズやったりパンクやったり、
いろんな服装をしてきましたけど、海パン姿だけはやってなかったなって（笑）

『MUSICA 8月号 Vol.124』P.68より掲載

（前半略）

■“太陽4号”はとても10-FEETな名曲だなと思うと同時に、凄くビックリしました。一番ビックリしたのが、歌い出しの歌声で。これ、街中で突然聴こえてきたら、TAKUMAが歌ってるとは思わないと思います。

TAKUMA「あ、ほんとですか」

■はい。とはいえ曲としては自分の殻の中のものを全部出し切ったような感じもするし、バンドとしてはまたひとつ殻を破ったような曲でもあるし。とても不思議な感じで聴かせてもらった、素晴らしい曲なんですけど。どういうところから生まれてきた曲なのか、教えてもらえますか。

TAKUMA「メロディと、ゆっくりなテンポ感と、コードだけは最初にあって。サビ以外のメロディは最初はちょっと違ったんですけど、でも、それを持って3人でああでもないこうでもないって言いながら始めたんですよ。最初は、できたらこれも僕らの得意としてる速いテンポ、激しい感じでやりたいなって思いながらアレンジを始めて。だから途中で凄く速くなったりもしたんやけど（笑）、でも、これを速くしても他の速い名曲に負けたりするし、得意でやりやすいんやけどドキドキせえへんなっていうのもあって。だから遅い曲として生まれて速くなって、また遅くなって、それで最後の最後に『速いパターン、もう1回やってみいひん？』って言ってやってみて、最終的にこのゆっくりなテンポに戻ってきたっていう（笑）。僕らって遅い曲には腰が引けてしまうところがあるんですけど、2回確認を経たことで、『やっぱりこの曲はこのテンポなんや』って信じて集中できたのは大きかったですね。……僕らにしてみたら、速い曲も遅い曲も作ってる時は同じだけ楽しいし、やり甲斐も同じだけあるんですよ。だけど、特にキッズにとってはテンポの速い・遅いは凄く大事なんやろうなっていうのは思っていて。だけれども、別に僕らの気持ちが落ち着いたわけでもなく、ゆっくりな歌モノをやりたいっていう気持ちになってたわけでもない中なかで、それでも自分達がいいと思えるゆっくりな曲が生まれてきた時に……正直、それがみんなにとってもいい曲なのかどうか、一度聴いてみて欲しいっていうのが大きかったんですよね。……今までゆっくりな曲はそんなにやったことがなかったんで、僕ら自身は凄く新鮮な気持ちでアレンジできた曲やったんです。まぁ“シガードッグ”とか“風”とか、過去にゆっくりな曲はありましたけど、その時は『これは頭捻らんといい曲は生まれへんぞ』って意識でやってたんですよ。だけど“太陽4号”は変な煮詰まり方もせず、凄く集中して作れたんです。せやから、普段俺らのライヴに来てくれてる人達がこの曲を聴いてくれた時に、速い曲とか遅い曲とかを超えてちゃんと届くのかどうかっていうことを知りたい。僕自身はそういう力を曲に感じてたので、それを知りたい気持ちは強いですね。ただ、実は“太陽4号”をシングルにしようとは決めずにレコーディングに入ったんですよ。今回の2曲目に入ってる“月〜sound jammer せやな〜”が表題になったかもしれんし、他にも手をつけてる新曲が6曲くらいあったので」

■KOUICHIとNAOKIは、“太陽4号”の原型を聴いた時にどういうことを思ったんですか。

KOUICHI「まぁテンポが遅かったのでびっくりはしましたけどね。でも、メロディもいいし、これをやることによってまた新しい10-FEETを見せられるなとは思って。……こういうゆっくりな曲ができ上がる時の話は他のバンドから聞いたりはしてましたけど、実際に自分がやってみたら、ほんまに難しくて（笑）。だけどこれをモノにできたら、バンド的にも自分的にもいいなっていうのは思いながらやってましたね」

NAOKI「最初にこの曲をスタジオで合わせていた頃は『これがシングルや』っていう感覚もなかったので。今まで“シガードッグ”みたいな曲があった上で、これをアルバムの中の1曲として入れようっていうのが自然な流れやなと思ってたんですけど、曲の構成ができ上がっていく中でシングルの候補に挙がっていって。さっきTAKUMAが話したテンポをいろいろ変えていった時は、やっぱり速いテンポもいいんですけど、なんか普通やなっていう感覚があったんですよ。で、この曲は遅いテンポのほうが面白くなるんやろうなって思って。そういう中で少しずつ、これは10-FEETのシングルとして出してもおかしくないんやろうなっていう曲に仕上がっていった気はします」

■『アンテナラスト』から3枚目になるシングルなんですけど、その楽曲達のバランスの中で、もっとハッチャケたアンセミックな曲のほうがいいんじゃないか？みたいな気持ちとか、逆に俺らはここまで成熟してきたんだっていうことを曲で伝えたいんだ！みたいな気持ちとか、そういう部分ではどういう気持ちだったんですか？

NAOKI「『アンテナラスト』、『ヒトリセカイ×ヒトリズム』と続けてきた上では、僕はハッチャケた感じの曲で行くべきやと思ってましたね。ただ、ハッチャケた曲ならなんでもいいっていう感じでもなく、ハッチャケる中でも突き抜け切ったものならアリやなって思ってて……最初はそう考えてました。けど、何曲か作っていく流れの中で少しずつ考え方は変わっていきましたね。そういうことに囚われず、曲として今どれがいいのかを一歩引いた感じで落ち着いて見られたというか」

■これまでも10-FEETっていうバンドは、いい意味で、心の中にある弱い気持ちをちゃんとスタイルにしてきたと思うんですね。

TAKUMA「はい、そうですね」

■それは毎回考え抜いた上でやってきたことだと思うんだけど、この曲の歌は、そのスタイルさえも外したなと思うくらい、ただただ丸裸なんだよね。そこが凄く新しく聞こえて聴こえてきたんです。

TAKUMA「ああー、はい（笑）。まさに僕もそう思います」

■歌詞もメロディとピタッとハマッていない、フォーク的な字余りがたくさんある歌詞だし、いろんな意味で10-FEETの曲として新鮮なんですよ。で、その上で圧倒的なサビのメロディの素晴らしさがあって。僕はこの曲をシングルにした決断は素晴らしいことだと思う。

TAKUMA「NAOKIも言ってましたけど、僕も頭で考えたら、次はハッチャケた曲やろ！って思ってたんです。イケイケやろ次は！って。だけど曲って……どんな曲を作ろうとしても、思ったように行く部分と思ったように行かへん部分が半々くらいなんですよね。たとえば『勢いはあるけどパッと来ぃへんな』って思ってた部分も、レコーディングが終わってみたら『めっちゃパッとくるやん！』ってなってたり。逆に『デモの段階では耳に残る曲やったのに、でき上がってみたら抽象的やな』みたいな印象になったり。そういう、完成した時に曲が色を変えてることもあったりするんですよ。ただ、そういうことを超えた、曲そのものの力っていうのを今回の1曲目にも2曲目にも同じくらい感じてて。……なんかね、どれをシングルにするか迷ってた時に『次のシングルが最後やったとしたら、どれにします？』って言われて。そしたら、やっぱりこの“太陽4号”やったんです。前回の2作品からの流れとかも考えず、今回できた中で純粋に曲の力を信じてどれを打ち出すかって考えたら、やっぱりこの曲やったんです。正直めちゃくちゃ迷いましたけど、“太陽4号”を選ぶことで、これから作っていく曲が広がっていく奥行きを感じてドキドキしましたね」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA8月号 Vol.124』