BOOM BOOM SATELLITES、
オールタイムベスト『19972016』を発表。
中野雅之との対話から、彼らの旅路の足跡を辿る

本当に長い時間を同じ場所で一緒に過ごしたし、
話し合ったことの中には生き方から何からすべてのことがあった。
毎日の生活のすべての営みが、
自分が音を作ったり川島くんが歌ったりすることに
帰結していく日々を繰り返してきた

『MUSICA 4月号 Vol.120』P.90より掲載

■この『19972016』は、ベストアルバムというよりも、オリジナルアルバムと呼ぶべき作品であり、中野さんがBOOM BOOM SATELLITESというものを作品として4枚の形で提示したものになったなと思うんですけど。

「僕もいわゆるベスト盤とは感触が違うものだと思っていて。細かいことを置いておけば、曲を並べただけとも言えるわけですよ。でも、不思議なことに、曲を並べていった時に既に作品としてのフィーリングを感じられるものになっていて。ベスト盤って基本的にはリードシングルや代表曲を並べたものだから、スタンスとしては1曲ごとに対しての思いがあって聴くっていう感覚になるものだと思うんですが、僕らの場合は不思議とストーリーを感じてしまう作品になるんだなって思いました。もちろん、作品性のあるものにしよう、作品として聴かせるものにしようという意図はあったんだけどね。ただ、意図してストーリー性や作品性を注ぎ込まなくても、自然とそう仕上がるんです、並べてみると。もちろん馴染みがいいように音は調整していくんですけど、曲が勝手に導いてくれることのほうが大きかったんじゃないかなっていう感じがあって。それがこのバンドの特色なんじゃないかな。何かを終えて次のステップに向かうっていうのが、どの曲にも何かしら感じられる楽曲を作ってきているから、そういう作品性なりストーリー性なりっていうものを必然的に帯びてくる曲達だったんじゃないかなと自分では分析していて。あと自分でもびっくりしたのは、初期の曲も不思議なくらい古くないんですよ」

■そうなんですよね。このアルバムの曲達は2017年に全部作りましたって言われてもすんなり頷ける、古びれなさがありますよね。

「そう、自分でもそれにちょっと驚いていて。いろんな理由があると思うんだけど、主にふたつあるんじゃないかと自分では感じていて。ひとつは、ビートミュージックはトレンドでできてるので、そのトレンドの扱い方によって、あとそのトレンドを利用した以外の音楽の本質的なところの扱い方によって、古くなったり古くならなかったりする、そこが僕らはしっかりできてたんだなってこと。もうひとつは、精神論みたいになっちゃうけど、その楽曲やひとつひとつの音に対してどんな姿勢をもって接していたかでだいぶ変わってきそうな気もするなって。これはちょっと観念的な話ですけどね。ただ、そうとしか説明できないんじゃないかなっていうのは自分の作品を振り返って感じたことです。それはやっぱり誇らしいことだし、ちょっと自分達のことが不思議な感じがします」

■それはどういう意味で不思議なんですか？

「自分が作ってる時は目の前にあることに全力で取り組んでいるだけで、そこまで作為的ではないわけですよ。でも今聴いてみると、こんなにいろいろ考えてたのかとか、どんなエネルギーの量を注ぎ込んだらこれができるんだろうっていう不思議さがあって。その間、川島くんとの関係性も変わっていくし。ただの大学の同級生の友達から……ほんとにただの大学生の友達だったんですよ、学校の帰り道にふたりでパチンコ屋に寄ったり、レコード屋行って一緒にレコード買ったり」

■同じジャズ・バーでバイトをしたり。

「そうですね、とても近所で過ごしながら川島くんの部屋で音楽を作ってて。それから音楽が仕事になって……僕自身は、お金を1円でももらい始めたらそれは仕事で、誰かに対しての責任が発生していて、だから遊びとしてやってた今までとこれからは責任が全然違うんだっていう頭の切り替わりが早かったんだけど、川島くんはその切り替わりが不思議なくらいゆっくりだったんですよ。だから川島くんの場合は、デビューした後から年々少しずつ少しずつ聴いてくれる人がいることの重みが増していったんですけど、その変化が楽曲に表れていて。重みが増していくに従って言葉遣いも変化してくるし、自分とリスナーとの関係性も、どこまでも問いただしていくような感じになっていって。で、川島くんが人生の中で人間的に成長していくのと連動して、バンドの音楽も豊かになっていく。そういう道筋を辿っていたんだなってわかりますよね」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA4月号 Vol.120』

04 Limited Sazabys、初の日本武道館公演。
完全レポートと全員インタヴューで、
その胸中と新たな野望に迫る

「リスナー」でも「ファン」でもなく、
同じ熱と同じ衝動をその胸に宿した「仲間」を増やし続けてきた
フォーリミだからこそ描き出せた、
体の奥底から突き上がる興奮が、熱狂が、そして感動が、
眩いばかりの自由と共に溢れ返った、
これぞまさにライヴハウス武道館たるあの光景――
後日インタヴューと共に、初の武道館公演を振り返る

『MUSICA 4月号 Vol.120』P.50より掲載

（前半略）

■飾ることないバンドの姿と楽曲が生き生きと躍動する、素晴らしいライヴでした。まずはそれぞれの実感から教えてください。

GEN「なんか、あんまりゴール感なくやれたんでよかったなと思います」

■それ最近みんな言うけど、武道館がゴールになってしまう怖さって凄くあるんですか？

GEN「ありましたね。お客さんも燃え尽きちゃうんじゃないかっていう気がして（笑）」

KOUHEI「最近みんな武道館やるじゃないですか。昔はやっぱりほんのひと握りの人しか立てないような場所だった気がするんですけど、今は割とフェスに出てるようなアーティストだったらたってもおかしくない場所になってるとこがあって。だから武道館やってもまだまだ次があるんだなってところを見せなきゃいけないし」

■ただ武道館をやり切るのではなく、そこでその先を感じさせるライヴができなければある意味負けだという感覚は、この世代は結構持ってるよね。

KOUHEI「まぁ当日はそこまで力入ってる感じも緊張してる感じもなかったんですけど、翌日みんな筋肉痛になって（笑）。ってことは、やっぱ気が張ってたり、力が入ってたんだなっていうのは思いましたね。でも次の日から普段と何も変わらず仕事入ってたんで、気持ち的には大きくなったかもしれないですけど、さらにまた次を見なきゃみたいな感じになれてたんで、僕ら的にはいい通過点にできたのかなって思いました」

■当日のライヴはどうでした？

KOUHEI「やってる最中は大丈夫かな？みたいな、ちょっと不安なところがあったんですけど」

GEN「いつものライヴハウスに比べると音が広がって、締まってない感じに聴こえたので結構やりにくかったんですよ。僕ら楽曲も速いしドラムも細かいんで、これ、ちゃんと伝わってるかな？って思いながらやってたところがあったんですよね」

KOUHEI「でも、3日後くらいに録音したライン音源を聴いた時に、『あ、思いのほかできてるな』と思えて、そこでようやく安心したっていうか（笑）。でも完璧じゃなかったんで、それも踏まえて通過点になったのかな。また武道館でやりたいと思えたし、その時は絶対に今回のライヴを超えていかなきゃいけないと思ったので。そう思えたのが一番大きかったかもしれないです」

HIROKAZ「会場入りするまでは凄いデカいのかなって想像してハードル上がってたんですけど、フェスで大きいステージに出させてもらってたこともあって、リハの時にこれは見たことある感じだな、イケるなと思って。それでいつも通りできたと思います。ただ、自分達はいつも通りだったけど、周りの雰囲気がもの凄くおめでとうっていう感じだったので、やっぱ凄いとこなんだなと思って（笑）。まぁ僕ら自身はまたすぐにYON FESがあるんで、終わった後はそこに向けてシフトチェンジしてるんですけど。逆に、YON FESがあるからゴールじゃない感じにもなったと思います」

RYU-TA「僕も緊張しなかったですね。紗幕が落ちる前まではちょっとドキドキはしてたんですけど、“monolith”で紗幕が落ちてお客さんの顔を見て、これはテンション上がってきたなと思って。だから凄くやりやすかったです。フェスとかで大勢の前でやるってことが凄く気持ちよくなったので、それが武道館でも気負いなくできたことに繋がってたのかなと。でもやっぱり、ワンマンであの大きさでできたのは自信にはなりましたね」

■GENくん自身はライヴはどうだったの？

GEN「まあ、普通よりちょっといいぐらいです。75点ぐらいですかね（笑）。悪くないライヴなんですけど、『今日はカマしたなぁ！』っていうライヴでは全然なくて……でも、それもよかったなっていう感じですね。逆にあそこでオリンピック決勝戦、世界新記録とか出しちゃってたら、僕ら的にも『あー、やり切った！』みたいな気持ちになってたかもしれないし。でも、もっとできたなっていう気持ちがあったんで、またやりたいなっていう気持ちにもなりましたし――」

（続きは本誌をチェック！）

text by有泉智子

『MUSICA4月号 Vol.120』

クリープハイプ、必殺の新曲“イト”完成！
尾崎世界観の今の胸中、そして新曲に迫る

「ここに飛び込めばいい」っていうのは
わかってるんだけど、怖かったり、
なかなか飛び込めなかったんです。
でも“イト”はやっとそこに飛び込めました。
いつも準決勝で負け続けてたけど、
久しぶりに決勝まで来たなって感じがするんですよね

『MUSICA 4月号 Vol.120』P.76より掲載

（前半略）

■そして、本作“イト”のお話です。この映画『帝一の國』とのタイアップの話は、だいぶ前からあったお話なんですか？

「去年の秋くらいに話をもらいましたね。……なんでだったかは覚えてないんですけど、監督（永井聡）との初めての打ち合わせの時に、ヤバいくらいの二日酔いだったんですよ。震えるくらい酔っ払ってて（笑）」

■え……めちゃくちゃ大事な打ち合わせでしょ？

「そうなんですよ（苦笑）。それなのに、打ち合わせの時にエレベーターに映った自分の顔を見て『ヤバい……』と思ったぐらいで。どうしようぅぅ……と思いながら、打ち合わせが始まって。絶対にこれは曲で恩返しをしたいと思って……もう本当に『なんでこうなっちゃったんだろう』っていう後悔の嵐の中から曲作りが始まり……」

■はははははははははははははは。

「ずっと『申し訳ない……』って思っていましたね（笑）。でも、このことは絶対に覚えておこうと思って。ミュージシャンなんだから曲で返そうと決意しました。……で、やっと1月の頭くらいにサビができて。それまでは『どうしても詰まっちゃって、ここから先にメロディが行けないなぁ』っていう感覚があったんですけど、急に思い出せたんですよね」

■メロディがパーンと抜ける感覚を？

「そうです。『あぁ、これだったな！』って。今まで触ったこともないけど、懐かしい感じというか。遅れたことも申し訳なかったし、自分の中で後悔の残る打ち合わせが、これでチャラにできるくらいのサビだなって思えて」

■僕はとても攻めている曲だと思いました。何に対して攻めているかというと、一番はお茶の間に対して攻めている曲だってこと。この曲ほど、意を決して「ただのポップス」をやろうと。みんなのど真ん中に行こうとしているのって、僕が知る限りでは“憂、燦々”の時しかなかったと思うんです。で、あの時は――。

「あの時は単純に『いい曲を作らないといけない』、『爪痕を残さないといけない』っていうのがあったので、ガムシャラに限界まで振り絞った結果、少し届いたのかなって感覚だったんですよね。今回はあの時よりもいろんなことをやってる分、『ここだな』っていうのは感覚としてわかってて。『ここに飛び込めばいい』っていうのはわかってるんだけど、怖かったり、なかなか飛び込めなかったんです。でも今回はやっとそこに飛び込めました。だから、“憂、燦々”の時よりは意識的にポップという概念を狙ってやれたのかなって。あと、あの時は『もっと行ける』という可能性を感じてたんですよね。だからあの曲で『あぁ、ここか。ここまでやってもこんなもんか』って落ち込みもしたし。今のところの自分達のピークだったし、大切な曲なんですけど、それ以上に悔しい曲でもあるんですよ。そうやって天井が見えてしまった曲でもあるから。だから、今回はもう一度その天井を壊そうと意識してそこに行きました。だから2度目の挑戦っていう感じですかね」

■『帝一の國』は今年のゴールデンウィークの目玉映画だと聞いているんだけど、それも含めて尾崎は「あ、ここで賽は投げられたんだな」ってきっと思ったと思うんですよ。そこで「このチャンスを逃しちゃいけない」っていう悲壮感が漂うものではなく、「この椅子に座らせるのはどういう音楽なんだろう」っていうことをフラットに考えられたのが、功を奏していると思う。曲自体から、そういう批評能力がビンビンに響いてくる。

「そこは“鬼”での経験が大きかったかもしれないですね。ドラマの主題歌っていうのも初めてだったし、いろんなことをやり尽くして、最後の手段でああいう手法————とことんドラマの内容にも向き合って、変な曲だけど、癖になる感じで勝負しようと思って、考え抜いて到達できたので。でも、『あれでもなかったけど、これでもないのか……』とも思いましたし」

■でも“鬼”は、寄り添ったドラマ自体が世の中に対してのダークネスを出していくものだったし、それが必然的に音楽にも求められていたと思うのね。そういう意味では癖を全面的に大衆に出さないといけない曲だったし、そもそものベクトルが今回とは違うと思うんです。僕はこの映画の原作をまだ読めてないけど、プロットを見ながらこの曲を聴いていると、もっと楽しくて素直に人の中に入り込んでいける作品なのかなって思っていて。それってクリープハイプらしくはないけど、でもそれをこの楽曲はある意味忠実に表していると思うんですよね。そういうテーマの曲を尾崎がやるっていうことは結構頑張らなくちゃいけなかっただろうし、今まではそこに対してここまでど真ん中の直球を投げられなかったと思うんだよ。

「本当にそうですね。そこは頑張りましたね。何よりも嬉しかったんですよね。“破花”の時もそうでしたけど、“破花”はああいう曲だったからわかりづらかったのもあるし。だから、今回はもっとわかりやすく真ん中でやれたのかなって」

（続きは本誌をチェック！）

text by鹿野 淳

『MUSICA4月号 Vol.120』